Основные черты. 
Неопластицизм в архитектуре

Главной чертой неопластицизма было строгое использование выразительных средств. Для построения формы неопластицизм допускает лишь горизонтальные и вертикальные линии. Пересечение линий под прямым углом — первый принцип. Около 1920 к нему добавился второй который убирая мазок и подчеркивая плоскость ограничивает цвета красным, синим и желтым, т. е. тремя чистыми основными цветами к которым можно добавить только белый и черный.

С помощью этой строгости неопластицизм предполагал выйти за рамки индивидуальности чтобы достигнуть универсализма и создать таким образом новую картину мира. Теории неопластицизма и его цели были сформулированы в журнале «Стиль» .

Основные представители

Тео ван Дусбург. ДУСБУРГ (Doesburg) Teo ван, настоящее имя — Кристиан Эмиль Мари Кюппер, (1), знаменитый голландский художник, архитектор, урбанист и теоретик неопластицизма. Один из основателей и лидер группы «Стиль» .

" Цель природы — человек, цель человека — стиль" .

Родился в Утрехте. Проявил себя как художник-универсал и критик-искусствовед. Он занимался чистой живописью, искусством шрифта, конструированием, оформлением интерьеров и архитектурным проектированием. Как поэт выступал под псевдонимом И. К. Бонсет, как философ — под псевдонимом Альдо Камини. Псевдоним Тео ван Дусбург использовал для публикаций в журнале «Де Стил».

Около 1913 заинтересовался проблемами интеграции чистой живописи и архитектуры. В этой области проводил исследования совместно с Ж. Р. Аудом и Ж. Вильсом. Создал в Лейдене с Аудом художественную группу «Сфинкс», которая, однако, просуществовала недолго. В 1917 знакомится с П. Мондрианом, с которым основывает группу и журнал «Стиль» .

Группа «Стиль» объединяла художников и архитекторов и пропагандировала «радикальное обновление искусства». Журнал служил трибуной «для создания единого интернационального модуля в Жизни, в Искусстве, в Культуре» посредством «чисто пластического произведения искусства», через создание равновесия между «универсальным и индивидуальным» .

Дусбург явился идейным вдохновителем группы Стиль", разработчиком концепции и пропаганды рационализма, защищал геометрическую и скульптурную архитектуру в противовес картинному ее восприятию. Рациональное направление группы «Стиль» представляло оппозицию картинным эффектам экспрессионизма архитектурной школы Амстердама.

В 1917 вместе с Аудом предпринял одну из первых практических попыток создания синтеза живописи и архитектуры в интерьере холла виллы Ауда в Нордвикерхоуте близ Лейдена, в котором архитектура трактовалась посредством живописи (использование открытых, чистых цветов в обработке подвесных потолков и геометрических окон). А напряжение усиливалось посредством живописи плоскостей, вписанных в архитектурное пространство.

Ведущая роль окон находится в полной гармонии с принципами «Стиля» и органически связана с пространством интерьера.

Через десять лет в кинотеатре и дансинге Лобетт в Страсбурге, расположенных в старом здании, созданном архитектором Ф. Блонделем совместно с X. Арном, трактует абсолютно все плоскости, но уже в более крупном масштабе, следуя законам неопластицизма. Модульность пластики здесь выражена плоскостью или прямоугольной призмой посредством живописи (применение открытых, локальных цветов — красный, желтый, синий, и противоположных — белый, черный, серый).

Одной из основных тем Дусбурга были вопросы жилья, в решении которых руководствовался принципом главенства организации внутреннего пространства над общей пластикой. Он утверждал, что в основе проектирования пространства должны лежать простые геометрические пропорции, четкие конструктивные решения и рациональный подход. Вместе с этим — полностью отсутствовать произвольные формы, эмоциональность и пафос. Интерьер должен собираться как конструктор. По его мнению, каждый отдельный элемент, будучи проекцией чисто пространственной, должен быть открытым со всех точек «как кристалл, растворенный в универсальном пространстве» .

В 1920 предпринял турне-конференцию по Европе (в том числе по Голландии), где близко познакомился как со Школой Баухауз, так и с направлением дадаизма в искусстве. Тогда же им было дано определение будущей архитектуры, которая должна отречься от претензий на концепцию формы, представлять сумму самостоятельных элементов, быть экономной, безордерной, монументальной независимо от места и масштаба и так далее. В 1924 в издательстве Баухауз опубликовал свою первую теоретическую работу под названием «Фундаментальные принципы неопластицизма». Оригинал опубликован в Амстердаме (1919), а затем издан в шести книгах в Мюнхене.

Во время своего кратковременного увлечения дадаизмом ван Дусбург издаёт в 1922 году дада-журнал «Мекано» как приложение к журналу «Де Стиль» .

В 1927 году ван Дусбург в сотрудничестве с Гансом Арпом и Софией Таубер-Арп спроектировал интерьер кафе «Обетт» в Страсбурге. Два больших прямоугольных зала в нем украшены «элементаристской» живописью в «основных цветах» и «не цветах». Рисунки наложены на все плоскости помещения. За счет них главные линии пространства: горизонтали и вертикали «разбавлены» диагональными элементами. В композицию залов включена мебель из гнутого дерева. Освещение — простые плафоны на двух металлических трубках, закрепленных на потолке.

Как считал лидер группы «Де Стил», внешний облик здания должен определяться его планировкой. Новая архитектура «не пытается втиснуть различные по своему функциональному назначению помещения в один закрытый куб, — писал он. — Скорее она центробежно разбрасывает функциональные помещения… от центра куба. Благодаря высоте, ширине, глубине и времени… архитектура становится как бы парящей, так сказать, противодействующей силе тяжести».

По профессии ван Дусбург был архитектором, живописи же учился самостоятельно. Правоугольному построению картин Мондриана ван Дусбург противопоставил диагональное, назвав эту манеру «Контер-композицией», также представляя свои строгие по цвету и формам картины в виде моделей всеобщего творческого преображения окружающей среды. Для защиты своей художественной позиции, не совпадающей с манерой Мондриана, художник излагает свои идеи в изданном им в 1930 году журнале «Арт конкрет», вышедшем всего один раз.

Его разрыв с П. Мондрианом в 1925 г. приобрел публичную огласку, тогда же Ауд отказался от сотрудничества с Дусбургом, обвиняя его в дилетантизме, хотя и гениальном. Архитектор переезжает жить в Париж, где строит собственный дом и студию в Медон — Вал-Флери (1929;30). В этой работе собраны и доведены до кульминации все концепции и принципы «Стиля» .

Смерть Дусбурга ознаменовала конец группы «Стиль». Несмотря на кратковременность существования группы и преимущественно теоретическую ее ориентацию, творчество архитектора до сих пор продолжает влиять на мировую архитектуру и занимает в ней значительное место. Концепции пространства, основанные на выходе из двухмерности плоскости картины и добавлении третьего измерения, будучи в органической связи с архитектурой, которые выделил и определил Ван Дусбург, остаются живыми, состоятельными и сегодня.

Ритвельд Геррит Томас. Ритвельд Геррит Томас (Gerrit Thomas Rietveld (1889−1964)) — голландский дизайнер. Содействовал разработке канонов современного проектирования. Родился в Утрехте. Образование его закончилось в 1900, когда Ритвельд вынужден был стать учеником в магазине отца. В 19−11 — художник в частной ювелирной фирме. В 1911 открыл свою столярную мастерскую.

На протяжении всех этих лет посещал вечерние архитектурные классы в Утрехте и, став свободным художником, в 1919 вошел в группу «Стиль» (1917).Фотография его первой публичной работы — красно-голубой стул (1918) — была опубликована на страницах этого журнала.

Поворотным этапом в карьере Ритвельда от дизайна к архитектуре стало проектирование освещения ювелирного магазина «G. Z.C. Jewelry» в Амстердаме (1920;22), после чего Ритвельд спроектировал множество магазинов. Ритвельд также создал дом Шредера в Утрехте (1924) — одну из своих замечательных построек. В 1929 он начал разработку основной концепции своей жизни — «стержневую» систему жилища, основанную на изготовлении заводским способом ядра, которое включает в себя отопление, вентиляцию, канализацию и электропроводку. Жилое пространство примыкает к этому ядру. Известность приобрел как мастер-концептуалист. В довоенные годы проектирует много дешевых домов, а том числе для выставки в Вене (1830−31).

Кроме того, в годы Великой депрессии проектировал линию дешевой сборной мебели, основанной на модуле из деревянного ящика. В эти годы интерес к архитектуре резко упал, но в 1950 он получает множество как частных, так и государственных заказов.

В последние годы жизни Ритвельд был избран членом Общества нидерландских архитекторов и доктором Высшей технической школы в Дельфте и награжден орденом Оранж-Нассау и Королевским орденом Бельгии. неопластицизм эстетика стилист дизайн.

• 1899 г. — учится на плотника в мастерской своего отца в Утрехте;
• 1904 — 1911гг. — работает чертежников в мастерской золотых изделий; обучается на вечерних курсах в Утрехтском Музее искусств и ремесел; 1906 г. — ученик архитектора П.Дж.С. Клаархамера;

в 1917 г. работает вольнопрактикующим краснодеревщиком в Утрехте;

в 1918 г. знакомится с Тео ван Дусбург; собирает группу «Де Стииль» ;

• 1919 г. — открывает собственную архитектурную студию в Утрехте; первая выставка вместе с группой «Де Стииль» ;
• 1924 г. — строит резиденцию Шрёдера в Утрехте;
• 1927 г. — начинает эксперименты с новыми материалами, такими как стальные трубки, прессованная древесина (ДСП), алюминиевые листы и слоистая древесина;
• 1928 г. — один из основателей Международного Конгресса современной Архитектуры (Congres Internationaux d’Architecture Moderne) (CIAM);
• 1947 -1951гг. — преподает в Колледже искусства и науки в Роттердаме;
• 1950 — 1954гг. — преподает в художественной Академии в Гааге;
• 1951 г. — большая ретроспектива работ группы «Де Стииль» в Амстердаме; многочисленные продажи;
• 1954 г. — проектирует Голландский павильон на Венецианском биеннале;
• 1954 — 1958гг. — проектирует здание Института прикладных искусств в Амстердаме;
• 1958 — 1963гг. — строит Академию визуальных искусств в Арнхайме;
• 1961 г. — открывает архитектурную студию вместе с Дж. ван Дилленом и Дж. ван Трихтом;

в 1964 г. получает почетную докторскую степень Дельфтского Политехнического института.

Дизайнер мебели и архитектор Геррит Ритвельд был значительной фигурой в так называемом «рациональном модернизме», открыв, благодаря своим экспериментам, новые способы конструирования мебели.

Дом Шредера (Rietveld Schroder House). Самый показательный для группы «стиль» — дом Шредера в Утрехте, который создал Геррит Ритвельд (1888−1964) в 1924 г в сотрудничестве с заказчицей Трус Шредер, которая сама была дизайнером интерьеров. Он расположен на самом краю городской застройки и больше напоминает живопись Мондриана ставшую вдруг трехмерной, некий «объект», чем жилое строение. Здесь нет стандартных моделей, никаких поверхностей, соединяющихся под углом друг к другу, никакого тонкого орнамента — одни прямые углы.

Все здесь изготовлено специально для дома, но сделать это смог бы любой. Никаких экзотических материалов — ни специфически обработанного камня, ни мрамора, ни изысканной кирпичной кладки, ни кусочка полированной древесины.

Все поверхности просто крашенные — в различные цвета. Все поверхности просто крашенные — в различные цвета. Все фасады решены как композиция выступающих и заглубленных плоскостей и линий, они кажутся неустойчивыми и нереальными. Эта архитектура выражает ощущение пространства.

Рис. 3 Дом Шредера.

Ритвелд Шрёдерхёйс

Страна: Нидерланды

Город: Утрехт

Адрес: Prins Hendriklaan

Статус: построено в 1924 г.

Назначение: памятник архитектуры, музеи и галереи

Кол-во этажей: 2

Общая площадь: 125 м²

Стиль: неопластицизм

Архитектор: Геррит-Томас Ритвелд

Жилой дом Шрёдера-Шредера в Утрехте, 1924 г., можно считать реализацией 16 пунктов «пластической архитектуры» ван Дусбурга. Он воплощал заветы ван Дусбурга, будучи элементарным, экономичным и функциональным; немонументальным и динамичным; антикубистическим по форме и антидекоративным по цвету. Это единый объем, не замкнутый в себе, но связанный с окружающим миром.

Ограничивая объем, Ритвельд выступающими плоскостями, навесами, консолями и т. д. связывает здание с окружающим пространством. Характерна и новая трактовка внутреннего пространства — отказ от членения внутренности дома примитивными комнатами-коробками.

Размещенные на верхнем этаже жилые помещения с открытым трансформирующимся планом, несмотря на традиционность конструкции из кирпича и дерева, являлись примером постулированного ван Дусбургом положения о динамичной архитектуре, освобожденной от несущих нагрузку стен и ограничений, диктуемых использованием оконных проемов, разделенных импостами. Большое внимание уделено и цвету.

«Мы определили истинное место цвета в архитектуре. Мы заявляем, что живопись, оторванная от архитектурного сооружения (т.е. станковая живопись), больше не имеет права на существование». (7 пункт Манифеста).

Этот небольшой семейный дом со своим оригинальным интерьером и замысловатой пространственной структурой полностью соответствовал идеалам художников и архитекторов, принадлежавших к группе «Стиль» («Де Стейл») (Нидерланды, 1920;е гг.) и с тех пор воспринимался как один из символов модернизма в архитектуре.

В настоящее время это местным филиалом центрального (краеведческого) музея, стоит себе, в уголке, примятый огромной автострадой.

Трюсс Шредер, урожденная Шрайдер, была ростом с куклу наследника Тутти, метр шестьдесят с небольшим. Тридцать пять лет, вдова, трое детей на руках, она мечтала уехать из голландского Утрехта куда угодно — в Амстердам, в Германию, в Америку. В доме мужа, адвоката Фрица Шредера, с которым они прожили двенадцать лет, не сходясь во взглядах на очень многое и, в частности, на то, как и в каких интерьерах следует воспитывать детей, она оставаться не желала.

" Если не можешь найти подходящий дом, построй его сама" , — посоветовал Трюсс Геррит Ритвельд, потомственный мебельщик и начинающий архитектор. Они познакомились, когда Ритвельды, старший и младший, привезли ее мужу отреставрированное бюро. Бюро госпоже Шредер не понравилось, зато понравился Геррит.

Rietveld Schroderhuis, построенный ими в 1924 году на окраинной утрехтской улице Принс Хендриклаан, напечатан во всех историях современной архитектуры. Дом включен в список всемирного наследия ЮНЕСКО, считается предтечей архитектурного хай-тека, манифестом авангардизма и лучшим пространственным воплощением идей голландской группы «Де Стиль». На самом деле он склеен из кирпичиков, фанерок, реек и дощечек.

В системе складывающихся фанерных перегородок, мелких и крупных усовершенствований видна рука гениального умельца, готового для каждой задачи найти неуклюжий, но верный и неожиданный ответ.

Вроде ремешка, потянув за который можно отодвинуть дверь, выводящую на второй этаж, и особого рычага, которым эту же дверь со второго этажа можно закрыть. Каждый шкаф, каждая кровать — трансформер, который собирается днем и раскладывается ночью. Композиция из фанерных цветных ящиков-архитектонов — в них спрятан узкопленочный кинопроектор и радиоаппарат. Переговорная труба для молочника рядом с продуктовым окошком — «прошу нажать, если не открывают» .

Вместо мелкобуржуазных занавесок — цветные фанерные щиты. Чугунная держалка для зонтиков перевернута вверх ногами, чтобы скрыть недопустимый фабричный узор. Сушилки для полотенец — криво загнутые буквой «Г' металлические прутья. Части дверей в кухне покрашены черным, но не геометрической абстракции ради — просто некоторые места больше пачкаются.

Рис. 4 Откидной стол.

Один из элементов типичной Ритфельдовской фурнитуры — откидной столик для чтения (помимо двух показанных положений существует еще и промежуточное третье).

Обычный, добротный, трехэтажный, как у соседей, голландский дом обошелся бы тысяч в восемнадцать гульденов, цветной кубик встал в двадцать четыре. Да только ли в деньгах дело? Надо себе представить женщину с тремя детьми, которая отправилась жить из картины Питера де Хоха прямо в картину Мондриана.

В этой картине Трюсс Шредер прожила шестьдесят лет, успев создать фонд Ритвельда, распорядиться судьбой дома и позаботиться о его реставрации.

Перед каждой экскурсией она обращается к гостям с телеэкрана. На вопрос, кому же современная архитектура обязана этим смешным шедевром, маленькая старушка отвечает: «Внутри мы все с Ритвельдом делали вместе, фасады придумывал он, но ведь внешний вид дома во многом зависит от внутреннего» .

Она хотела жить в пространстве, где ничто не предопределяло бы ее жизнь, не было бы никаких приемных и гостиных.

Для многих, конечно, это стало бы равнозначным переезду на Луну, — говорит Бертус Мюлдер, архитектор, который реставрировал дом. — Но для Трюсс Шредер оказалось совершенно естественным.

Первые эскизы она отвергла, ей хотелось еще более странных и ярких фасадов. На первом этаже Ритвельд расположил комнаты в полном соответствии с нормами и правилами: для вмешательства строительных экспертов и психиатров не было достаточных оснований.

Весь второй этаж с его свободной планировкой был объявлен «чердаком», где по закону можно делать все что хочешь — то храни велосипеды и соли селедку, а то городи цветные стенки и ставь опыты на людях. К тому же на представленных для утверждения фасадах дом завершался черепичной скатной крышей — весьма удачно принадлежавшей соседу.

Рис. 5 Окно «ритфельдовский уголок» .

Окно, которое придумано для открывания только на 90 градусов (оно же — «ритфельдовский уголок»).

Шредер решила построить дом, который она могла бы в случае чего сдавать по частям или целиком, если она все-таки уедет из Утрехта. В каждой комнате был предусмотрен умывальник и место, куда можно поставить керосинку.

Сама Трюсс Шредер не пожелала опускаться до плиты, и с кухни на второй этаж был построен лифт для подачи еды. Она хотела жить только на верхнем этаже, с большими окнами, ближе к свету, солнцу и дождю.

неопластицизм эстетика стилист дизайн.

Рис. 6 Кухня Шредера.

Такая кухня — 20-е годы между прочим. На кухне крайне низкий потолок и есть специальное окно для передачи продуктов с улицы.

Второй этаж с убранными стенами — одно из самых замечательных архитектурных пространств, даже не сказать, интерьеров, какие мне только приходилось видеть. Свет идет отовсюду, оживляя яркие цвета перегородок и стен. В этом едином пространстве особняком сохранялась лишь спальня хозяйки, а комнаты сына Бинерта и дочерей Марьян и Хайнеке исчезали, оставляя лишь след на полу. Пол, согласно плану расстановки перегородок, был расчерчен белым, черным и красным. Трюсс просила детей не топтать белый, а прыгать себе с черного на красный. Стены раскладывали на ночь. Можно представить слышимость сквозь эти фанерные щиты, но мать это не особенно волновало. Она воспитывалась в монастырской школе для девочек и, похоже, не считала уединение чем-то особенно важным. Вполне в традициях голландцев, которые не занавешивают окна. Она спешила начать жизнь с чистого листа и чистого пространства. В 1924 году в новогодние праздники переехали в еще незаконченный дом — в нижних комнатах все еще спали плотники.

Рис. 7 Раздвижные стены.

Раздвижные стены почти японские — второй этаж дома меняет конфигурацию с гостиной на четыре отдельные комнаты за несколько минут (с помощью невероятно системы роликов и веревок). Среди всего этого есть и ванная комната.

— Он умер в 1968;м, — говорит Бертус Мюлдер. В 1975;м дом включили в список памятников архитектуры, и тогда Трюсс попросила меня взяться за реставрацию. Она знала, что я работал у Ритвельда, очень его уважал, и считала, что я с этим справлюсь. Мы долго говорили о жизни, об отношениях с Ритвельдом, о том, что она хотела бы сделать с домом. Фантастическая женщина с ясной головой и с удивительным чувством современности. Абсолютно независимая. Она была вдовой с тремя детьми, и у Ритвельда было шесть детей, но они стали любовниками. Когда в 1961 году его жена умерла, он окончательно переселился к Трюсс.

Многое в доме и правда кажется сделанным лет сорок спустя. Вот трубочка лампы в прихожей. Откуда в 1920;х годах лампа дневного света? Их тогда не было. Гид спокойно отвечает, что это подлинная колба того времени, которую специально выдули для Ритвельда, с обычной нитью накаливания, просто очень длинной. «Когда она перегорает, мы за огромные деньги у специального человека, чуть ли не единственного на всю Голландию, ее чиним». На доске с предохранителями-пробками — их восемь. Домашнее электричество в 1924 году требовало от силы трех. Остальные пять добавлены для красоты и современности, о которой мечтала Трюсс. Для пущей же современности на полке внизу стояли сразу два телефонных аппарата.

Ритвельд отказался от привычных батарей центрального отопления, они показались ему слишком красивыми, и пропустил горячую воду в горизонтальных трубах под окнами. Нам, советским, этот тип радиаторов знаком по котельным и постирочным, но тогда нарочито простое решение потребовало серьезных затрат. Система отопления обошлась в треть сметы, ну, а если в доме все равно бывало холодно, топили буржуйку, перенесенную из старого дома Шредеров.

Пока была жива Трюсс, она принимала бесконечных посетителей — ей случалось прятаться от них на крыше.

Сейчас попасть в дом куда сложнее, на экскурсии (не более десяти человек) надо записываться заранее и готовиться смотреть вокруг, зарисовывать и запоминать: фотографировать внутри запрещено даже японцам. С 1920;х изменилась территория вокруг дома. Улица осталась той же буржуазной Принс Хендриклаан, которую так не любили хозяйка дома и ее архитектор.

Трюсс и Ритвельд специально отвернули от нее дом и собирались вывести его на запланированную новую улицу.

Новая улица не появилась, вместо этого в 1964 году здесь провели автодорогу, которую подняли на эстакаду, окончательно отрезав дом от вида и вид от дома. Ритвельд пришел в ярость и был готов снести свое творение, тем более что американцы давно предлагали купить его целиком в качестве музейного экспоната.

Служители культа Ритвельда убеждены, что именно это свело архитектора в могилу.

Рис. 8 Вешалка.

Настоящая вешалка с подогревом обуви. Приходящие в музей гости вешают туда свою одежду.

Зато в самом доме все по-прежнему. В подвале, рядом с отопительным котлом, чудом техники начала XX века, стоят банки с красками, которыми с 1924 года аккуратно подновляют стены и потолки точно так же, как делал Ритвельд, добавляя охру в смесь белого и черного и прокрашивая поверхности в два слоя — сначала теплые, потом холодные цвета.

Цвета, конечно, не случайные: серый, как мы теперь поняли, обозначает бетон, красный и желтый — металл, белый и синий — пластик.

Кирпич вместо бетона, крашеные бруски вместо железа, — это нам знакомо, таким было большинство конструктивистских памятников. Но мы содержим их в таком свинстве, что надо ехать в Европу, чтобы понять: авангардизм не умственная теория, а прикладное ремесло. А современное искусство не то чтобы овладевает умами, а делается по заказу и размеру маленьких, но очень настойчивых женщин.

Рис. 9 Музей Ван Гога Внешний вид музея, построенного по проекту Геррита Ритвельда.

Доктор Винсенту Виллему Ван Гогу, племянник знаменитого Винсента Ван Гога, добился специального разрешения от городских властей Амстердама и правительства Голландии на создание специального музея. Земля под строительство музея была предоставлена городским муниципалитетом, неподалеку от двух главных музеев Амстердама — Городского и Государственного.

Государство согласилось оплатить строительство здания и взяло на себя затраты, связанные с его эксплуатацией. Работы по строительству музея начались в 1863 году под руководством знаменитого архитектора Геррита Ритвельда. Доктор Ван Гог, как опытный инженер, тоже принял участие в его проектировании.

Он был озабочен тем, чтобы работы его дяди были представлены как можно удачнее и чтобы сам музей стал удобным и уютным для посетителей.

Окончательно открытый в 1973 году, музей Ван Гога быстро превратился в одну из достопримечательностей Амстердама и стал местом, которое посещается многочисленными туристами.

Здание музея отличается простотой, оно построено в современном стиле, в нем много воздуха, а работы художника развешены в открытых галереях, обеспечивающих свободный доступ к картинам. Начиная с 1998;1999 годов музей стал пополняться новыми поступлениями за счет денежных пожертвований, предоставляемых японской страховой компанией «Ясуда Файр энд Мэрин Иншуранс» .

Четыре этажа музея соединены удивительными открытыми лестничными пролетами и площадками, которые кажутся подвешенными в пустоте.

Рис. 10 Лестничный пролет.

Питер Ауд. АУД, ЯКОБУС ЙОХАННЕС ПИТЕР (Oud, Jacobus Johannes Pieter) (1890−1963) — нидерландский архитектор и теоретик искусства, один из лидеров авангарда в зодчестве первой половины 20 в. Родился в Пюрмеренде близ Амстердама 9 февраля 1890. Учился в Высшей технической школе в Делфте и Высшей технической школе в Мюнхене. Получив диплом, работал в Пюрмеренде (1912), Лейдене (с 1913), а также Роттердаме и Вассенаре. Встретив в 1916 Т. ван Дусбурга, стал одним из основателей журнала «Де Стейл» и одноименного арт-объединения.

Его творческая манера явилась как бы трехмерным выражением эстетических принципов этой группы. Ранние работы Ауда (отель в Нордвейкерхуте, 1917, вилла Аллегонда в Катвейке, 1917) выделяются аскетическим геометризмом своих структур, обычно слегка скругленных лишь по углам. Позднее архитектурным манифестом «Де Стейла» стал плоскостный фасад кафе «Де Юни» в Роттердаме (1924;1925; не сохранилось), напоминавший картины П.Мондриана.

Рис. 11 Ауд Я. Й. П. Жилые дома.

Создал главные свои произведения в должности городского архитектора Роттердама (1918;1933), когда проектировал и строил здесь новые жилые кварталы для рабочих (Спанген, 1918; Тусхендейкен, 1920, Ауд-Матенессе, 1922, Кифхук, 1925;1927; дома в пригородном поселке Хук-ван-Холланд, 1924;1927); двухэтажные блоки домов, в том числе с 2-ярусными квартирами, отличаются аскетичной чёткостью единообразных форм.

В 1927;1928 к ним добавился и рабочий поселок Вейсенхоф в Штутгарте. Социал-реформаторские цели данных комплексов, ставших эталоном скромных по метражу, но дешевых и удобных «пролетарских домов», органично соединились с «экономичной» формой этих невысоких, горизонтально протяженных структур.

В последующих работах сочетал черты функционализма и «ар деко» (здание фирмы Шелл в Гааге, 1938), позднее же примкнул к «интернациональному стилю» (детский санаторий близ Арнема, 1952;1960; здание фирмы СИАМ в Оттерло, 1959). Как теоретик отвергал «идеализм» исторических стилизаций и орнаментики, стремясь эстетически осмыслить новые материалы и конструкции. Опубликовал книги Нидерландская архитектура (1926), Новая архитектура Нидерландов и Европа (1935), Мой путь в «Де Стейле» (1961). Умер Ауд в Вассенаре близ Гааги 5 апреля 1963.

Его проекты комплексной планировки и застройки рабочих жилых районов в Роттердаме (1922—30) отличаются рациональностью планировки, лаконизмом геометрически ясных форм.

Пит Мондриан. 7 марта 1872 года в голландском городке Амерсфорт родился Пит Модриан — один из ведущих мастеров беспредметного искусства, создатель неопластицизма, основоположник геометрического абстракционизма и современного графического дизайна.

Его первые работы были написаны в реалистическом стиле. Впоследствии он отказался от малейших намеков на сюжет, атмосферу, моделировку и пространственную глубину, сознательно ограничив выразительные средства.

«Он священнодействовал над холстами, pазгpафлял их на прямоугольники и квадраты, закрашивал получившиеся геометрические поля то интенсивными яркими красками, то облегченными и пpозpачными оттенками белого, сеpого, бежевого или голубоватого».

По мнению Мондриана: «…Цвет должен быть свободен от индивидуальности, от личных эмоций, он должен выражать лишь всеобъемлющий покой».

Существенное изменение, которое произошло в искусстве Мондриана в 1917 году, не было прямым следствием его работ, написанных в предшествующие годы. Скорее, оно было результатом постоянных поисков художником возможностей по как можно большему упрощению живописи, по приданию ей максимально возможной общности, т. е., другими словами, результатом поиска того, что позднее Мондриан стал называть «истинным видением реальности». Большую роль в этой переориентации творчества Мондриана сыграли его контакты с Бартом ван дер Леком и Тео ван Дусбургом, а также с голландским философом доктором Шонмейкерсом.

Сам Мондриан в эссе, опубликованном в выпуске журнала «Де Стиль» от 1932 г. и посвященном памяти ван Дусбурга, умершего годом раньше, признает, что геметрически структурированный стиль картин ван дер Лека, выполненных с использованием простейших цветов, помог ему осознать свой собственный путь.

Четыре художника группы «Де Стиль», образованной в 1917 году — Пит Мондриан, Барт ван дер Лек, Тео ван Дусбург и Вилмош Хусзар — на протяжении короткого периода времени работали в едином стиле, являвшемся чем-то вроде некоей коллективной идиомы, наподобие того, как это было в кубистском движении в первые годы его существования. Очень сложно отличить работы Мондриана периода между 1917 и 1919 годами от работ ван дер Лека или ван Дусбурга, точно так же, как было сложно различить работы Пикассо и Брака в период «героических лет» кубизма (1908 — 1912 гг.).

Художественный язык, характерный для группы «Де Стиль», может быть описан следующим образом: он основывался на тотальной абстракции и отрицал какую-либо связь между восприятием случайных фрагментов действительности и художественным творчеством. В соответствии с этой идеологией, члены группы сознательно ограничили набор допустимых элементов живописи прямой линией и прямым углом (т. е. горизонтальной и вертикальной линиями), тремя основными цветами (красным, желтым и голубым), а также тремя основными «не-цветами» (белым, серым и черным).

С этим крайне ограниченным арсеналом выразительных средств они намеревались представить свою «истинную версию реальности», т. е. такой образ окружающего мира, который был бы независим от случайностей непосредственного восприятия, равно как и от индивидуальных темпераментов художников. Таким образом, «объективность», которую так долго искал Мондриан, теперь казалась вполне достижимой.

Новый стиль, для которого Мондриан придумал название «неопластицизм», не был плодом работы одного-единственного человека. Мондриан внес в него свой вклад посредством достижения крайнего предела абстракции в своих основанных на «кубистском» мировоззрении картинах периода между 1914 и 1917 годами.

Вклад ван дер Лека, как это отмечал сам Мондриан, заключался в построении некоей геометрической архитектуры форм, связанной с использованием простейших цветов. Правда, ван дер Лек в своей живописи всегда «плясал» от каких-то вполне реальных объектов, а уже потом его геометрическая стилизация делала их практически неузнаваемыми.

Тео ван Дусбург, основатель журнала «Де Стиль» и его бессменный редактор, равно как и духовный вдохновитель (spiritual activator) группы, которая сформировалась вокруг этого журнала, привнес в общее предприятие идею связи их разработок с архитектурой зданий, а также свой солидный опыт в живописи и искусствоведении.

Наконец, находящийся вне этой группы художников голландский философ Шонмейкерс выступал в роли «катализатора» химической реакции, т. е. в роли такого «вещества», которое не изменяется в реакции, даже будучи вовлеченным в нее. Книги Шонмейкерса, в которых он развивал свою теорию «позитивного мистицизма», указали художникам из группы «Де Стиль», и Мондриану в частности, путь к распознанию в реальном мире некоей «универсальной силы» и возможность ее визуализации в виде «живописной гармонии» .

Новый стиль живописи Мондриана не возник одномоментно. Промежуточные стадии между предшествующей кубистской фазой и неопластицизмом являются очень важными для понимания его творческой эволюци. Написанная Мондрианом в 1916 году большая Композиция показывает его переориентацию в направлении использования простейших цветов.

Затем, в 1917 году, после серии промежуточных работ, появилась «Композиция с цветными плоскостями» («Composition with Color Planes»), в которой уже воплощены некоторые принципы нового стиля. В отличие от большинства работ 1916 года и «Композиции с линиями» 1917 года, которые все еще в значительной степени были «кубистскими» и изначально происходящими от некоторых реальных объектов, эта последняя работа имела один новый принцип в качестве своей стартовой точки.

А именно: ее композиция основывается на цвете и является «центробежной», т. е. она не затягивает в центр, а, напротив, уводит из него, распространяя внимание зрителя даже за пределы холста и наполняя пространство неким ритмом, который, скорее, как бы исходит от картины, нежели просто остается ограниченным ее поверхностью. Это был прорыв, некая значительная подвижка, которая осталась доминантной и в последующих работах Мондриана.

Новый стиль, экспансивный и насыщенный цветом, возник частично вследствие развития Мондриана как художника, а частично — вследствие его философских размышлений, которые он публиковал (по настоятельной просьбе ван Дусбурга) в журнале «Де Стиль» в 1917 году. В сжатом виде квинтэссенцию его размышлений можно выразить следующими словами: тотальная абстракция.

С 1917 года Мондриан больше уже не начинал свои рисунки с неких случайно выбранных фрагментов реальной действительности, которые он затем приводил к «действительно» совершенному равновесию («virtually perfect equilibrium») посредством весьма радикальных упрощения и обобщения.

Напротив, сейчас он стал исходить из принципа, что абсолютная гармония, поисками которой он занимался, может быть сконструирована только лишь при помощи того, что само по себе является абстрактным и, следовательно, общезначимым (generally valid) и «объективным»; т. е., значит, при помощи того, что не может быть произведено (абстрагировано) от какой-либо случайно существующей реальной вещи.

Фундамент неопластицизма был заложен в 1917 году, как раз в то время, когда был основан журнал «Де Стиль». На протяжении следующих нескольких лет Мондриан всесторонне развивал принципы новой композции. В некоторых работах он экспериментировал с цветом, в других — со структурой линий до тех пор, пока, наконец, начиная с примечательной картины 1918 года Composition: Color Planes with Gray Contours не объединил их в единое сбалансированное целое.

Начиная с этого времени, после того, как он овладел этой новой идиомой, он почувствовал, что теперь уже будет в состоянии воспроизвести гармонию, поисками которой он все время занимался, не прибегая к каким-либо субъективным допущениям или же случайным объектам реальной действительности.

Между тем, в 1919 году Мондриан вернулся в Париж. Там, в 1920 году, он изложил принципы нового стиля в своей брошюре «Le Neo-Plasticisme». Находясь уже в Париже, он продолжал совершенствовать свое искусство, не обращая внимания на события внешней жизни, изолированный в своем уединенном, скромном и часто пораженном бедностью существовании. Новые картины Мондриана представляли собой композиции, составленные из горизонтальных и вертикальных линий, а также простейших цветов; он рассматривал их как модели (в буквальном смысле этого слова) идеальной гармонии.

Мондриан потратил все время своего пребывания в Париже с 1919 по 1938 год на совершенствование этого стиля. Каждое полотно, которое он завершал, становилось отправной точкой для следующего, ведущего на шаг вперед. Его картины делались все чище и светлее, а гармония, которую он выражал в них, становилась все проще и, одновременно, мощнее.

В 1925 году у него возникла полемика с Тео ван Дусбургом, который начал использовать в своем творчестве диагональные линии. Мондриан посчитал это отступлением от основополагающих принципов группы «Де Стиль», причем настолько серьезным, что не счел для себя возможным оставаться далее в ее рядах. В 1925 году он покинул группу «Де Стиль» по «идеологическим соображениям», но сохранил при этом верность своему собственному стилю.

В некоторых полотнах тридцатых годов он ограничивал свой дизайн несколькими черными или желтыми линиями различной толщины и длины, расположенными на белом фоне. После 1935 года в его картинах начинает доминировать структура линий и только лишь небольшие области, закрашенные в простейшие цвета, иногда возникают между образующими сетку черными горизонталями и вертикалями.

Возможности неопластицизма казались безграничными и все эти работы словно бы пропитаны строгой, величественной гармонией, торжественной, а иногда даже искрящейся весельем, — аналогично тому, как это бывает в старинных псалмах.

В 1911 г. в Амстердаме Мондриан принял участие в Международной выставке современных художников, где были представлены также кубистические произведения Пабло Пикассо, Андре Дерена, Жоржа Брака. Познакомившись с работами кубистов, Мондриан и сам начал экспериментировать с формами, упрощать их.

По-разному сочетая плоскости изображаемых предметов, он добивался впечатления структурной, ритмической ясности («Пейзаж. Деревья», 1911;1912 гг.). Постепенно из его работ исчез даже намёк на реальную форму. Композиции серии «Море» (1914 г.) по сути своей уже абстрактны. Впечатления от бликов света на колеблющейся поверхности моря художник выразил чередованием горизонтальных и вертикальных штрихов, иногда крестообразно пересекающихся.

В 1917 г. Мондриан вместе с архитектором, скульптором и живописцем Тео ван Дусбургом (1883—1931) стал одним из основателей группы «Стиль» — объединения художников и архитекторов. В него вошли также архитекторы Питер Ауд, Геррит Ритвелд, скульптор Георг Вантонгерлоо и другие мастера. Целью группы «Стиль» было создание форм, очищенных от всего случайного и произвольного.

Архитекторы отказались от замкнутой коробки здания и заменили её комплексом взаимосвязанных объёмов. Скульптурные композиции Вантонгерлоо — это пересекающиеся прямоугольные формы. Свои теоретические взгляды «Стиль» стремился распространить и на другие области искусства, предлагая везде и всюду следовать порядку, простоте и ясности.

В своей художественной практике Мондриан отталкивался от аналитического кубизма, но путём отторжения всех фигуративных элементов свел его к «выражению чистой пластики» — прямым линиям, голым плоскостям и прямоугольникам «базовых цветов» (красный, жёлтый, синий) на нейтральном фоне (белый, серый, чёрный).

Идеи художников «Стиля» оказали огромное влияние не только на архитектуру и живопись, но и на дизайн интерьеров и мебели (см. Баухаус), а также на типографское дело.