Литература и искусство

Конец XIX — начало XX в. называют " серебряным веком" литературы и искусства в России. Он характерен многообразием идейных направлений, эстетических исканий и средств художественной выразительности.

В литературе ведущую роль продолжали играть такие выдающиеся русские писатели, как Л. Н. Толстой, А. П. Чехов, В. Г. Короленко, Д. Н. Мамин-Сибиряк, В. В. Вересаев (Смидович), Н. Гарин (Н. Г. Михайловский), придерживавшиеся традиций «критического реализма» XIX в. Эти традиции развивали писатели нового поколения: А. М. Горький, А. Серафимович (А. С. Попов), Скиталец (С. Г. Петров), И. А. Бунин, А. И. Куприн.

На рубеже XIX—XX вв. А. Чехов написал повести и рассказы («Палата № 6», «Мужики», «В овраге», «Смерть чиновника»), в которых достиг большой силы социального и художественного обобщения. В 1890 г. писатель совершил поездку на остров Сахалин, где изучал жизнь и быт каторжан и поселенцев, а также коренных жителей. На основе своих наблюдений он написал книгу «Остров Сахалин». В 1895—1903 гг. появились крупные драматические произведения А. П. Чехова — «Чайка», «Дядя Ваня», «Три сестры», «Вишневый сад», в которых писатель выразил свое понимание свободы личности, раскрепощения мысли и чувств человека, его гармонического воспитания. Пьесы были поставлены К. С. Станиславским в Московском художественном театре и оказали большое влияние на развитие русского драматического искусства.

В 1899 г. вышли два сборника «Очерков и рассказов» М. Горького, и стало очевидно, что в русской литературе появился яркий самобытный писатель. К началу 90-х годов Горький стал широко известен и популярен. В 1902—1905 гг. им были написаны романы «Городок Окуров», «Фома Гордеев» и «Трое», изображавшие мещанский и буржуазный быт русского провинциального города. В 1906 г. был опубликован роман «Мать», в котором представлен образ рабочего-революционера. Исключительный успех писателю принесли пьесы 1902—1906 гг. — «Мещане», «На дне», «Дачники», «Враги», «Варвары», которые тогда же были поставлены в Московском художественном театре.

В конце 90-х годов XIX в. в русскую литературу вошли молодые талантливые писатели А. И. Куприн и И. А. Бунин. Куприн заявил о себе замечательными повестями «Олеся» и «В лесной глуши» о сильных и честных, не испорченных цивилизацией «детях природы» из глухого полесского края. В 1900;х годах широкую известность ему принесли повести и рассказы из армейского быта («Дознание», «Прапорщик армейский», «Поединок», «На переломе», «Кадеты»), лирическая повесть «Суламифь», цикл очерков и повестей из одесской жизни («Листригоны», «Гранатовый браслет», «Гамбринус»).

И. А. Бунин в начале 90-х годов опубликовал серию своих стихов и рассказов в популярных в то время литературно-политических журналах «Русское богатство», «Северный вестник», «Русский вестник». В конце 90-х годов вышли его замечательные переводы произведений Г. Лонгфелло, Дж. Байрона, Альфреда де Мюссе, А. Мицкевича, Т. Г. Шевченко. В 1902—1909 гг. было издано 5 сборников стихов и рассказов И. А Бунина. В 1910 г. он написал повесть «Деревня», которая принесла ему широкую известность. В 1915 г. увидело свет собрание его сочинений в 6 томах.

В предреволюционное десятилетие, преимущественно в поэтической среде, возникают различные литературные школы и объединения, члены которых стремились отойти от традиционных эстетических норм и представлений: символизм, акмеизм, имажинизм, футуризм и др.

Символизм как разновидность модернистского направления в литературе и искусстве сложился во Франции в 80—90-х годах XIX в. Для него характерны художественное выражение мыслей посредством «символа», метафоры, иносказания; стремление отойти от «видимой реальности», сделать прорыв к «скрытой реальности»; требование «чистого», «свободного» искусства. Эта мощная литературная школа в России имела несколько теоретических платформ и художественных манифестов. Одним из первых организованных выступлений русских символистов был сборник «Русский символизм» (1893). В нем были представлены так называемые старшие символисты — Д. С. Мережковский и В. Я. Брюсов. Позже на арену художественной словесности вышли «младосимволисты» — А. А. Блок, В. И. Иванов и др. Суть настроений русских поэтов-символистов выразил К. Д. Бальмонт в книге «Горящие здания. Лирика современной души» (1900). Он писал, что современная ему поэзия переживает эпоху, когда ее первый период закончился, а второй еще не наступил («вечерняя заря уже догорела, а рассвет еще не наступил»). Новое поколение поэтов развенчивает старое, но, выросши из старого, еще не в силах воочию увидеть новое.

Среди русских писателей и поэтов к кругу символистов принадлежали Ф. К. Сологуб (Тетерников), 3. Н. Гиппиус, Андрей Белый (Б. И. Бугаев). К этому направлению примыкал тогда и А. А. Блок. Характерные особенности поэтов-символистов — высокая «техника» стихосложения, поиски музыкального звучания рифмы, «изобретательство» необычных слов и выражений.

Символизму противостояло возникшее в 1910 г. новое течение в русской поэзии — акмеизм (от греческого слова «акмэ» — высшая ступень, цветущая пора). Главным идеологом русского акмеизма был поэт Н. С. Гумилев. В 1911 г. он основал «Цех поэтов» — первую группу акмеистов, в которую вошли С. М. Городецкий, А. А. Ахматова (Горенко), позже О. Э. Мандельштам. Акмеисты провозглашали освобождение поэзии от символизма, который, как они говорили, клонится к «упадку», выступали за возврат к «материальному миру», «конкретной предметности», точному значению слова. Проповедуя культ реального земного бытия, акмеисты, однако, не затрагивали острых проблем современности. Их поэзию отличает склонность к эстетизму, камерности, поэтизации человеческих чувств. Тонкий лиризм и психологизм особенно характерны для стихов Ахматовой. Николай Гумилев увлекался экзотической и исторической тематикой.

Одновременно с акмеизмом, в 1910—1912 гг., возникает другое модернистское течение в русской литературе и искусстве — футуризм. Футуристы стремились создать «искусство будущего» (отсюда и название этого течения), отрицали традиционную культуру, ее нравственные и художественные ценности. Эти принципы футуризма были изложены в своеобразном манифесте под характерным названием «Пощечина общественному вкусу» (1912). Одно из главных требований футуристов — абсолютная свобода творчества. К кругу футуристов принадлежали такие известные поэты, как В. В. Хлебников, Д. Д. Бурлюк, Игорь Северянин (И. В. Лотарев). С футуризмом было связано начало поэтического творчества Владимира Маяковского, Николая Асеева и Бориса Пастернака.

Писателей и поэтов «серебряного века» отличали творческое своеобразие и яркая индивидуальность. Для поэзии Иннокентия Анненского характерны эмоциональная напряженность и тонкий психологизм, Марины Цветаевой — интонационная энергия и глубокий лиризм. Сергей Есенин был непревзойденным мастером деревенского пейзажа. Максимилиану Волошину было присуще, как и Есенину, проникновенно-лирическое описание сельской природы. Многие из выдающихся поэтов, захваченных вихрем революционных событий, отходили от символизма, футуризма и иных модернистских увлечений. Так, в творчестве В. Брюсова, А. Блока, В. Маяковского, О. Мандельштама все сильнее стали звучать социальные ноты.

В 1904 г. А. А. Блок издал сборник «Стихи о Прекрасной Даме», в который вошли его лучшие ранние стихотворения.

Будучи честным гражданином и эмоциональным художником, Блок с сочувствием отнесся к народным волнениям в 1905—1907 гг. С этого времени он, уже известный поэт, создает новые циклы стихов, лирические драмы, выступает с литературно-критическими и публицистическими статьями по вопросам современности. Особенно его интересовала проблема отношений народа и интеллигенции.

На рубеже XIX—XX вв. возникают формальные объединения в литературе и искусстве. В русской литературе заметную роль играл возникший в 1896 г. Союз российских писателей, который провел два своих съезда — в 1905 и 1910 гг. К 1914 г. готовился третий съезд, но он не состоялся из-за начавшейся мировой войны. В 1898 г. в Петербурге было основано книгоиздательское товарищество «Знание», которое с 1902 г. возглавлялось Максимом Горьким, собравшим вокруг себя группу демократических писателей. С 1904 по 1913 г. издательство выпустило 40 томов «Сборников товарищества «Знание» «, объединивших лучшие произведения русских и зарубежных писателей — М. Горького, Л. И. Куприна, Л. С. Серафимовича, И. Л. Бунина, Г. Ибсена. В сборник вошли даже некоторые из трудов К. Маркса, Ф. Энгельса, П. Лафарга, Р. Люксембург.

Русская живопись конца XIX — начала XX в. была представлена различными творческими объединениями. Каждое из них отличалось своими идейными и эстетическими принципами, своеобразием тематики. Среди них видное место продолжало занимать возникшее в 1870 г. (существовало до 1923 г.) Товарищество передвижных художественных выставок. К новому поколению передвижников рубежа XIX—XX вв. принадлежали братья А. М. и В. М. Васнецовы, Н. А. Касаткин, С. А. Коровин, И. И. Левитан, В. А. Серов, К. Ф. Юон. Классическое передвижничество этих лет особенно ярко проявило себя в произведениях жанровой живописи на сюжеты из жизни крестьян, рабочих, быта города, особенно в картинах Коровина, Касаткина, Архипова.

Ученик И. Е. Репина, близкий друг М. А. Врубеля и А. И. Куинджи, В. А. Серов входил в абрамцевский кружок художников, артистов и композиторов. Первые его картины воспевали юность и красоту, чувство радости бытия («Девочка с персиками», «Девушка, освещенная солнцем»). В 90-х годах Серов обращается к образам писателей, артистов, художников (портреты певца Ф. Таманьо, художников К. А. Коровина и И. И. Левитана, писателя Н. С. Лескова, композитора Н. А. Римского-Корсакова). Позднее им написаны прекрасные портреты М. Н. Ермоловой, Ф. И. Шаляпина, В. И. Качалова, исключительные по реалистичности и психологической выразительности портреты графини О. К. Орловой, князя Ф. Ф. Юсупова, великого князя Павла Александровича, Александра III и Николая И. В. Серов часто обращался к пейзажно-жанровым композициям на крестьянские темы («Баба в телеге», «Стригуны на водопое», «Октябрь. Домотканово»). Он был известен как выдающийся график и иллюстратор книг. В годы революции (1905—1907) Серов создал серию сатирических рисунков па злободневные социальные темы. В 1905 г. в знак протеста против расстрела мирной демонстрации 9 января Серов демонстративно отказался от звания действительного члена Академии художеств. В последние годы в творчестве В. А. Серова значительное место занимала историческая живопись (серия картин о «царских охотах» и увеселительных прогулках Петра I, Елизаветы Петровны, Екатерины II, портретная композиция «Петр I»). Серов проявлял большой интерес и к сюжетам античной мифологии («Похищение Европы», «Одиссей и Навзикая»).

Глубокой поэтичностью отличаются картины на исторические и сказочные сюжеты братьев В. М. и А. М. Васнецовых. Для живописи В. М. Васнецова характерны фольклорно-эпическая тематика и исторические сюжеты. Широкую известность ему принесли полотна «После побоища Игоря Святославича с половцами», «Царь Иван Васильевич», картины на темы русских сказок — «Аленушка», «Иван-царевич на сером волке», «Три богатыря». Панно В. М. Васнецова в Историческом музее «Каменный век» по его монументальности сравнивали с картиной К. П. Брюллова «Последний день Помпеи». В. М. Васнецов создал мозаичные изображения в храме Воскресения Христова («Спаса на крови») на Екатерининском канале — на месте смертельного ранения народовольцами Александра II, писал иконы для собора Александра Невского в Софии. В 1902 г. В. М. Васнецов выполни. фасад Третьяковской галереи.

Его младший брат А. М. Васнецов выступал первоначально как живописец-пейзажист, график и театральный художник. Сначала он писал картины о природе северного края России. Впоследствии им была создана серия исторических картин о старой Москве. Живописи Аполлинарий Васнецов учился у старшего брата Виктора Михайловича. А. М. Васнецов был одним из учредителей ряда художественных объединений («36 художников», «Союз русских художников», «Общество художников-реалистов»). В 90-е годы он обратился к изучению истории и археологии Москвы и на основе исследования материалов о московской старине создал эпические полотна — «Москва конца XVII столетия. На рассвете у Воскресенских ворот», «На крестце в Китай-городе». Л. М. Васнецовым выполнены также лирические пейзажи и виды Подмосковья и Урала. Выполнял он и декорации к операм Большого театра па исторические темы («Садко», «Царская невеста», «Сказание о невидимом граде Китеже»).

Лирическое направление в русской пейзажной живописи высокого развития достигло в творчестве И. И. Левитана. В своих ранних работах Левитан выступал как мастер камерного лирического этюда. Уже первые его картины («Вечер», «Осень. Дорога в деревню», «Осенний день. Сокольники») принесли ему известность. Поездки по Волге и несколько лет, проведенных в старинном волжском городке Плёсе, положили начало «волжскому» циклу работ Левитана («Вечер на Волге», «Свежий ветер на Волге», «Вечер. Золотой Плёс», «После дождя. Плёс»). В конце 80-х и в 90-е годы И. И. Левитан создал свои лучшие произведения: «Березовая роща», «Летний вечер», «Озеро. Русь», «Сумерки. Стога», «Над вечным покоем», «Вечерний звон», «У омута», остро социальную картину «Владимирка» (тракт, по которому проходили ссыльные). Высшей точкой пейзажного творчества Левитана явились знаменитые картины «Золотая осень» и «Март». Для произведений И. И. Левитана характерно раскрытие тончайших состояний природы (обычно осенью и весной, в утренние или вечерние часы). Левитана называют «Чеховым в живописи». А. П. Чехов называл его «королем пейзажистов», подчеркивая «изумительную простоту и ясность мотивов» произведений Левитана.

Художник-передвижник Н. А. Касаткин обратился к сюжетам из жизни рабочего класса. Известны его картины, написанные на рубеже XIX—XX вв., — «Углекопы. Смена», «Рабочий-боевик» (портрет участника московского восстания в декабре 1905 г.).

Основоположником русского абстракционизма считается В. В. Кандинский, один из основателей объединения.

" Синий всадник". В 1911 г. состоялась первая выставка его картин. Свои эстетические взгляды Кандинский выразил в книге «О духовном искусстве» (1910).

В 1898 г. в Петербурге А. Н. Бенуа и С. П. Дягилевым было создано творческое объединение художников " Мир искусства" . В него вошли видные художники: Л. С. Бакст, И. Я. Билибин, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, Б. М. Кустодиев. К «Миру искусства» примыкали также В. А. Серов, К. А. Коровин, И. И. Левитан, И. Э. Грабарь, А. П. Остроумова-Лебедева, К. А. Сомов и Н. К. Рерих. «Мирискусники» выступали за высокую живописную культуру, за поиски новых форм и средств выражения. Произведения художников этого направления отличались яркой декоративностью, тонким чувством стиля. Ими созданы высокохудожественные произведения книжной графики, эстампы, театральные декорации. Большой интерес они проявляли к исторической тематике (например, картины Лансере и Бенуа из жизни придворного быта XVII—XVIII вв. во Франции и России). Под редакцией А. Н. Бенуа и С. П. Дягилева, при финансовой поддержке С. И. Мамонтова и княгини М. К. Тенишевой, издавался иллюстрированный художественно-литературный журнал «Мир искусства» (1899—1904). В нем публиковались стихи поэтов-символистов, статьи по искусствоведению и на религиозно-философские темы. А. Н. Бенуа издавал известные журналы по искусству — «Старые годы» и «Художественные сокровища России». После прекращения издания журнала «Мир искусства» многие «мирискусники» стали выходить из объединения. В 1911 г. Дягилеву и Бенуа удалось возродить это художественное объединение, которое смогло просуществовать до 1924 г., занимаясь главным образом устройством городских выставок. Периодически устраивались художественные выставки «мирискусников». В 1903 г. участники выставок «Мира искусства» выступили с инициативой создания Союза русских художников, в который вошли представители разных творческих объединений, в том числе и передвижники. Ядро Союза составили ученики Левитана пейзажисты К. Ф. Юон и И. Э. Грабарь.

К. Ф. Юон известен не только как создатель радостных пленэрных пейзажей (одна из лучших его работ «Мартовское солнце»), но и как театральный художник. И. Э. Грабарь в раннюю пору своего творчества много путешествовал по европейским странам, бывал в США, Египте, Турции. Он получил известность главным образом как мастер пейзажа и натюрморта. Пейзажи Грабаря проникнуты жизнерадостностью, пронизаны светом («Мартовский снег», «Сентябрьский снег», «Февральская лазурь», «Белая зима. Грачиные гнезда», созданные в начале 90-х годов). В 1905—1906 гг. Грабарь сотрудничал в сатирических журналах «Жупел» и «Адская почта». В журнале «Мир искусства» он опубликовал серию статей по искусствоведению. И. Э. Грабарь — редактор и автор основных статей широко известного многотомного издания «История русского искусства» (СПб., 1906;1916. Т. 1−6). С 1913 г. в течение 8 лет он возглавлял Третьяковскую галерею. Грабарю принадлежит заслуга создания основ российского музееведения, реставрационного дела и охраны памятников.

В начале XX в. возникают новые, модернистские, направления в русской живописи. Идеи символизма характерны для художественного объединения «Голубая роза» (возникло в 1907 г. в Москве). Наиболее видными его представителями являются Н. Н. Сапунов, М. С. Сарьян, П. В. Кузнецов. Их произведения отличаются утонченным психологизмом, выражениями грусти и меланхолии в сочетании с мистическими настроениями.

В 1910—1911 гг. возникло объединение московских художников импрессионистского направления «Бубновый валет». Оно заявило о себе устройством в Москве в декабре 1910 г. выставки, а в ноябре 1911 г. приняло и свой устав. Видными представителями этого объединения были П. П. Кончаловский, А. В. Лентулов, Р. Р. Фальк и И. И. Машков. Они отрицали как академизм, так и «бытописательский реализм», а также и мистико-символические тенденции. Изобразительный стиль этого направления отличался яркой декоративностью, игрой цвета, гротескностью, даже нарочитой грубостью и лубочностью. Тем самым художники выражали свой протест против «мещанских вкусов». Большое внимание они уделяли натюрморту. В конце 1911 г. от них отошла группа, тяготевшая к авангардизму и абстракционизму, которая устроила в 1912 г. в Москве выставку под вызывающим и эпатирующим названием «Ослиный хвост» .

Русская живопись начала XX в. особенно богата талантливыми художниками, произведения которых отличались своеобразием стиля и сюжетной тематики. К их числу принадлежал и выдающийся русский художник М. В. Нестеров, ученик В. Г. Перова. Первоначально Нестеров был близок к передвижникам, по потом в его работах зазвучали религиозные мотивы. Первым полотном, знаменовавшим поворот художника к религиозной тематике, был «Пустынник» (1888). Затем последовал цикл картин, посвященных житию Сергия Радонежского; первая среди них — «Видение отроку Варфоломею». Нестеров посещал многие православные монастыри и старообрядческие скиты. Под впечатлением увиденного он написал знаменитые полотна из жизни монастырей и монахов. Им были выполнены росписи храмов Марфо-Мариинской обители в Москве и Спаса на крови в Петербурге. Глубоким психологизмом отличаются созданные им портреты Максима Горького и Льва Толстого, но особенно выразителен «двойной» портрет «Два философа» (Сергея Булгакова и Павла Флоренского).

М. А. Врубель начал свой творческий путь в искусстве живописи как автор монументальных росписей Владимирского собора и Кирилловской церкви в Киеве, написал ряд икон («Св. Афанасий», «Богоматерь с младенцем», «Сошествие Святого духа на апостолов» и др.), в которых оригинально соединены византийская декоративность и экспрессия с романтическими и символическими чертами, окрашенными в трагические тона. Для живописи Врубеля характерен обостренный интерес к духовной сущности человека. Романтическая поэзия ночи торжествует в его живописном панно «Сирень» и пейзаже «К ночи». Врубель писал полотна па темы русских сказок и опер («Морская царевна», «Царевна-лебедь», «Пан»). Центральное место в его творчестве занимают изображения Демона («Демон сидящий», «Демон поверженный», «Демон летящий») — образ трагической, мятущейся, отвергнутой личности. Врубелю принадлежат великолепные иллюстрации к поэме М. Ю. Лермонтова «Демон». Известен Врубель и как портретист (автопортреты, портрет сына и «Портрет С. И. Мамонтова»). М. А. Врубель был активным участником мамонтовского художественного кружка в Абрамцеве, где руководил керамической мастерской. Он оформлял спектакли Московской частной русской оперы С. И. Мамонтова.

Б. М. Кустодиев знаменит как живописец красочных сцен из купеческого и мещанского быта дореволюционной России и автор колоритных типажей. Кустодиев был замечательным театральным художником и мастером портрета (одна из лучших его работ — портрет Ф. И. Шаляпина).

Художник К. С. Петров-Водкин обращался к формам и образам древнерусского искусства, иконописи, оказавшим сильное влияние на его творчество: «Купание красного копя», «Мать», «Девушки на Волге», «Утро. Купальщицы» .

Выдающимся мастером был Н. К. Рерих, живописец и театральный художник, ученик А. И. Куинджи, автор более 7 тыс. картин. Первые картины Рериха «Гонец» и «Встал род на род» выполнены еще в манере передвижников. В живописи Н. Рериха ранней поры проявлялся особый интерес к языческой славянской и скандинавской старине. Таковы его картины «Начало Руси. Славяне», «Заморские гости», «Половецкий стан», «Урочище». Для живописи Рериха характерна яркая красочная эмоциональность. Художник обладал редким умением говорить на языке цвета: цвет на его полотнах сильный, интенсивный, выразительный. В 1910— 1914 гг. Рерих выступал и как театральный декоратор. В годы Первой мировой войны Рерих обращается к мотивам народного православия — сюжетам, в которых православные святые сходят на землю помочь людям в их бедствиях («Илья жнет рожь», «Никола пасет коров», «Егорий пасет лошадей» и др.). Он также создавал эскизы к декорациям русских опер и балетов. С 20-х годов Н. К. Рерих жил в Индии, темами его картин стали природа и люди этой страны. По завещанию Рериха более 400 его произведений были переданы в музеи России.

Новые стилистические направления находили свое выражение в русской архитектуре. Ведущим в то время становится так называемый стиль модерн, для которого характерны свободное развитие объемов, асимметрия, своеобразная вычурность линий, но вместе с тем монолитность сооружений, их монументальность. Модерн выразился и в характере оформления зданий — в применении мозаики, витражей, керамики, скульптуры. В то время усовершенствовалась строительная техника. Стекло, сталь, железобетон, облицовка гранитом стали широко применяться в сооружении зданий различного функционального назначения: доходных домов и особняков, банков и заводских корпусов, правительственных зданий и вокзалов. В этом стиле построены по проекту Ф. О. Шехтеля в Москве особняк фабриканта С. П. Рябушинского, А. В. Щусева — здание издательства газеты «Утро России». Особое направление в архитектуре начала XX в. образует так называемый неорусский стиль, использующий элементы древнерусского зодчества и стиля модерн. По проекту А. Щусева в неорусском стиле был сооружен Казанский вокзал в Москве, по проекту Ф. Шехтеля — Ярославский вокзал. Вместе с тем в моду входил и неоклассицизм. В этом стиле в Москве воздвигнуты Р. И. Клейном Музей изящных искусств (ныне Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина), И. И. Рербергом — Киевский вокзал, в Петербурге по проекту И. А. Фомина построен особняк А. А. Половцева на Каменном острове, по проекту Ф. И. Лидваля — здание Азово-Донского банка.

В русской скульптуре того времени было велико влияние импрессионизма. Представителями этого направления были выдающиеся скульпторы П. П. Трубецкой и А. С. Голубкина. Наиболее известным произведением П. П. Трубецкого является памятник Александру III, поставленный в 1909 г. на Знаменской площади в Петербурге (перед Московским вокзалом). Для творчества А. Голубкиной характерно обобщенно-символическое изображение человеческой фигуры в движении. Таковы ее скульптуры «Железный» (образ рабочего), «Идущий», «Сидящий человек». С глубоким состраданием к тяжелой женской доле проникнуты созданные Голубкиной женские образы («Изергиль», «Марья», «Старая»).

К этому времени относится и начал творческого пути крупнейшего скульптора С. Т. Коненкова. В противовес импрессионизму его произведения отличаются монументальностью, подчеркнутой скупостью обработки материала. Уже первые его скульптуры («Кампебоец» и «Самсон, разрывающий узы») принесли ему широкую известность и награды. Коненкова привлекали сюжеты из древнегреческой и славянской мифологии, русского фольклорного быта («Нике», «Стрибог», «Старичок-полевичок» и др.). Позже он стал создавать скульптурные портреты и монументальные групповые композиции своих современников.

Конец XIX — начало XX в. в русской музыке — период расцвета творчества А. К. Глазунова, А. Н. Скрябина, И. Ф. Стравинского, С. И. Танеева. В начале XX в. А. Глазуновым были созданы 8 симфоний, 5 концертов для оркестра. Глазунов в то время был профессором и дирижером Петербургской консерватории. В конце 90-х годов им написана музыка к балетам «Раймонда», «Барышня-служанка», «Времена года», к драме Лермонтова «Маскарад», ряд фантазий, сюит, увертюр, симфонических поэм, концертных вальсов и юбилейных кантат (например, кантаты к 100-летней годовщине А. С. Пушкина, к 50-летию Петербургской консерватории).

К этому времени относится становление творчества выдающихся русских композиторов XX в. — С. В. Рахманинова, И. Ф. Стравинского, С. С. Прокофьева.

Ученик С. И. Танеева и А. С. Аренского, крупнейший композитор XX в. Сергей Рахманинов имел мировую славу как величайший пианист и дирижер. В Большом театре он дирижировал оркестром при исполнении опер М. И. Глинки «Жизнь за царя», С. А. Даргомыжского «Русалка», М. П. Мусоргского «Борис Годунов», П. И. Чайковского «Пиковая дама», а также своих опер «Скупой рыцарь» и «Франческа да Римини». Рахманинов создал 4 концерта для фортепиано с оркестром, симфоническую поэму «Остров мертвых», фантазию «Утес», музыкальную поэму «Колокола», кантату «Весна», ряд инструментальных и вокальных произведений различных жанров. В творчестве Рахманинова сочетаются романтический пафос и лирико-созерцательное настроение, неистощимое мелодичное богатство и энергия ритма. В 1900;х годах Рахманинов начал работать над операми «Саламбо» (но Г. Флоберу) и «Монна Ванна» (по М. Метерлинку), но они остались незавершенными. В декабре 1917 г. С. В. Рахманинов эмигрировал. Находясь вдали от родины (в США), Рахманинов оставался русским национальным композитором и пианистом.

Основной областью творчества А. Н. Скрябина была фортепианная и симфоническая музыка. Он создал серию фортепианных концертов, сонат, симфоний, из которых наиболее значительными признаны «Божественная поэма» (3-я симфония), «Поэма экстаза» и «Поэма огня» (Прометей). Скрябин выступал как смелый новатор, создавший свой звуковой мир, воплотивший в музыке образы, созвучные предреволюционной эпохе России. Произведения Скрябина воспевают человека мятежного духа, пафос борьбы, ликование победы. Его творчество оказало значительное воздействие на развитие фортепианной и симфонической музыки композиторов XX в.

С. И. Танеев в начале XX в. создал ряд новых симфоний, кантат, романсов, написал музыкально-теоретические труды по проблемам полифонии, в 1906 г. основал Народную консерваторию в Москве.

Музыка балетов И. Ф. Стравинского «Петрушка», «Жар-птица», «Весна священная» связана с образами русского фольклора. Для творчества Стравинского характерны образно-стилистическая многоплановость и оригинальность оркестровки.

Талантливый русский музыкант-балалаечник В. В. Лид-реев создал в Петербурге в 1887 г. первый оркестр русских народных инструментов (с 1896 г. — Великорусский оркестр; ныне — оркестр народных инструментов имени В. В. Андреева). Андреев известен и как композитор, автор около 40 произведений для балалайки, в том числе вальсов. В 1910 г. M. Е. Пятницким был основан русский народный хор (с 1927 г. — хор имени М. Пятницкого).

Помимо Мариинского театра в Петербурге и Большого театра в Москве — главных центров русского оперного и балетного искусства — возникают оперные театры в некоторых губернских городах, создаются с помощью богатых меценатов частные оперы. Среди них широкую известность получила Московская частная русская опера С. И. Мамонтова, на сцене которой в полной мере раскрылся талант Ф. И. Шаляпина.

Выдающимися певцами мирового значения уже в то время стали Ф. И. Шаляпин, Л. В. Собинов, А. В. Нежданова и знаменитая исполнительница русских народных песен Н. В. Плевицкая.

К 90-м годам XIX в. относится начало творческого пути К. С. Станиславского (Алексеева), выдающегося русского актера, театрального педагога, теоретика, заложившего основы современной пауки о театре. Он создал направление в сценическом искусстве, получившее название «системы Станиславского». Суть ее состоит в том, что актер должен подлинно вжиться в свой сценический образ. Еще в 1888 г. Станиславский основал Общество искусства и литературы. При Обществе была создана постоянная труппа актеров. Уже в то время К. С. Станиславский приобрел большую популярность: о нем писали как" о выдающемся актере, обладавшем ярким талантом и редким сценическим обаянием. В 1897 г. Станиславский сблизился с В. И. Немировичем-Данченко. В том же году они решили создать «народный театр», чтобы привлечь в него «простого зрителя», «освежить» репертуар и реформировать театральное дело. Основу труппы МХТа составили ученики Общества искусства и литературы и Драматического театра, руководимого В. И. Немировичем-Данченко. Ставили пьесы A. H. Островского, А. П. Чехова, А. М. Горького, А. К. Толстого и Л. Н. Толстого, зарубежных драматургов — В. Шекспира, К. Гамсуна, Г. Ибсена, М. Метерлинка. В Московском художественном театре дебютировали такие прославленные впоследствии актеры, как В. И. Качалов и О. Л. Книппер-Чехова.

Выдающаяся русская актриса В. Ф. Комиссаржевская (дочь известного оперного певца Ф. П. Комиссаржевского) свой творческий путь начала с выступлений в любительских спектаклях и на провинциальной сцене, затем в труппе Александрийского театра в Петербурге. Она получила известность как актриса лирического склада. Ее игра отличалась простотой и непосредственностью. Мягкость и нежность сочетались в ней с внутренней взволнованностью и воодушевленностью. В 1902 г. Комиссаржевская ушла из Александрийского театра, решив создать собственный театр. Ее Драматический театр был открыт осенью 1904 г. в Петербурге. Основу репертуара нового коллектива составили пьесы А. Н. Островского, A. П. Чехова, А. М. Горького, Г. Ибсена, Ф. Шиллера.

B. Ф. Комиссаржевская придерживалась демократической направленности театра, который все более превращался в общественную трибуну: поднимал злободневные проблемы современности, давал зрителю большой нравственный и эстетический заряд. Режиссером театра Комиссаржевской был В. Э. Мейерхольд. В 1907 г. Комиссаржевская распустила труппу и намеревалась преобразовать театр в школу-студию. Но замыслу не суждено было осуществиться — помешала смерть Комиссаржевской в 1910 г. от черной оспы в Ташкенте, где она находилась на гастролях.

В 1914 г. А. Я. Таиров вместе с женой, выдающейся актрисой А. Г. Коонен и группой молодых актеров создал в Москве Камерный театр, который в отличие от «натуралистических» (реалистических) постановок других театров был «театром эмоционально насыщенных форм». Репертуар его составляли романтические и трагедийные пьесы, герои которых были преисполнены сильных чувств и страстей.

Русское искусство завоевывало широкое признание за рубежом, чему способствовали регулярные выставки русской живописи, выступления русских артистов в известных театрах мира. В 1904 г. видный театральный и художественный деятель С. П. Дягилев устроил в Париже выставку русского изобразительного искусства — от древнерусских икон до произведений современной русской живописи. В 1907 г. он организовал в Париже 5 «Исторических русских концертов», представлявших русскую музыку от М. И. Глинки до А. Н. Скрябина. Первой была поставлена опера М. II. Мусоргского «Борис Годунов» с участием Ф. И. Шаляпина, что принесло певцу мировую славу. С 1909 г. Дягилев положил начало ежегодным " Русским сезонам" в Париже (в 1914 г. антреприза Дягилева была прервана войной, но по окончании ее возобновилась и продолжалась до 1929 г.). В программу «Русских сезонов» вошли симфонические, оперные и балетные произведения русских композиторов. В 1911 г. была создана труппа «Русский балет Дягилева». С. П. Дягилев осуществил 80 оперных и балетных постановок, в которых участвовали ведущие русские певцы, артисты балета, композитору)! и дирижеры. Он устраивал выставки картин русских художников и концерты русских артистов в Берлине, Венеции и Монте-Карло.

Новым культурным явлением было кино, или, как тогда его называли, «иллюзион». В России два первых кинотеатра (в Москве и Петербурге) появились вскоре после изобретения кинематографа французскими братьями Люмьерами, а в 1905 г. только на одном Невском проспекте Петербурга действовало около 100 «иллюзионов». К 1914 г. в России насчитывалось до 4 тыс. кинотеатров, которые ежедневно посещали около 2 млн зрителей. Это был самый массовый и наиболее популярный вид искусства. Помимо хроникальных создавались и игровые картины. В 1908—1917 гг. в России было снято свыше 1 тыс. художественных фильмов. Выдающимся кинодеятелем, организатором первого русского кинопредприятия был А. А. Ханжонков. В 1904 г. он основал первую в России кинофабрику, а в 1908 г. снял и свой первый игровой фильм «Понизовая вольница» (о Степане Разине). За 10 лет им было создано 2 тыс. картин. Демонстрация фильма тогда шла 10—15 минут. Первыми знаменитыми актерами русского «немого» кино были Вера Холодная и Иван Мозжухин.

В быт людей прочно вошел граммофон. За 1910—1915 гг. в России было продано 500 тыс. граммофонов, ежегодно выпускалось 20 млн грампластинок с записями классической музыки и народных песен в исполнении популярных тогда певцов и артистов.

В конце XIX — начале XX в. были основаны (главным образом на средства богатых меценатов) новые музеи. В 1894 г. крупный предприниматель и меценат А. А. Бахрушин основал первый в России литературно-театральный музей в Москве (ныне его имени). Музей народного искусства в Смоленске был открыт княгиней М. К. Тенишевой. Сергей Морозов (брат Саввы Морозова) основал в Москве Музей кустарных изделий (ныне Музей народного искусства). Крупный промышленник, страстный театрал, меценат С. И. Мамонтов организовал в своем подмосковном имении Абрамцево мастерские живописи, художественной керамики, резьбы по дереву. Абрамцево часто посещали Репин, Серов, Левитан.

Русская культура конца XIX — первых десятилетий XX в. была итогом огромного и сложного пути, отмеченного выдающимися открытиями в науке и технике, громадными достижениями в литературе и искусстве. Русскую культуру всегда отличали гуманизм и демократизм. На рубеже XIX— XX вв. Россия обладала богатейшим культурным наследием, культурными ценностями мирового значения.