Музыка конца XІX и начала XX века

МОУ сош п. Сулея Реферат по Мировой художественной культуре Тема: «Музыка конца XІX и начала XX века»

Выполнил: Гуфраев Артур ученик 11 класса.

Проверил: учитель МХК Гордиюк Н.Ф.

1. Музыка начала 20 века

2. Рахманинов Сергей Васильевич

3. Скрябин Александр Николаевич

4. Стравинский Игорь Федорович Заключение Литература

Музыка (от греч. musikе, буквально — искусство муз), вид искусства, который отражает действительность и воздействует на человека посредством осмысленных и особым образом организованных звуковых последований, состоящих в основном из тонов. Музыка — специфическая разновидность звуковой деятельности людей. С другими разновидностями (речь, инструментально-звуковая сигнализация и т. д.) её объединяет способность выражать мысли, эмоции и волевые процессы человека в слышимой форме и служить средством общения людей и управления их поведением. В наибольшей степени музыка сближается с речью, точнее, с речевой интонацией, выявляющей внутреннее состояние человека и его эмоциональное отношение к миру путём изменений высоты и других характеристик звучания голоса. Это родство позволяет говорить об интонационной природе музыки. Вместе с тем она существенно отличается от всех остальных разновидностей звуковой деятельности людей. Сохраняя некоторое подобие звуков реальной жизни, музыкального звучания принципиально отличаются от них строгой высотной и временной (ритмической) организованностью. Эти звучания входят в исторически сложившиеся системы, основу которых составляют тоны, отобранные музыкальной практикой данного общества. В музыке используются и звуки неопределённой высоты (шумы) или такие, высота которых не принимается во внимание, однако они играют побочную роль. В каждом музыкальном произведении тоны образуют свою систему вертикальных соединений и горизонтальных последований — его форму. В ее содержании главенствующую роль играют эмоциональные состояния и процессы (а также волевые устремления). Их ведущее место в музыкальном содержании предопределяется звуковой (интонационной) и временной природой музыки, позволяющей ей, с одной стороны, опираться на многовековой опыт внешнего выявления людьми своих эмоций и передачи их другим членам общества прежде всего и главным образом посредством именно звуков и, с другой — адекватно выражать эмоциональное переживание как движение, процесс со всеми его изменениями и оттенками, динамическими нарастаниями и спадами, взаимопереходами эмоций и их столкновениями.

Для раскрытия темы поставим следующие задачи:

1. Раскрыть понятие музыки начала 20 века.

2.Охарактеризовать творчество великих композиторов данного времени:

Рахманинова Сергея Васильевича,

Скрябина Александра Николаевича,

Стравинского Игоря Федоровича.

1. Музыка начала 20 века

Конец XIX и начало XX века (до 1917 года) — период не менее богатый, но гораздо более сложный. Он не отделён от предыдущего каким-либо переломом: лучшие, вершинные сочинения Чайковского и Римского-Корсакова относятся именно к 90 -м годам XIX и к первому деcятилетию XX века.

Но уже ушли из жизни Мусоргский и Бородин, а в 1893 году и Чайковский. На смену им приходят ученики, наследники и продолжатели их традиций: С. Танеев, А. Глазунов, С. Рахманинов. Но как ни близки они своим учителям, в их творчестве ясно чувствуются новые вкусы. Опера, в течение более чем столетия занимавшая главное место в русской музыке, явно отходит на второй план. А роль балета, наоборот вырастает.

Широко развиваются симфонические, камерные жанры в творчестве Глазунова и Танеева. Огромной популярностью пользуется фортепьянное творчество Рахманинова, который и сам был великим пианистом. Фортепьянные концерты Рахманинова (как и концерты Чайковского, и скрипичный концерт Глазунова) относятся к вершинам мирового искусства. В последней четверти XIX столетия творчество русских композиторов было признано во всём цивилизованном мире.

Среди молодого поколения музыкантов, вступивших в творческую жизнь в конце прошлогоначале нынешнего века, были композиторы и иного типа. Уже первые их сочинения написаны очень по своему: остро, иногда даже дерзко. Таков Скрябин. Одних слушателей его музыка покоряла вдохновенной силой, других возмущала необычностью. Несколько позднее выступил Стравинский. Его балеты, Поставленные во время «Русских сезонов» в Париже, привлекли внимание всей Европы. И наконец, уже в годы первой мировой войны на русском восходит ещё одна звезда — Прокофьев.

Большую роль в музыкальной жизни России этого времени сыграл Беляевский кружок, названный так по имени его основателя Митрофана Петровича Беляева — известного лесопромышленника, владельца огромного состояния и страстного любителя музыки, особенно русской. Кружок, возникший в 80-х годах, объединил почти всех лучших музыкантов того времени; Н. А. Римский — Корсаков стал идейным центром этого музыкального содружества. Всеми доступными средствами Беляев стремился помочь тем, кто служил русской музыке.

Основанное Беляевым новое издательство за несколько десятилетий своего существования издало огромное количество произведений русских композиторов. Щедро оплачивая труд композиторов, Беляев организовал ещё и ежегодные конкурсы на лучшее камерное сочинение, а потом и конкурсы имени М. И. Глинки на лучшее произведение русской музыки любого жанра. Беляев способствовал воскрешению полузабытых партитур великого Глинки, чьи крупные сочинения тогда нигде не звучали — ни на одной оперной сцене, ни на симфонической эстраде.

Необходимо упомянуть и организованные Беляевым в течении многих сезонов «Русские симфонические концерты», а также «Русские камерные вечера». Целью их было — знакомить русскую публику с произведениями национальной музыки. Руководили концертами и вечерами Н.А. РимскийКорсаков и его талантливые ученики А. К. Глазунов и А. К. Лядов. Они разрабатывали план каждого предстоящего сезона, составляли программы, приглашали исполнителей… Исполнялись исключительно произведения русской музыки: многие из них, забытые, отвергнутые ранее русским музыкальным обществом нашли здесь первых своих исполнителей. Например, симфоническая фантазия М. П. Мусоргского «Ночь на лысой горе» впервые прозвучала именно в «Русских симфонических концертах» почти через двадцать лет после создания, а затем была многократна повторена («по востребованию публики», как отмечалось в программах).

Трудно переоценить роль этих концертов. В годы, когда на такие гениальные оперы, как «Борис Годунов» и «Хованщина», было наложено вето царской цензуры, когда в самой влиятельной, почти единственной в России музыкально-концертной организации (РМО) было засилье западноевропейского репертуара, когда оперные театры, именуемые императорскими, по словам Стасова, «выжили со своих подмостков оперы Глинки, Мусоргского, Бородина, Римского-Корсакова», когда цензура запрещала песни Мусоргского, названные им «народными картинками», — в то время единственным местом в России, где звучала вся отвергнутая официальными кругами музыка русских композиторов, были «Русские симфонические концерты».

Знаменательно, что через год после смерти А. П. Бородина был устроен концерт из его произведений, большинство из которых прозвучало тогда впервые.

Беляевский кружок в 80—90-е годы оказался единственным музыкальным центром, где объединялись наиболее активные музыканты, ищущие новые пути развития искусства.

Весьма примечательным явлением в русской музыкальной жизни конца XIX века была так называемая частная опера С. И. Мамонтова в Москве. Сам Савва Иванович Мамонтов будучи подобно Беляеву богатым предпринимателем, организовал в России оперную труппу. С ней он осуществил первые постановки русских опер — «Русалки» А. С. Даргомыжского и «Снегурочки» Н. А. Римского-Корсакова, — которые пользовались у московской публики значительным успехом. Так же он поставил оперу «Псковитянка» Н. А. Римского-Корсакова. С этой оперой, которая нигде не шла, театр выехал на гастроли в Петербург.

На рубеже XIX—XX вв.ека возрождается интерес к старинной музыке. Мало-помалу начинается строительство органов в России. В начале XX столетия их можно было буквально пересчитать по пальцам. Появляются исполнители, знакомящие слушателей с органной музыкой прежних эпох и столетий: А. К. Глазунов, Старокадомский.

Это время является важным этапом в истории скрипки. Появляется группа виртуозов — композиторов и исполнителей, которые раскрывают неведомые прежде возможности скрипки как сольного инструмента. Возникают новые замечательные произведения, среди которых видное место занимают сочинения советских композиторов. В настоящее время всему миру известны концерты, сонаты, пьесы Прокофьева, Хренникова. Их замечательное искусство помогает нам почувствовать, что за удивительный это инструмент — скрипка.

В конце XIX и в начале XX века, а особенно в предоктябрьском десятилетии, через всё русское искусство, и в частности музыку, проходит тема ожидания великих перемен, которые должны смести старое, несправедливое общественное устройство. Далеко не все композиторы осознавали неизбежность, необходимость революции и сочувствовали ей, но предгрозовую напряжённость ощущали все или почти все. Большинство музыкантов непосредственного участия в революционных событиях не принимали, и потому связи между ними были довольно слабыми.

2. Рахманинов Сергей Васильевич

Сергей Васильевич Рахманинов родился 20 марта 1873 года в дворянской семье в имении Онег, принадлежащем его матери, под Новгородом. Здесь прошло раннее детство будущего композитора. В детские и отроческие годы зародилась привязанность к поэтической русской природе, к образам которой не раз в своём творчестве он обращался. В те же годы Рахманинов имел возможность довольно часто слушать русские народные песни, которые очень любил всю свою жизнь. Посещая вместе с бабушкой новгородские монастыри, Сергей Васильевич слушал прославленные новгородские колокола и древнерусские обрядовые напевы, в которых он всегда отмечал национальные, народопесенные истоки. В дальнейшем это отразится в его творчестве (поэма-кантата «Колокола», «Всенощное бдение»).

Рахманинов рос в музыкальной семье. Дед его, Аркадий Александрович, учившийся у Джона Фильда, был пианистом-любителем и композитором. Несколько его сочинений было издано в 18-м столетии. Отец великого композитора, Василий Аркадьевич Рахманинов, был человеком исключительной музыкальной одарённости. Мать была его первым педагогом по фортепиано, хотя, по воспоминаниям самого композитора, уроки доставляли ему «большое неудовольствие». Но к четырём годам он уже мог играть в четыре руки со своим дедом.

Когда будущему композитору было 8 лет, его семья переехала Петербург. К тому времени его музыкальные способности были достаточно заметны, и в 1882 году его приняли в Петербургскую консерваторию, в младший фортепианный класс В. В. Демянского. В 1885 году Рахманинова прослушал в то время очень молодой, но уже известный музыкант, двоюродный брат Сергея Васильевича, А. И. Зилоти. Убедившись в даровании своего кузена, Зилоти увозит его в московскую консерваторию, в класс Николая Сергеевича Зверева. Проучившись у Зверева, а затем у Зилоти (т.к. Зверев занимался только с детьми), на старшем отделении консерватории Рахманинов начинает заниматься под руководством С. И. Танеева и А. С. Аренского композицией. Здесь Сергей Рахманинов впервые встретился с П. И. Чайковским. Знаменитый композитор заметил способного ученика и внимательно следил за его успехами. Через некоторое время П. И. Чайковский сказал: «Я предсказываю ему великое будущее».

Одарённый необычайным музыкальным слухом и памятью, Рахманинов в 18 лет блестяще завершил занятия по классу фортепьяно. А через год, в 1892 году, когда он окончил Московскую консерваторию по классу сочинения, его наградили большой золотой медалью за выдающиеся исполнительские и композиторские успехи. Вместе с ним закончил консерваторию и Скрябин, который получил малую золотую медаль, т.к. большую присуждали только студентам, окончившим консерваторию по двум специальностям (Скрябин закончил как пианист). На выпускной экзамен Рахманинов представил одноактную оперу «Алеко» (по поэме Пушкина «Цыганы»), которую написал всего за 17 дней! За неё присутствовавший на экзамене Чайковский поставил своему «музыкальному внуку» (Рахманинов учился у Танеева, любимого ученика Петра Ильича) пятёрку с тремя плюсами. Спустя год опера 19-летнего композитора была поставлена в Большом театре. Музыка оперы, покоряющая юношеской страстностью, драматической силой, богатством и выразительностью мелодий, получила высокую оценку крупнейших музыкантов, критиков и слушателей. Музыкальный мир отнёсся к «Алеко» не как к школьной работе, а как к творению высочайшего мастера. Особенно высоко оценил оперу П. И. Чайковский: «Эта прелестная вещь мне очень понравилась», — писал он своему брату. В последние годы жизни Чайковского, Рахманинов часто с ним общается. Он высоко ценил творца «Пиковой дамы». Ободрённый первым успехом и моральной поддержкой Чайковского, Рахманинов после окончания консерватории сочиняет ряд произведений. Среди них — симфоническая фантазия «Утёс», первая сюита для двух фортепиано, «Музыкальные моменты», до-диез минорная прелюдия, романсы: «Не пой, красавица, при мне», «В молчанье ночи тайной», «Островок», «Весенние воды». Под впечатлением смерти Чайковского в 1893 году создано «Эллегическое трио».

Однако его творческий путь не был усыпан розами. Случались неудачи, которые он остро переживал. В 1895 году Рахманинов заканчивает свою первую симфонию, которая в начале 1987 года была исполнена в одном из «Русских симфонических концертов» под управлением А. К. Глазунова. Симфония потерпела фиаско, её не поняли. По словам родственницы Рахманинова Л. Д. Ростовцевой-Скалон Глазунов флегматично стоял у пульта и также флегматично её провёл. Это до такой степени расстроило Рахманинова, что он несколько лет ничего не писал. Он впал в депрессию и потерял веру в свои способности. Ему тогда даже пришлось лечиться у психиатра. Но самым лучшим лекарством для композитора была музыка. В 1900 году Рахманинов возвращается к композиторской деятельности; он пишет две части второго фортепианного концерта, законченного годом позже; тогда же написана вторая сюита для двух фортепиано. Наряду с творческим подъёмом происходит очень важное событие в жизни Сергея Васильевича: он женится на своей двоюродной сестре Наталье Алексеевне Сатиной, с которой пройдёт весь свой долгий жизненный путь. Успешное исполнение его Второго концерта для фортепиано с оркестром в 1901 году полностью восстановило силы Рахманинова и помогло вернуть уверенность в своих творческих возможностях. Второй концерт для фортепиано с оркестром, написанный в 1901 году, — одно из знаменитейших произведений Рахманинова. Здесь сочетаются характерная для композитора колокольность и стремительное бурное движение. В этом национально-колористическая черта гармонического языка Рахманинова. Разлив певучих, по-русски широких мелодий, стихия деятельного ритма, блистательная виртуозность, подчиненная содержанию, отличают музыку Третьего концерта. В нем проявляется одна из самобытных основ музыкального стиля Рахманинова — органичное сочетание широты и свободы мелодического дыхания с ритмической энергией. Вторым концертом открывается плодотворнейший период в композиторской деятельности Рахманинова. Появляются прекраснейшие произведения: прелюдии, этюды-картины. Созданы лучшие романсы, среди них: «Сирень», «Вокализ», «У моего окна». Крупнейшие симфонические сочинения этих лет — Вторая симфония, симфоническая поэма «Остров мёртвых». В эти же годы созданы: поэма-кантата «Колокола», прекрасное произведение для хора, а cappella «Всенощное бдение», оперы «Скупой рыцарь» по А. С. Пушкину и «Франческа да Римини» по Данте.

Не меньшую известность Сергей Рахманинов приобрёл как пианист. С 1900 года Рахманинов постоянно концертировал в России и за рубежом. В 1899 году он с успехом выступал во Франции, а в 1909 году в Америке. Слушателям Рахманинова казалось, что он не знает никаких пианистических трудностей: таким блестящим, виртуозным было его исполнение, отличавшееся огромной внутренней силой. И вместе с тем Рахманинов играл необычайно певуче. Современники признавали Рахманинова величайшим пианистом ХХ века. Но он также был и талантливым оперным и симфоническим дирижёром, давшим своеобразное толкование многих классических произведений. Впервые за дирижёрский пульт он встал, когда ему исполнилось всего двадцать лет, — в 1893 году, в Киеве, как автор оперы «Алеко». В 1897 году начал работать вторым дирижёром в Московской частной русской опере С. И. Мамонтова, где приобрёл необходимую практику и опыт. Он пробыл там только год, но этот год сыграл важную роль в его жизни: там он встретился с выдающимися русскими художниками — В. Серовым, К. Коровиным, Врубелем — и артистами, там же завязалась тесная дружба с Ф. И. Шаляпиным. До этого Рахманинов дирижированию никогда не учился, хотя и чувствовал, что «способен дирижировать». Ему помогли природная одарённость, исключительный вкус, феноменальная память и безупречный слух. 3 сентября 1904 года состоялся дирижёрский дебют Рахманинова в Большом театре. Здесь он вёл целый ряд спектаклей, прежде всего оперы русских композиторов. Под руководством Рахманинова были осуществлены новые постановки «Ивана Сусанина» М. И. Глинки и «Пиковой Дамы» П. И. Чайковского. С 1899 года Рахманинов выступает как дирижёр с гастролями в других странах. В мае 1907 года в парижской «Гранд Опера» Рахманинов провёл один их четырёх исторических концертов русской музыки (другими концертами дирижировали А. Никиш, К. Шевиллар и Н. Римский — Корсаков). Впервые выступая с концертами в США, он не только дирижировал собственными сочинениями, но и предложил интересную трактовку произведений таких композиторов, как Чайковский и Моцарт.

Фортепьянная музыка занимает особое место в творчестве Рахманинова. Лучшие произведения он написал для своего любимого инструмента — фортепиано. Это 24 прелюдии, 15 этюдов-картин, 4 концерта для фортепиано с оркестром, «Рапсодия на тему Паганини» для фортепиано с оркестром (1934) и др. Широк диапазон выраженных в них чувств и состояний — от тихого покоя до сильной взволнованности, от светлой радости до сумрачной печали. Рахманинов следовал лучшим традициям классики, и, прежде всего, русской, являясь проникновенным певцом русской природы. В его Второй симфонии, написанной в 1907 году, в кантате «Весна», в поэме «Колокол» тесно сосуществуют лиризм, открытое выражение прямых и сильных чувств, с величественными эпическими образами. В музыке Рахманинова сливаются традиции, идущие от П. И. Чайковского и композиторов «Могучей кучки», особенно А. П. Бородина. Музыка Рахманинова, обладающая неистощимыми мелодическими богатствами, впитала в себя русские народно-песенные истоки и некоторые элементы знаменного распева.

В 1915 году умирает товарищ и соученик Рахманинова по классу Зверева, великий русский композитор и пианист Александр Скрябин. Концертный репертуар Рахманинова состоял, главным образом, из собственных сочинений. Но в память Скрябина Рахманинов дал несколько концертов из его произведений, в том числе и для того, чтобы поддержать в материальном плане семью Скрябина.

В годы, предшествующие Первой Мировой войне, русское искусство было проникнуто предчувствиями назревающих мировых потрясений. Неизбежность неслыханных перемен ощущали все, в том числе и Рахманинов. В эти годы в его музыке, например, во Втором и в Третьем фортепианных концертах, в вокально-симфонической поэме «Колокола», все чаще слышатся мятежные, тревожные звуки. Никогда еще образ колокольного звона не был таким трагическим и мятежным, как в двух последних частях «Колоколов». В годы Первой Мировой войны создана «Всенощная» Рахманинова (1915) — большой цикл для хора без сопровождения на темы древних церковных напевов. «Всенощная» оказалась последним крупным сочинением, созданным на родине.

Московский период Рахманинова закончился в 1917 году. Когда произошла Великая Октябрьская социалистическая революция, Рахманинов не понял её значения. В конце 1917 года его пригласили дать несколько концертов в скандинавских странах. Он поехал вместе с семьёй и больше в Россию не вернулся. Он покинул Родину, оторвался от той почвы, на которой выросло его творчество. Рахманинов до конца своих дней переживал глубокую внутреннюю драму. «Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя…» — говорил он.

Сначала Рахманинов жил в Дании, где много выступал с концертами, зарабатывая на жизнь, потом, в 1918 году, переехал в Америку. С первого концерта в маленьком городке Провиденс в штате Род-Айленд началась концертная деятельность Рахманинова, которая продолжалась без перерыва почти 25 лет. В Америке Сергей Рахманинов добился ошеломляющего успеха, который когда-либо сопутствовал здесь иностранному исполнителю. Слушателей привлекало не только высокое исполнительское мастерство Рахманинова, но и манера его игры, и внешний аскетизм, за которым скрывалась яркая натура гениального музыканта. «Человек, способный в такой манере и с такой силой выражать свои чувства, должен прежде всего научиться владеть ими в совершенстве, быть им хозяином…» — было написано в одной из рецензий.

Живя за границей, Рахманинов не забывал о Родине. Он очень внимательно следил за развитием советской культуры. Отношение Рахманинова к большевистскому режиму было непоколебимо отрицательным В течение ряда лет Рахманинов не создал ни одного произведения. Когда же он вернулся к творчеству, то обратился к воспоминаниям о родной земле и народным русским песням («Три русские песни для хора с оркестром», 1926). Наиболее известными из творений композитора, написанных в эмиграции, являются четыре концерта для фортепиано, «Рапсодия на тему Паганини» для фортепиано с оркестром, три симфонии, «Симфонические танцы». Самое замечательное произведение, созданное им в конце жизни, — Третья симфония (1936) — русская по духу и музыкальным образам. Но все эти поздние сочинения отмечены глубоким трагизмом, пронизаны любовью к России. Рахманинов до конца жизни оставался русским композитором.

В эмиграции Рахманинов почти прекратил свои дирижёрские выступления, хотя в Америке его приглашали занять пост руководителя Бостонского симфонического оркестра, а позже оркестра города Цинциннати. Но он не согласился и лишь изредка вставал за дирижёрский пульт, когда исполнялись его собственные сочинения.

В России менее всего известны другие произведения Рахманинова, связанные с возрождением русской духовной музыки. На рубеже XIX—XX вв.еков в России возникает национальное движение «Новое русское возрождение» по определению А. Блока. В то время в обществе пробудился интерес к художественному наследию русского средневековья (к зодчеству, иконам, фрескам), на этой волне многие композиторы обращаются к древнерусской музыке. В этом русле создаются хоровые циклы Рахманинова — «Литургия Иоанна Златоуста» (1910) и «Всенощная» (1915).

Ко времени создания «литургии» Рахманинов был автором трёх фортепианных концертов, трёх опер и двух симфоний. Но, по признанию композитора, над редкой вещью он работал с таким удовольствием. Основываясь на традициях русской литургии, Рахманинов создаёт концертное произведение, где, в отличие от «Всенощной», практически не использует подлинные распевы. Он смело соединяет интонации народного и профессионального искусства, создаёт впечатляющий образ древнего культового пения.

В своём творчестве Рахманинов стремился отразить духовную жизнь России во взаимосвязи прошлого и настоящего. Поэтому он и обращался к хоровым произведениям, своеобразным массовым действам, где можно было передать глубину народной психологии (примером тому могут служить его кантаты «Весна» и «Колокола»).

Интересна история создания Рахманиновым романсов. Она началась с заочной переписки композитора и писательницы М. Шагинян. Она хотела, чтобы Рахманинов начал писать музыку на стихи настоящих поэтов, и подготовила для него целый сборник. Первоначально Шагинян подписывала свои письма музыкальной нотой ре и лишь со временем раскрыла свой псевдоним. Об этой увлекательной истории она рассказала в своих воспоминаниях. До сих пор особой популярностью пользуются романсы Рахманинова «Сирень», «Здесь хорошо», «Маргаритки».

В годы Второй Мировой войны Рахманинов дал в США несколько концертов и весь денежный сбор направил в фонд Советской Армии, чем оказал ей весьма существенную помощь. «Верю в полную победу», — писал он. По-видимому, это повлияло на лояльное отношение советского правительства к памяти и наследию великого композитора.

Всего за шесть недель до смерти Рахманинов выступал с первым концертом Бетховена и со своей «Рапсодией на тему Паганини». Приступ болезни (молниеносная форма рака) заставили прервать концертную поездку. Скончался Рахманинов 28 марта 1943 года. Перед смертью на его имя пришла телеграмма от советских композиторов, поздравлявших его с семидесятилетием. Великий русский композитор умер, а музыка его осталась с нами. По счастью, не только в нотах, но и на грампластинках, запечатлевших его собственное, неповторимо прекрасное исполнение.

Годы жизни С. В. Рахманинова совпали с периодом величайших исторических потрясений, сказавшихся и на его собственном жизненном и творческом пути, одновременно блистательном и трагическом. Он был свидетелем двух мировых войн и трёх русских революций. Он приветствовал крушение русского самодержавия, но не принял Октябрь. Прожив почти половину жизни за рубежом, Рахманинов до конца дней чувствовал себя русским человеком. Его миссию в истории мирового искусства нельзя определить и оценить иначе как миссию певца России.

Музыка Рахманинова и сегодня волнует и радует миллионы слушателей, она увлекает силой и искренностью выраженных в ней чувств, красотой и подлинно русской широтой мелодий.

Когда звучит музыка Рахманинова, кажется, будто слышишь страстную, образную, убеждающую речь. Композитор передаёт упоение жизнью — и музыка льётся бесконечной, широкой рекой (Второй концерт). Порой же она бурлит подобно стремительному вешнему потоку (романс «Весенние воды»). Рахманинов рассказывает о тех минутах, когда человек наслаждается покоем природы или радуется красоте степи, леса, озера, — и музыка становится особенно нежной, светлой, какой-то прозрачной и хрупкой (романсы «Здесь хорошо», «Островок», «Сирень»). В «музыкальных пейзажах» Рахманинова, как и в описаниях природы у его любимого писателя А. П. Чехова или в картинах художника И. И. Левитана, тонко и одухотворённо передано обаяние русской природы, скромной, неяркой, но бесконечно поэтичной. Немало у Рахманинова и страниц, полных драматизма, тревоги, мятежного порыва. Чуткий художник отразил предгрозовые настроения, характерные для русского общества накануне революции 1905 г.

3. Александр Николаевич Скрябин

Александр Николаевич Скрябин (1872−1915) — великий русский композитор и пианист. В его музыке Россия слышала свое настоящее, прозревала свое будущее… Его современникам казалось, что он ушел слишком рано, бросив их на пути, который сам же предначертал, не завершив задуманного, не дойдя до цели. Жизнь его действительно коротка, но это жизнь гения, и тут обычные мерки не годятся. Музыка Скрябина самобытна и глубоко поэтична. В ней ослепительное ликование и хрустальная лирика, утонченный артистизм и порыв к свету, радости, счастью.

Он родился в Москве 6 января 1872 года в семье дипломата, рано потерял мать, и его взяла на воспитание родная тетушка Любовь Александровна Скрябина, давшая ему первые уроки музыки. Она вспоминала, что уже с грудного возраста он тянулся к звукам фортепьяно. А в три года уже часами просиживал за инструментом. К роялю мальчик относился как к живому существу. Он и сам их мастерил в детстве — маленькие игрушечные рояли… Антон Рубинштейн, некогда обучавший матушку Скрябина, кстати, блестящую пианистку, был поражен его музыкальными способностями.

Когда мальчику исполнилось десять лет, его по семейной традиции отдали в московский кадетский корпус в Лефортове. Тогда же параллельно начались и его регулярные музыкальные занятия в классе известного преподавателя Московской консерватории Н. С. Зверева, у которого в ту пору уже учился Сережа Рахманинов. Два этих мальчика составят славу русской музыки, хотя поклонники их творчества будут разводить композиторов по разные стороны баррикады, окрестив Рахманинова архаиком и традиционалистом, а Скрябина — новатором, открывателем новых путей. Да и сами композиторы перестанут общаться. Это ведь только в школьных учебниках гении прошлого живут как одна большая дружная семья…

Музыку Скрябин стал сочинять рано — в семь лет он написал свою первую оперу, назвав ее именем девочки, в которую был тогда влюблен. В ранней юности его любимый композитор — Шопен, позднее — Бетховен. Искусство композиции он изучал у С. И. Танеева, а Московскую консерваторию закончил в 1892 году по классу фортепьяно, получив малую золотую медаль.

В 19 лет он испытал большое чувство любви. Его избранницей была пятнадцатилетняя Наташа Секерина. На свое предложение он получил отказ, но чувство, испытанное к ней, осталось с ним на всю жизнь и больше не повторилось. Скрябин начинает рано и успешно гастролировать. Первая поездка за границу — Берлин, Дрезден, Люцерн, Генуя. Затем Париж. Рецензенты, как и публика, благосклонны к нему. «Он — весь порыв и священное пламя» , — пишет один. «Он раскрывает в своей игре неуловимое и своеобразное очарование славян — первых пианистов в мире» , — утверждает другой. Параллельно Скрябин много пишет, и его произведения немедленно входят в репертуар других пианистов. В 1897 году закончены его знаменитая Вторая соната (всего их будет 10) и Концерт для фортепьяно с оркестром. В том же году он женится на В. И. Исакович, блестящей пианистке, тоже выпускнице Московской консерватории. Они давно знакомы, у них общие интересы, но брак будет неудачен и через семь лет кончится разрывом.

Кончался XIX век и вместе с ним — старый уклад жизни. Многие, как и еще один гений той эпохи Александр Блок, предчувствовали «неслыханные перемены, невиданные мятежи» — то есть социальные бури и исторические потрясения, которые принесет с собой век ХХ-й. Одни ударялись в учения, занесенные в Россию с Востока, из Индии, другие — в домашнюю мистику, третьи — в символизм, четвертые — в революционный романтизм, пятые… Кажется, никогда еще при одном поколении не рождалось столь много самых различных направлений в искусстве. Скрябин же остался верен самому себе. «Искусство должно быть праздничным, — говорил он, — должно поднимать, должно чаровать» .

Но на деле музыка его оказалась столь новой и непривычной, столь дерзкой, что, например, исполнение его Второй симфонии в Москве 21 марта 1903 года превратилось в форменный скандал. Мнения публики разделились: одна половина зала свистела, шикала и топала, а другая, встав возле эстрады, бурно аплодировала. «Какофония» — таким страшным словом назвал симфонию мэтр и учитель Н. С. Римский-Корсаков, а вслед за ним и десятки других музыкальных авторитетов. Но Скрябин ничуть не был смущен. Он уже ощущал себя мессией, провозвестником новой религии. Такой религией для него было искусство. Он верил в его преобразующую силу, он верил в творческую личность, способную создать новый, прекрасный мир. Он мыслил модными тогда планетарными масштабами. «Иду сказать им, — писал он в эти годы, — чтобы они… ничего не ожидали от жизни, кроме того, что сами по себе могут создать… Иду сказать им, что горевать не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его». При таком масштабе горести жизни как бы самоутрачивались.

Под влиянием такого воинствующего оптимизма Скрябин пишет в 1903 году свою знаменитую Четвертую сонату для фортепьяно, в которой передано состояние неудержимого полета к манящей звезде, изливающей потоки света. Такова и Третья симфония, названная композитором «Божественной поэмой» (1904). Преодолев трагизм бытия, человек становится богоравным — тогда и открывается перед ним торжествующая красота мира.

В воспоминаниях о Скрябине есть эпизод, когда он уже со второй женой жил в 1905;1906 годах в итальянском городке Больяско. Не раз в прогулках по окрестностям его сопровождал оказавшийся в эмиграции русский философ Г. В. Плеханов, пропагандист марксизма. В ту пору Скрябин писал свою «Поэму экстаза» и вера его в безграничные возможности человека-творца достигла крайних форм.

В одну из прогулок, проходя по высокому мосту через высохшее каменное русло, Скрябин вдруг заявил своему спутнику: «Я могу броситься с этого моста и не упасть головой на камни, а повиснуть в воздухе благодаря силе воли…». Философ внимательно выслушал Скрябина и невозмутимо сказал: «Попробуйте, Александр Николаевич…». Попробовать Скрябин не решился.

Но рядом с грандиозным, как бы над личным и сверхчеловеческим, в музыке Скрябина звучало нежное, интимное. Это была тончайшая лирика, поэзия хрупких чувств и настроений, их прихотливые переменчивые нюансы, поэзия томления и истомы, тревоги и судорожного поиска.

Скрябин много сочиняет, его издают, исполняют, но все же он живет на грани нужды, и желание поправить свои материальные дела снова и снова гонит его по городам и весям.

Гастроли в США, в Париже, в Брюсселе. «Поэма экстаза» триумфально шествует по европейским столицам, а Скрябин уже в лихорадке новой работы — он пишет своего «Прометея» («Поэму огня», 1910). «Прометей» считается центральным образом всей музыки Скрябина — ведь этот титан, по не вполне понятным мотивам похитивший у богов с Олимпа огонь и даровавший его людям, так был похож на скрябинского творца. Для исполнения своей музыкальной феерии композитору понадобилось расширить оркестр, включить хор, фортепьяно, а кроме того ввести в партитуру нотную строку, обозначавшую цветовое сопровождение, для чего он придумал специальную клавиатуру… Такое было впервые в истории музыки, хотя некую, пусть условную связь музыкального звука и цвета установили еще древние греки.

Премьера нового симфонического произведения стала главным событием русской музыкальной жизни.

Это произошло 9 марта 1911 года в Петербурге в зале Дворянского собрания, том самом, который теперь принадлежит Петербургской государственной филармонии. Дирижировал знаменитый Кусевицкий.

За фортепьяно был сам автор. Успех был огромный. Через неделю «Прометей» был повторен в Москве, а затем зазвучал в Берлине, Амстердаме, Лондоне, Нью-Йорке. Светомузыка — так было названо изобретение Скрябина — заворожила тогда многих, тут и там конструировались новые свето-проекционные аппараты, обещая новые горизонты синтетическому звуко-цветовому искусству. Однако в наши дни цветовое сопровождение музыки явление столь обычное, что никто уже не обращает на него внимание. К тому же, как оказалось, под цвет, да еще и с дымом, лучше всего получаются эстрадные песенки да танцы в стиле «диско» .

Но и в то время к новациям Скрябина многие отнеслись скептически — тот же Рахманинов, который однажды, разбирая за роялем в присутствии Скрябина «Прометея», спросил не без иронии, какой тут цвет. Скрябин обиделся…

Этот хрупкий, небольшого роста человек, вынашивавший титанические замыслы и отличавшийся необыкновенной работоспособностью, обладал, несмотря на известную заносчивость, редким обаянием, привлекавшим к нему людей. Подкупала его простота, детская непосредственность, открытая доверчивость его души. Были у него и свои маленькие чудачества — долгие годы поглаживал пальцами кончик носа, полагая, что таким образом избавится от курносости. Он был мнителен, боялся всяческих инфекций и на улицу без перчаток не выходил, не брал в руки денег, за чаепитием предупреждал, чтобы не поднимали со скатерти сушку, упавшую с тарелки — на скатерти могли оказаться микробы…

Из композиторов-современников, похоже, его не интересовал никто. Из тех, кто был до него, он называл лишь два-три имени. Себя ненавязчиво мнил мессией, считая, что главное его произведение впереди. Под впечатлением от до сих пор не расшифрованной философии Е. П. Блаватской, захватившей тогда воображение многих, писал некую «Мистерию», в которой должно было принять участие все человечество. За семь дней, срок, за который Бог создал земной мир, в результате этого действа люди должны были перевоплотиться в некую новую радостную сущность, приобщенную к вечной красоте.

Скрябин мечтал о новом синтетическом жанре, где сольются не только звуки и цвета, но также запахи и пластика танца. «Но как ужасно велика работа, как ужасно она велика!» — с беспокойством восклицал он. Возможно, он стоял на пороге, перешагнуть который еще никому не удавалось…

Странно и то, что, казалось бы, сочиненная «Мистерия» так и не была записана. Сохранились лишь нотные отрывки из так называемого «Предварительного действа» к «Мистерии». 27 апреля 1915 года в самом расцвете сил и таланта Скрябин умер от общего заражения крови. Ему было сорок три года. В пределах, пяти лет до и после него умерло еще несколько гениев того больного поколения России: сорокалетние Врубель и Блок, тридцатишестилетний Чюрленис.

…Пустяк, нарыв на верхней губе, инфекция, которой Скрябин так боялся. Странная смерть, как наказание за гордыню, за попытку превзойти Творца. Разве он не помнил, как обошлись с Прометеем боги Олимпа?

4. Стравинский Игорь Федорович

Стравинский Игорь Федорович (1882−1971) -русский композитор. Родился 5 (17) июня 1882 в Ораниенбауме близ Санкт-Петербурга. Вырос в музыкальной семье — отец его был оперным певцом. Пробовал сочинять музыку, не имея специального образования, и лишь в двадцатилетнем возрасте начал брать уроки композиции у Римского-Корсакова. В 1905 опубликовал симфонию, написанную в академическом стиле. Под влиянием Римского-Корсакова обратился к русскому музыкальному фольклору. Его первое крупное произведение, пронизанное национальными мотивами, появилось после встречи с Сергеем Дягилевым — прославленным балетным импресарио, готовившим ряд спектаклей русского балета в Париже. По его заказу Стравинский написал одну из самых блестящих своих партитур — балет по русской сказке Жар-птица (1910). В следующем году был завершен еще один балет — Петрушка, где в живых и достоверных образах воссозданы картины русской масленицы. Музыкальный язык Жар-птицы и Петрушки еще сохраняет связь с прежней традицией, но уже в третьем балете — Весна священная (1913), действие которого происходит в древней языческой Руси, Стравинский порывает с музыкальной традицией, свободно используя неразрешенные диссонансы и постоянно меняющиеся ритмы невероятной сложности. Премьера Весны священной, поставленной «Русским балетом» Дягилева в Париже 29 мая 1913, сопровождалась бурным выражением негодования со стороны части публики. С тех пор имя Стравинского стало символом ультрасовременных тенденций в музыке.

Перед началом Первой мировой войны композитор покинул Россию. До 1939 жил во Франции, затем поселился в США. Добровольное изгнание стало причиной постепенного исчезновения из музыки Стравинского элементов русского фольклора. Русские темы еще присутствуют в партитуре Истории солдата (L'Histoire du soldat) для семи инструментов, созданной в годы Первой мировой войны, а также в кантате Свадебка (Les Noces, 1920) — стилизации деревенского свадебного гулянья — для солистов, 4 роялей и 17 ударных. Но в более поздних сочинениях уже прослеживается поворот к классицизму и религиозной тематике. Сюда относятся Концерт для фортепиано с оркестром (1924), балет Аполлон Мусагет (Apollon Musagete, 1927) и в особенности кантата Симфония псалмов (A Symphony of Psalms, 1930). В этот же период композитор создает балеты Пульчинелла (Pulcinella, 1920, на темы Перголези) и Поцелуй феи (Le Baiser de la fйe, 1928, на темы Чайковского). Его Симфония в трех частях (Symphony in Three Movements, 1945) — синтез неоклассицистской манеры и революционного стиля Весны священной.

Наиболее полно художественный аскетизм Стравинского проявился в Царе Эдипе (Oedipus Rex, 1927), опере-оратории на латинский текст; скупыми техническими средствами композитор достигает необычайного драматизма. В 1951 Стравинский написал оперу Похождения повесы (The Rake’s Progress, по серии нравоучительных гравюр Уильяма Хогарта) — сочинение, которое знаменует еще одну стилистическую линию его творчества: элементы комедии, моралите и мелодрамы сливаются в шутливо-назидательное целое.

Творчество Стравинского отличается образно-стилистической множественностью, однако подчинённой в каждый творческий период своей стержневой тенденции. В т. н. русский период (1908 — начало 20-х гг.), вершинными произведениями которого являются балеты «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», хореографические сцены «Свадебка» (1917, окончательный вариант 1923), Стравинский проявлял особый интерес к древнейшему и современному ему русскому фольклору, к ритуальным и обрядовым образам, к балагану, лубку. В эти годы формируются принципы музыкальной эстетики Стравинского, связанные с «театром представления», закладываются основные элементы музыкального языка — «попевочный» тематизм, свободный метроритм, остинатность, вариантное развитие и т. д. В следующий, т. н. неоклассицистский, период (до начала 1950;х гг.) на смену русской тематике пришла античная мифология, существенное место заняли библейские тексты. Стравинский обращался к различным стилевым моделям, осваивая приёмы и средства европейской музыки барокко (опера-оратория «Царь Эдип», 1927), технику старинного полифонического искусства («Симфония псалмов» для хора и оркестра, 1930) и др. Названные сочинения, а также балет с пением «Пульчинелла» (на темы Дж. Б. Перголези, 1920), балеты «Поцелуй феи» (1928), «Орфей» (1947), 2-я и 3-я симфонии (1940, 1945), опера «Похождения повесы» (1951) — не столько высокие образцы стилизации, сколько яркие оригинальные произведения (используя различные историко-стилистические модели, композитор в соответствии со своими индивидуальными качествами создаёт современные по звучанию произведения). Поздний период творчества (с середины 1950;х гг.) характеризуется преобладанием религиозной тематики («Священное песнопение», 1956; «Заупокойные песнопения», 1966, и др.), усилением роли вокального начала (слова), свободным использованием додекафонной техники (однако в рамках присущего Стравинскому тонального мышления). При всей стилистической контрастности творчество Стравинского отличается единством, обусловленным его русскими корнями и наличием устойчивых элементов, проявляющихся в произведениях разных лет. Стравинский принадлежит к числу ведущих новаторов 20 в. Он одним из первых открыл новые музыкально-структурные элементы в фольклоре, ассимилировал некоторые современные интонации (например, джазовые), внёс много нового в метроритмическую организацию, оркестровку, трактовку жанров. Лучшие сочинения Стравинского существенно обогатили мировую культуру Возможно, наиболее примечательным этапом творческой эволюции Стравинского (уже перешагнувшего 70-летний рубеж) стало освоение им 12-тоновой (додекафонной) системы композиции, которую использовали Арнольд Шёнберг и Антон Веберн. В этом стиле созданы балет Агон (Agon, 1957) для 12 танцовщиков и духовная кантата на библейский текст Плач пророка Иеремии (Threni, 1958) для солистов, хора и оркестра. Неповторимая манера Стравинского отчетливо проявилась в ритмике, полифонии и тембровой палитре этих додекафонных сочинений.

Умер Стравинский в Нью-Йорке 6 апреля 1971. Его влияние на музыку 20 в.-огромно. Такие шедевры, как Весна священная, вошли в основной репертуар оркестров многих стран мира.

Заключение

Из различных видов эмоций музыка воплощает главным образом настроения. Широко представлены в музыкальном содержании также эмоциональные стороны интеллектуальных и волевых качеств личности Это позволяет ей раскрывать не только психологические состояния людей, но и их характеры. В максимально конкретном, весьма тонком и «заразительном» выражении эмоций музыка не знает себе равных. Именно на этом основано широко распространённое определение её как «языка души»

В музыкальное содержание входят также «художественные мысли», тесно связанные с эмоциями, «прочувствованные». При этом, однако, собственными средствами, без помощи слов и др. внемузыкальных факторов музыки может выразить не все виды мыслей. Ей не свойственны предельно конкретные мысли-сообщения, содержащие информацию о каких-либо фактах, и предельно абстрактные, не вызывающие эмоциональных и наглядно-образных ассоциаций. Однако музыке вполне доступны такие мысли-обобщения, которые выражаются в понятиях, относящихся к динамической стороне социальных и психических явлений, к нравственным качествам, чертам характера и эмоциональным состояниям человека.

1. Бескоровайная В. М., М. П. Павлович. Музыкальные странствия современного подростка. — М., 1996

2. Васина-Гроссман В. Книга о музыке и великих музыкантах. — СанктПетербург., 1984

3. Газарян С. Рассказ о гитаре. — М., 2002

4. Даттель Е. Л. Музыкальное путешествие.- М., 1993

5. Зильберквит М. А. Музыка и ты 1,3,4,6,7 части. — М., 2001

6. Оржеховская Ф. Пять портретов. — М., 1986

7. Смирнова Э. Русская музыкальная литература. — М., 2001

8. Третьякова Л. С. Страницы русской музыки./ Русская музыка XIX века. — М., 1998

9. Тарасов Л. Музыка в семье. — М., 2003