Искусство гобелена как средство эстетического воспитания детей дошкольного возраста

Никогда не перестанут привлекать людей древние ремёсла. Никакие блага цивилизации не заглушат потребность в творчестве, удивление перед возможностью создать нечто самому, своими руками, практически из ничего.

Декоративные ворсовые, безворсовые ковры знают почти все, старинные шпалеры и современный гобелен известны меньше. А ведь это тоже ковры, только гладкие. Кроме того, они часто имеют сюжет, да и в интерьере используются как картины — висят на стене, в то время как ковёр, гладкий или ворсовый, утепляет стены или лежит на полу, покрывает мебель или заменяет её, как это принято на Востоке.

Когда в 1601 году фламандец Франсуа де ла Планш, ещё не мог предположить, что их фамилия превратится в обозначение стенных ковров не только во Франции, но и во многих других странах. 20].

Работы мастерской Планша и его совладельца были столь высокого уровня, что через 60 лет мастерская, объединив все шпалерные мастерские Парижа, превратилась в Королевскую мануфактуру Гобеленов. В 80-е годы ХVII века копировали картины итальянских и фламандских художников. После пятилетнего перерыва Гобеленовая мануфактура начала работать вновь в 1669 году.

Известными художниками создавались изящные гротески, иллюстрации к известным литературным произведениям, сюжеты из древней и новой истории, библейские, мифологические и исторические композиции.

Эскизы того времени уже утрачивают декоративные особенности и ткачи обязаны просто копировать представленные живописные произведения. Вместо декоративных бордюров гобелены заключают в тканые рамы, имитирующие багет.

Искусство шпалеры, потеряв свою самобытность, приходит в упадок не только во Франции, но и в других странах Европы.

В России шпалерное дело появилось гораздо позже, чем в Европе — в начале ХVIII века. Да и то, если бы не энергия Петра Великого, возможно, и не развилось бы вовсе.

Шпалеры, в качестве посольских даров, привозили в Россию со второй половины ХVII века. Будучи за границей, Пётр I обратил на них внимание уже в 90-е годы. В России привозные шпалеры, как признак необычайной роскоши, были очень дороги. Решение завести у себя шпалерную фабрику, видимо, созрело во время посещения Петром I Гобеленовой мануфактуры в Париже в 1716 году. Тогда же велено было завербовать французских мастеров для организации в России шпалерного дела и обучения русских учеников. С того времени и началась сложная история развития российского шпалерного искусства. Трудно налаживалось «коверное художество» в России. Не было постоянного помещения для мануфактуры, один за другим сменялись директора. Шёлк, шерсть, красители — чернильный орех, сандал, индиго и другие, — всё везли из-за границы. По всей России искали шерсть, пригодную для шпалер. Мастера-французы по большей части не спешили раскрывать секреты русским ученикам. Тем не менее, в 20-е годы ученики постепенно осваивают ковровое мастерство. Русские шпалеры развивались в общем русле с европейскими, постепенно меняя стили соответственно эпохам. 22].

После смерти Петра положение мануфактуры было тяжёлым, но работы продолжались. Русские ученики становились мастерами.

В 1732 г. мануфактуру перевели из Екатерингофа в Санкт-Петербург в более удобное помещение за Литейным двором. Эта улица со временем стала называться Шпалерной. Здесь находились 10 ткацких станков и красильня. Большинство ткачей уже были русскими.

Серия декоративных шпалер этого времени говорит о высоком мастерстве ткачей, создавших пышные композиции с фонтанами, архитектурными фрагментами, букетами, птицами и пейзажами на дальнем плане. Обычно одну шпалеру ткали несколько ткачей, причем каждый специализировался на своем. Самым простым считалось ткачество цветов, архитектуры, наиболее сложным — лиц и фигур. Соответственно работе и жалованье получали. На ткачество одного квадратного аршина (51 см2) шпалеры четырьмя мастерами требовался месяц.

Значительна серия «Индийские ковры» 1730−1740 гг. Образцами для нее послужили известные гобелены Королевской мануфактуры в Париже. Близки по сюжетам к этой серии шпалеры на тему борьбы зверей.

О внимании к развитию шпалерного дела в России говорит и создание в 1741 г. школы рисования при мануфактуре. Несмотря на несомненные успехи русской шпалерной мануфактуры, шпалеры почти не использовались и гнили на складе.

Со второй половины 40-х гг. ХVШ в. производство шпалер замирает. На мануфактуре в голоде и холоде работают лишь два ткача, остальные нищенствуют. Здание разрушается.

Новый расцвет ожидал мануфактуру с середины ХVШ в. По указу 1755 г. императрицы Елизаветы Петровны надлежало привести мануфактуру в порядок для производства шпалер в будущий Зимний дворец. Но увы, уже нет ни ткачей, ни живописцев, ни красильщиков. И вся история повторяется заново. Снова вербуют мастеров в Париже, а в ученики отправляют детей тех, кто работает на петербургской мануфактуре, «гарнизонных школьников», солдатских детей. Особенно заботилась о мануфактуре Екатерина П: отпускались деньги на содержание 117 учеников, закупались лучшие заграничные сорта шерсти и шелка. Мастеров обучали рисунку. Частные заказы пополняли казну мануфактуры. В 80-х гг. штат ее состоял из 150 человек, причем только русских. 25].

Вплоть до начала ХIХ в. отмечается расцвет шпалерного дела. В это время были сотканы шпалеры по картинам известных живописцев, находящихся в Эрмитаже, портретам, повторяются «Индийские ковры», аллегорические композиции, гарнитуры, включающие «обои» и обивку для мебели.

В конце 20-х гг. XIX в. шпалеры выходят из моды, продаются плохо и дохода мануфактуре не приносят. С 1827 г. производятся главным образом ковры и утилитарные изделия. Убыточность мануфактуры все время растет и в 1858 г. она была закрыта. За 140 лет на петербургской мануфактуре было создано 205 шпалер. Познакомимся с тремя из них. Как и в русской живописи начала XVIII в., портреты занимают большое место и в шпалерном деле. Первыми были изображения Петра I, Екатерины I и других государей, позднее — великих князей, генералов и прочих деятелей.

Впервые изображение Петра появляется в двух вариантах «Полтавской баталии», сотканных еще по воле Петра в 1722 и 1723 гг. Мечта государя о прославлении Российской империи во всех видах художественного творчества сбылась. В центре композиции — Петр на скачущем коне, со шпагой в руке. Вдали — Полтава и эпизоды яростного сражения. Портреты Петра I ткали по живописным оригиналам во все периоды истории петербургской шпалеры. Так, портрет 1783 г. был соткан по картине Ж.-М.Натье 1717 г. В отличие от более ранних изображений Петра в шпалере этот портрет привлекает легким, светлым колоритом, удачной композицией, поэтичным настроением, хотя, возможно, образ Петра и передан не столь точно.

Полны экзотических мотивов четыре шпалеры серии «Страны света». Созданные в 1743—1747 гг., они имели большой успех и были повторены дважды в прямом и зеркальном отражении. Сложные многофигурные композиции представляют аллегории четырех частей света. В центре каждой шпалеры — женская фигура, олицетворяющая континент. По представлению русских художников, все дамы, даже аллегория Африки, европейского происхождения. 20].

Перед нами — «Азия». На первом плане — воинские атрибуты, цветы, плоды, множество мелких предметов Востока. На Китай намекает фарфоровая ваза, с синим орнаментом, за верблюдом виднеется высокая пагода. Амуры дополняют пеструю композицию. В шпалере присутствуют все черты искусства барокко: пышная театральность, яркие цвета, динамичность композиции. В то время вошли в моду тканые бордюры, изображающие резную деревянную раму с богатым орнаментом. Мало того, в дворцовых интерьерах шпалерам отводилось специальное место, которое также оформлялось растительным барочным орнаментом. Таким образом, шпалеры составляли единое целое с остальным убранством интерьера.

Шпалеры, созданные по живописным произведениям, не предназначенные для копирования в ткачестве, были обычным явлением. Картины брали на время из Эрмитажа на мануфактуру. Их копировали, внося соответствующие технике поправки.

Сегодня гобелен признан украсить жизнь и согреть уже не столько стены, как в средние века, сколько наши души радостными яркими красками и образами. [38].

Успешное развитие гобелена во Франции вызвало интерес у художников многих стран. Кроме сюжетно-изобразительного направления в гобелене, появились и чисто декоративное. Они могли быть построены на красочных цветовых пятнах, линейных ритмах, простых или сложных ассоциациях. В 60-е годы интерес к гобелену вырос настолько, что многие художники сами сели за ткацкий станок. Это привело к необыкновенным превращениям гобелена. Сначала он обрёл преувеличенную рельефность за счёт настилов, обвивок, ворса. Затем начал терять классическую прямоугольную форму, заменять перегородки и даже потолки и, в конце концов, превратился в мягкую скульптуру. Все течения модернизма и постмодернизма отразились в искусстве гобелена.

Гобелен — синтетическое искусство. В его основе лежит крепкий рисунок, строгий расчёт всех декоративных эффектов, а потом — долгое, терпеливое воплощение в материале.

Гобеленист не может выплеснуть свои эмоции, как живописец — взмахом кисти. Чтобы изобразить маленькое красочное пятно, ему придётся трудиться целый день. А всю страсть души выдадут оттенки пряжи и движение утка. И за несколько месяцев работы, которых требует большая вещь, надо не растерять творческий запал. Равнодушие и охлаждение к работе сразу дадут себя знать. Цвета нитей начнут меркнуть, ткацкие приёмы станут лишь результатом сухого расчёта.

Гобелен — это красота, неспешно созданная тёплыми умелыми руками, спокойным разумом и чуткой душой. Гобелен — искусство очень чуткое.

Исследование особенностей восприятия детьми изобразительного искусства показало, что у детей уже в дошкольном возрасте проявляется интерес к различным видам и жанрам искусства, увлеченность рисованием, лепкой, аппликацией, развиваются познавательные потребности (как структурный компонент творческого потенциала ребенка). Ребенок учится всматриваться в образ картины, скульптуры, находить и различать способы изображения.

В процессе приобщения детей к разным видам изобразительного искусства происходит развитие познавательных способностей, уточняются знания об окружающем: общественных явлениях, природе и т. д. Восприятие художественного образа в картине, графике, скульптуре способствует уточнению многих понятий, специфических для изобразительного искусства. Их знание делает процесс восприятия более осмысленным, интересным, так как ребенок различает выразительные средства каждого вида изобразительного искусства. 30].

В психологических и педагогических исследованиях вскрываются особенности умственного, эстетического развития детей в дошкольном возрасте. В частности, в работах А. В. Запорожца, В. В. Давыдова, Н. Н. Поддьякова установлено, что дошкольники способны в процессе предметно-чувственной деятельности выделять существенные свойства предметов и явлений, устанавливать связи между отдельными предметами и явлениями и отражать их в образной форме. Этот процесс особенно заметен в различных видах практической деятельности: формируются обобщенные способы анализа, сравнения и сопоставления; развивается умение самостоятельно находить способы решения задач, умение планировать свою деятельность.

В процессе формирования у детей эстетического отношения к искусству главное — эмоционально-образное восприятие произведений искусства, изобразительно-выразительных средств, формирование интересов, предпочтений. В то же время важно учитывать и процесс овладения детьми изобразительными умениями, навыками, способность самостоятельно их использовать.

Изобразительное искусство обладает своим языком, который помогает художнику выразить мысли, чувства, свое отношение к действительности. Посредством языка искусства жизнь отражается художником во всем многообразии. И. Б. Астахов пишет, что изобразительный язык, присущий каждому виду искусства, не является чем-то внешним по отношению к специфике художественного образа. Будучи материальной формой выражения, он представляет одну из существенно важных сторон образной специфики. 41].

Язык изобразительного искусства многообразен. Его необходимо знать воспитателю, так как на занятиях в детском саду происходит активное формирование художественного восприятия. Детей дошкольного возраста надо познакомить с некоторыми особенностями языка изобразительного искусства. В связи с этим, начиная с младшего дошкольного возраста, воспитатель сначала ставит задачу — 1). формировать у детей эмоциональную отзывчивость на произведения искусства (какие чувства передает художник в картине, скульптуре); 2). затем обращает внимание на то, как художник рассказывает об окружающей действительности, и уже после этого; 3). направляет все внимание на средства образной выразительности.

Знание основ искусства дает возможность рассмотреть его место в эстетическом воспитании детей с учетом их возрастных и индивидуальных особенностей. Однако нельзя механически перенести особенности языка изобразительного искусства, характерные для работ профессионалов, в деятельность ребенка.

Рассмотрим средства выразительности, специфические для каждого вида изобразительного искусства, и затем обратимся к детскому творчеству.

Среди видов искусства различают изобразительные (живопись, графика, скульптура) и неизобразительные (музыка, архитектура), хотя это деление условно. Это различие не является абсолютным, поскольку все виды искусства выражают отношение к каким-то сторонам жизни. И все же разграничение искусств является определяющим в морфологии (классификации) искусств, так как базируется на различении предмета отображения.

Изобразительные искусства обращаются к действительности как источнику формирования мира человека (В. А. Разумный, М. Ф. Овсянников, И. Б. Астахов, Н. А. Дмитриев, М. А. Каган). Поэтому основой является изображение предметного мира. Мысли же и чувства передаются в них опосредованно: только по выражению глаз, мимике, жестикуляции, облику людей можно узнать об их чувствах и переживаниях. 12].

В ходе развития искусства изобразительные и неизобразительные его виды взаимно питают и обогащают друг друга. Например, живопись отличает тенденция ко все большему использованию цвета для усиления выразительного начала. В рисунке — тенденция к характерным линиям, контрастам темного и светлого.

Обучая детей восприятию произведений искусства, мы тем самым делаем выразительнее их изобразительную деятельность, хотя совершенно очевидно, что в этом процессе нет механического переноса способов деятельности взрослого художника в деятельность ребенка. Рассмотрим, какие устанавливаются взаимосвязи и как надо воздействовать, чтобы помочь детям в создании выразительного образа в рисунке, лепке.

Характерным изобразительно-выразительным средством живописи мы считаем цвет, благодаря которому художник имеет возможность передавать все многообразие окружающего мира (богатство цветовых оттенков, эмоциональное воздействие цвета на зрителя). В то же время в картине имеет значение композиция, ритм цветовых пятен, рисунок. Художник может пользоваться всеми этими средствами, усиливая или ослабляя их воздействие на зрителя.

Цвет в рисунке — наиболее яркое средство, привлекающее внимание детей, эмоционально воздействующее на их чувства (Е. А. Флёрина, Н. П. Сакулина, В. С. Мухина). Тяготение детей к ярким чистым цветам придает их рисункам выразительность, праздничность, яркость, свежесть. Восприятие детьми пейзажа, натюрморта (в живописи), характерных по содержанию и выразительности графических рисунков, способствует формированию образности в их творчестве. Поэтому при формировании художественно-образного начала главное внимание, уже начиная с раннего возраста, направлено на цвет как выразительное средство, с помощью которого можно передать настроение, свое отношение к изображаемому.

Так, в первой младшей группе при рисовании узора для веселых матрешек педагог использовал чистые цвета красок, обращая внимание детей на сочетание фона и цвета яркого пятна: именно благодаря этому происходило формирование восприятия образа веселых нарядных матрешек, одетых в красивые сарафаны. На каждом занятии по рисованию или аппликации этот способ был главным. 25].

По сравнению с малышами в старшей и подготовительной группах педагог формирует у детей более дифференцированное отношение к цвету как к средству передачи настроения, чувств (цвет грустный, печальный, мрачный; цвет веселый, радостный, праздничный).

Это представление о цвете имело место как в предметном, так и в сюжетном рисовании. Например, передать настроение веселого праздника Елки дети смогли в том случае, если они использовали яркую цветовую па-литру. В каждом рисунке можно увидеть сочетание контрастных ярких, насыщенных цветов, создающих в целом праздничный колорит.

Другое выразительное средство — характер линии, контура, передача движения в рисунке дошкольника — является наиболее специфическим. Характер линий у взрослого художника определяется уровнем его мастерства, способностью обобщения. Рисунок бывает чаще всего лаконичным, имеет вид наброска. Рисунки могут быть штриховые, цветные.

По сравнению с живописью язык графического произведения более скупой, лаконичный и условный. Художник А. Кокорин пишет: «Рисование мне всегда представляется чудом. У художника лист белой бумаги, карандаш или тушь. Оперируя только черным и белым, он, как волшебник, на этом простом листе бумаги создает свой мир пластической красоты». Действительно, в рисунке цвет не играет такой роли, как в живописи, так как рисунок может быть выполнен графическими материалами: карандашом, углем. Однако выполненная акварелью, гуашью, пастелью работа бывает очень живописной.

Дети дошкольного возраста постепенно, начиная с простейших штрихов, переходят к наиболее полному изображению предметов, явлений. Стремление передать цвет придает рисункам старших дошкольников яркость, сочность.

При ознакомлении детей с другим видом изобразительного искусства — скульптурой, передающей объемную форму предметов, людей, животных, все внимание фиксируется на характере изображения персонажа. Скульптура требует кругового обзора, помогающего выделять силуэт, позу, движение. Освоение разных способов обследования скульптуры дает дополнительную информацию об изображении человека, животного. 22].

В исследованиях Н. А. Курочкиной, Н. Б. Халезовой, Г. М. Вишневой показана последовательность формирования у дошкольников эстетического восприятия скульптурного образа. В работе Г. М. Вишневой показана специфика восприятия художественного образа в скульптуре, возможность обогащения работ по лепке под влиянием рассматривания скульптуры малых форм.

Анализируя работы детей, следует отметить приемы освоения ими лепки из целого куска (как прием скульптурной лепки), лепки из разных материалов (мотивировка выбора диктуется характером образа). Художественное восприятие формируется наиболее полно в старшем дошкольном возрасте, когда дети могут самостоятельно передавать скульптурный образ, давать оценки, высказывать эстетические суждения о нем.

Приемы формирования художественного восприятия различны: педагог использует беседы об искусстве, скульптуры, игровые ситуации, в которых дети сравнивают, узнают разные по художественной выразительности образы.

Кроме того, использование скульптуры на занятиях по развитию речи, рассказывание сказок, придумывание рассказов об этих персонажах не только обогащает знания детей, но и развивает их воображение. Словарь детей пополняется образными выражениями, в которых проявляется объем знаний детей об этом виде искусства.

Педагог, обучая детей рассматривать произведения разных видов изобразительного искусства, постепенно приобщает их к красоте. С другой стороны, это оказывает влияние на способы образной выразительности, которыми дети передают свои впечатления об окружающей действительности в рисунке, лепке.

Приведем примеры беседы с детьми старшего дошкольного возраста. Первое задание по восприятию репродукций русских художников И. Левитана «Березовая роща», А. Саврасова «Грачи прилетели». Главное внимание детей было обращено на специфику изобразительно-выразительных средств, при изображении этого периода весны. Мы опирались на данные в исследовании Н. М. Зубаревой о доступности восприятия детьми пейзажа в картине. Неслучайно были выбраны разные периоды весны — в одном случае ранний, в другом — поздний. Принцип контраста дает возможность обратить внимание детей на главное в картине. «Какими красками художник изобразил весну?», «Какие чувства он передает?», «Как ты догадался, что это ранняя или поздняя весна?», «Какая картина тебе больше нравится, почему?», «Как бы ты сам нарисовал березовую рощу?» Эти вопросы активизировали детей, направляли их восприятие художественного образа, давали возможность сравнить средства выразительности.

Ответы детей характеризовали объем их знаний, словарный запас: «Мне нравится березовая роща, в картине много света, видно, что светит солнце, на траве даже видны солнечные пятна, так хорошо в этой роще гулять»; «Нравится картина „Грачи прилетели“, грачи шумят, кричат, зовут весну. Даже как будто слышно, как они весело кричат. И снег уже почернел, скоро совсем растает»; «А мне больше нравится картина „Березовая роща“. Так красиво художник нарисовал березки. Они нежные, а листики светло-зеленые. Очень светло и хорошо все изображено. Хочется нарисовать такую веселую березовую рощу и траву ярко-зеленую».

Последующее интегрирующее занятие «Березовая роща» показало, что знание детей об этой картине, воздействие художественного образа обогатило их деятельность. При этом комплексное воздействие музыкального, изобразительного, художественно-речевого образа вызвало положительную эмоциональную реакцию, желание детей всем вместе создать композицию «Березовая роща».

Ознакомление детей дошкольного возраста с различными видами изобразительного искусства (живописью, графикой, скульптурой, мелкой пластикой, гобеленом, декоративно-прикладным искусством) создает условия для развития их художественного творчества.