Развитие кинематографа

Содержание Введение Глава 1. Зарождение кинематографа

1.1 Рождение кино

1.2 Первый киносеанс

1.3 Жорж Мельес — создатель кинематографического зрелища Глава 2. Появление планеты «Голливуд». Эпоха немого кино

2.1 Рождение Голливуда

2.2 Немое кино

2.3 Великий художник экрана Чарли Чаплин

2.4 Появление звука в кино Глава 3. Зарубежное кино в 50−90 е годы XX века

3.1 Итальянский кинематограф

3.2 Голливудский кинематограф

3.3 Английский кинематограф

3.4 Кинофестивали и кинопремии Глава 4. Отечественный кинематограф

4.1 Возникновение первых фильмов в России

4.2 Развитие Отечественного кинематографа Заключение Введение Кинематограф относительно новый вид искусства. Его история в сравнении с тысячелетней историей музыки, живописи, театра очень коротка. Но это не мешает кино оставаться уже на протяжении нескольких десятков лет самым массовым видом искусства.

Великий английский режиссёр Альфред Хичкок однажды сказал: «Фильм — это жизнь, с которой вывели пятна скуки». Действительно, хорошее кино завораживает, удивляет, заставляет задуматься над происходящими в жизни человека явлениями. Также как книга для писателя, музыка для музыканта или картина для художника, кино для режиссёра — это способ выражения собственных мыслей, чувств и желаний. Зачастую кино показывает нам идеальную жизнь, жизнь о которой мечтают многие, жизнь, которая для многих не достижима. Кинематограф является своеобразным мотивом, побудительным действием к активному вмешательству в свою жизнь и изменению её к лучшему на пути к идеалу.

Сегодня кинематограф — прежде всего индустрия, отрасль экономики, приносящая огромную прибыль развитым государствам. Кинодеятели оказываются на месте художника, который получает гонорар за выполнение именно той работы, которая понравится заказчику, даже если сам живописец понимает, что с художественной точки зрения эта работа ничего собой не представляет. Всё направлено на удовлетворение «усреднённых желаний» большей части общества.

А как же появилось кино?

Глава 1. Зарождение кинематографа

1.1 Рождение кино Первые шаги на пути к развитию великого кино.

История кино начинается в XIX веке. Хотя фотография как способ запечатления неподвижных изображений появилась ещё в первой половине XIX века, для того, чтобы стал возможным процесс съёмки и воспроизведения движения, требовалось, чтобы фотографирование могло происходить с короткими выдержками. Но и после появления соответствующих типов фотоэмульсий в 70-х годах XIX века, кино появилось не сразу. То, что для нас сегодня кажется очевидным, изобретатели и пионеры кинематографа поняли далеко не сразу. Были сделаны десятки попыток создать системы записи и воспроизведения движущихся изображений, в которых даже принимал участие знаменитый Эдисон, но и его система оказалась неудобной, рассчитанной всего лишь на индивидуальный просмотр, что и не позволило Эдисону добиться успеха.

В результате, признанными изобретателями кинематографа стали французы, братья Луи и Огюст Люмьеры. Аппаратура Люмьеров оказалась очень удобной, с её помощью можно было легко снимать и демонстрировать фильмы на большом экране, что и предопределило успех их изобретения. «Кинематограф» (или «синематограф») — именно так называлось устройство Люмьеров.

Однако, начало распространения кинематографа было положено съемкой и публичной демонстрацией первых короткометражных фильмов.

1.2 Первый киносеанс Первая публичная демонстрация была дана в Париже ещё в марте 1895 года, но днём рождения кино считается другая дата, 28 декабря 1895 года, когда состоялся первый коммерческий киносеанс (это произошло в подвале «Гран Кафе» на бульваре Капуцинов).

В своих сеансах Люмьеры демонстрировали несколько коротких (всего 50 сек.) роликов, первым из которых был «Выход рабочих с фабрики». Однако наиболее популярным из этих роликов стал ролик под названием «Прибытие поезда». Поезд на экране как бы надвигался на зал, что выглядело очень реалистично и производило сильное впечатление на зрителей.

После гениального изобретения Люмьеров был кинематограф, но ещё не было кино. Пионеры, создавшие системы записи и воспроизведения изображений, не предвидели всех возможностей использования кинематографа. Люмьеры считали, что главная функция их изобретения — запись и сохранение кинохроники для потомков. Другие видели в демонстрации движущихся картинок всего лишь забавное развлечение. Однако, ещё и в отсутствие сюжетного кино, кинематограф быстро набирал популярность. Интерес к сеансам кинематографа некоторых влиятельных людей, глав государств сильно способствовал распространению кинематографа во всём мире.

1.3 Жорж Мельес — создатель кинематографического зрелища Среди репортажных съемок братьев Люмьер была одна инсценированная лента — предвестник художественных фильмов, знаменитый «Политый поливальщик». Вероятно, замысел его навеян «юмористическим рассказом в девяти рисунках» Эрмана Вожеля, включенным в альбом Кантона (1887 год). Несложная история о мальчике, умышленно наступившем на водопроводный шланг, стала темой первой художественной картины со сценарием и актерами (хотя и любителями).

Несмотря на огромный успех «Политого поливальщика», братья Люмьер не стремились делать картины, иллюстрирующие какую-нибудь историйку или комический рисунок. Не в зрелищности и не в инсценировках видели они будущее кинематографа. И только Жорж Мельес, которого по праву называют великим волшебником экрана, сумел использовать опыт «Политого поливальщика» для создания оригинальных зрелищных фильмов.

Мельес был театральным деятелем — режиссером, актером, продюсером. В период первых люмьеровских киносеансов он возглавлял Театр Робера Удена, названный именем его основателя, замечательного фокусника, мастера иллюзий и волшебных превращений. Мельес и сам был фокусником и некоторое время занимал пост председателя общества иллюзионистов.

В кинематографе Мельес увидел сначала лишь средство дополнять и разнообразить свой театральный репертуар. Фильм был одним из номеров развлекательной программы. Вскоре, однако, Мельес всерьез заинтересовался волшебным аппаратом, запечатлевающим сцены из повседневной жизни. Неужели на кинопленку, думал он, можно снять только то, что происходит в действительности, только то, что человек видит вокруг себя? А если попытаться переступить границу натуралистической фотографии, попробовать сделать фильм о том, что уже в течение многих лет показывается на сцене его театра? Пусть экран перестанет быть зеркалом жизни, пусть он превратится в магический стеклянный шар, в котором совершаются чудеса. В театре чудесам помогала система канатов, люков, зеркал. Что может быть проще, чем повторить те же самые трюки при помощи кинокамеры? Таким образом, соединяя чудеса театра и фотографии, Мельес создал чудо кинематографическое.

Но вскоре оказалось, что для создания «чудес» на экране недостаточно только съемочной камеры и запаса пленки. Нужно было специальное помещение для подготовки съемок. И вот в 1898 году в Монтре, недалеко от Парижа, появилось первое киноателье, где театральная сцена, оснащенная кинотехникой, соседствовала с фотолабораторией. На этой студии (переоборудованной и усовершенствованной в 1906 году) Мельес снял все свои фильмы, среди них такие знаменитые ленты, как «Путешествие на Луну» (1902), «Путешествие через невозможное» (1904), «Завоевание полюса» (1912). кинематограф зрелище культура фильм Мельес был художником-одиночкой. На своей студии он делал все: был сценаристом, декоратором, режиссером, оператором, актером и даже подчас киномехаником; не говоря уже о том, что ему приходилось продавать собственные фильмы. Сам Мельес так определил свою позицию и миссию: «Я родился с душой артиста, одаренного ловкостью рук, изворотливостью ума и врожденным актерским талантом. Я был одновременно и умственным и физическим работником». Эта последняя фраза лучше всего характеризует деятельность Мельеса и одновременно характер кинематографического творчества в начале XX века. Кино в те годы делалось руками кустарей-одиночек; разделения труда, характерного для промышленного производства, еще не произошло. Кустарь, влюбленный в свое дело, должен был быть артистом, сознающим, что его работа — художественное творчество. Мельес именно так и понимал свой труд, говоря, что хорошие фильмы не могут создавать те, кто не заботится об искусстве. Вместе с тем он с обоснованной гордостью подчеркивал, что ценность созданных им произведений в том, что он был, прежде всего, работником физического труда, что он своими руками создал кинофеерии и сказки.

Кино — это относительно молодое искусство, которое появилось в конце 19 века. С тех пор кино прошло долгий путь развития.

Появление кино ознаменовало собой начало новой эпохи в истории человечества. Мировая культура сделала огромный рывок вперед. Теперь стало возможным создавать новые идеологии, влиять на огромные массы людей, формировать сознание общества. И все это с помощью кино.

Глава 2. Появление планеты «Голливуд». Эпоха немого кино

2.1 Рождение Голливуда Почти сто лет назад, в начале 1908 г., первые американские кино производители потянулись из колыбели национальной киноиндустрии — Нью-Йорка на Западное побережье, в Калифорнию. Так появился Голливуд — великая «фабрика грёз» и столица иллюзий. Слово Hollywood образовано от английских слов holly — «остролист» и wood — «лес». В 1886 г. некая Дейда Уилконс из Канзас-Сити вместе со своим мужем купила участок земли в окрестностях Лос Анджелеса, назвав его Hollywood. Через несколько лет супруги стали сдавать землю в аренду, а к 1930 г. вокруг ранчо вырос целый посёлок, присоединённый к Лос Анджелесу на правах пригорода. Первым кинематографистом, ступившим на землю Голливуда, был Уильям Зелиг, который купил часть земли, чтобы разместить на ней филиал своей чикагской кинокомпании. Самый мощный в мире центр кинопроизводства возник в результате так называемой патентной войны.

2.2 Немое кино Немое кино — самая чистая форма кинематографа. Альфред Хичкок.

Первые короткометражные фильмы (15—20 метров, примерно 1,5 минуты демонстрации) были по большей части документальные, однако, уже в комедийной инсценировке. Небольшая длина первых фильмов была обусловлена техническим несовершенством киноаппаратуры, тем не менее, уже к 1900;м годам длина кинокартин увеличилась до 200—300 метров (15—20 минут демонстрации). Совершенствование съёмочной и проекционной техники способствовало дальнейшему увеличению длины фильмов, качественному и количественному увеличению художественных приёмов съёмки, актёрской игры и режиссуры. А широкое распространение и популярность кинематографа обеспечили его экономическую выгодность, что, однако, не могло не сказаться на художественной ценности снимаемых кинокартин. В этот период с усложнением и удлинением сюжета фильмов начинают формироваться жанры кинематографа, оформляется их художественное своеобразие, создается специфический для каждого жанра набор изобразительных приёмов. Наивысшего своего расцвета «немое» кино достигает к 20-м годам, когда оно уже вполне оформляется как самостоятельный род искусства, обладающий своими собственными художественными средствами.

2.3 Великий художник экрана Чарли Чаплин

В двадцатые годы кино завоевало весь мир. Кинозрелище стало составной частью современной жизни, такой же повседневностью, как трамвай или газета. Но критерии и символы этой популярности в разных странах и в разные периоды были различны. Тот или иной жанр фильмов выдвигался на первое место, та или иная звезда становилась, как писали газеты, «божеством толпы». Критики, знатоки киноискусства, кинематографисты превозносили то одного, то другого режиссера. И только одного человека в мире кино не затронули все эти взлеты и падения, быстротечные моды и рекламная истерия голливудских компаний. Человеком этим был Чарльз Спенсер Чаплин, великий художник экрана, а может быть, даже, как утверждал Бернард Шоу, «единственный гений, которого дало миру киноискусство» .

Его фильмы пользовались успехом уже в период войны, будучи желанными гостями в прифронтовой полосе. Приезжая на короткий отпуск, французские «Пауло», английские «Томми» и американские «Сэмми» толпились у касс кинотеатров, чтобы увидеть своего «Чарли» или «Шарло» в новом фильме. Фарсы периода «Кистоуна», «Эссеней» и «Мьючуэл» помогали избавиться от воспоминаний о кошмарах окопной жизни, артиллерийских обстрелах, газовых атаках и первых воздушных бомбардировках.

Из года в год росла слава Чаплина. Его любили простые люди и интеллектуалы, великие и малые мира сего. Не было такой страны, в которой не демонстрировались бы ленты этого комика. Статистики подсчитали, что каждый фильм Чаплина смотрело около трехсот миллионов зрителей. Одна эта цифра может вызвать головокружение, свидетельствуя одновременно о небывалой, беспримерной в истории популярности кинематографиста-режиссера, сценариста и актера в одном лице.

Чарли Чаплин — это человек-легенда. Даже в век компьютеров и немыслимых спецэффектов его черно-белые немые фильмы, давным-давно ставшие классикой кинематографа, впечатляют так, как не всегда впечатлит самый крутой и навороченный голливудский блокбастер. Фильмы Чарли Чаплина — особенные. Он выступал в роли сценариста, режиссера, актера (играя порой не одну роль в одной картине) и композитора одновременно, и, наверное, именно эта безумная любовь к своему делу в сочетании с безграничным универсальным талантом Чарли сделала его фильмы поистине бессмертными. Они до сих пор заставляют смеяться и плакать, они позволяют взглянуть другими глазами на мелкие жизненные неурядицы и, подобно герою Чаплина — Бродяге, не сдаваться и не унывать.

2.4 Появление звука в кино До 1927 г. практически все фильмы были «немыми», они содержали лишь изображение, без звука. В начале 1920;х появляется первая система, способная записывать и воспроизводить звуковое кино, однако кинопроизводители долго осторожничают, опасаясь значительно удорожания производства и проката фильмов. Первой на эксперимент решается американская фирма «Уорнер Бразерс», в 1927 г. она выпускает первый фильм, в котором персонаж на экране разговаривает — «Певец джаза» .

Приход в кино звука несколько уменьшает роль приёмов художественной выразительности, которая прежде была призвана во многом, как раз, компенсировать отсутствие звука. Звук подталкивал к созданию более реалистичного, имеющего чёткий повествовательный сюжет, и менее условного кино. Некоторые известные режиссёры и актёры (в том числе Чарли Чаплин) выступали против звукового кино, либо за то, чтобы звук не мешал их изобразительным экспериментам, но звук очень быстро завоевал себе место в кино, и на протяжении 30-х практически все фильмы стали звуковыми. Разнообразие художественных приёмов и выразительных средств в кино падает, зато значительно усиливается роль диалогов, несущих главную содержательную и выразительную. нагрузку в достаточно большой группе фильмов.

Немое кино" — общепринятое обозначение кинематографа в первые десятилетия его истории, когда фильмы выходили на экраны без синхронно записанного звука. Именно отсутствие доступной технической возможности записи и синхронного воспроизведения звука оказалось наиболее важным обстоятельством, которое определило художественную специфику кинофильмов в этот период.

Отсутствие в фильмах звучащей речи стало катализатором поиска новых возможностей организации изобразительного ряда. Благодаря этому ограничению сложилась «немая» школа изложения сложного сюжета средствами монтажа, появились титры, основной актёрской игры стал специфический вид пантомимы. К началу 1920;х годов «немое кино» обзавелось широким набором художественных средств, которые обусловили параллельное развитие нескольких направлений кинематографа как искусства.

Глава 3. Зарубежное кино в 50−90 е годы XX века

3.1 Итальянский кинематограф Крах фашизма, общая демократизация мира оказали на кинематограф значительное влияние, породив в нем ряд значительных явлений. Одним из них был итальянский неореализм.

Неореализм стал самым значительным явлением в итальянской художественной культуре 40−50-х гг., оказавшим влияние на развитие всего послевоенного кинематографа. Возникнув на волне Сопротивления, в обстановке подъёма демократического движения, неореализм объединил самых разных кинематографистов, но в первую очередь молодых, по большей части дебютантов, единых в ненависти к фашизму, в стремлении правдиво рассказать о настоящей жизни Италии, её народа.

Манифестом нового итальянского кино стал фильм Роберто Росселлини (1906;1977) «Рим — открытый город», пронизанный духом антифашистского единства и пафосом художественного открытия реальной Италии. Первые фильмы неореализма («Пайза» Р. Росселлини, «Солнце ещё всходит» А. Вергано) черпали сюжеты и образы в движении сопротивления. Следующие («Трагическая охота», «Горький рис», «Нет мира под оливами», «Рим, 11 часов» Дж. Де Сантиса, «Похитители велосипедов», «Шуша», «Умберто Д» Де Сики, «Земля дрожит» Л. Висконти и др.) Рассказывали о проблемах безработицы, нищеты, социальной несправедливости и послевоенной разрухи. Те же проблемы ставились и в неореалистических комедиях типа «Полицейские и воры» Стено и М. Моничелли, «Два гроша надежды» Р. Кастеллани, в сатирической киносказке Де Сики «Чудо в Милане». Но типичные бытовые и даже трагические мотивы получали в них оптимистическое звучание, в духе жизнеутверждающих традиций народного искусства.

Неореализм — произвёл подлинную революцию в итальянском киноискусстве. На экраны Италии хлынула настоящая жизнь. Впервые трудящиеся массы узнавали в киногероях себя, в их проблемах — свои проблемы, увидели страшную правду: голод, безработицу, нищету, а вместо рекламных италийских пейзажей — трущобы бедняцких кварталов. Провозгласив принцип достоверности, режиссёры вышли из павильонов. Фильмы снимались на натуре: на улицах, в разорённых деревнях, на рабочих окраинах. В некоторых из них вместо профессиональных актёров играли рабочие и крестьяне, сюжетами служили истинные происшествия, факты из газетной хроники. Последовательным сторонником такого документального стиля был писатель и сценарист Ч.Дзаваттини. Однако не все режиссёры строго придерживались этого принципа. Так, Джузеппе Де Сантис, один из «отцов» неореализма, допускал и выдуманный сюжет, и вымысел, и увлекательную интригу. Почти все его ранние фильмы построены на детективной основе. При всём разнообразии творческих стилей, мировоззрения, культурного и политического опыта режиссёрам было свойственно и то общее, что делало их неореалистами: правдивое воссоздание современной действительности, антибуржуазная направленность, интерес к народной жизни, судьбе простого человека, большая или меньшая степень документализма.

Неореализм привел к революции не только в тематике и поэтике итальянских картин, но и в манере актёрской игры. С этого времени ведёт свою историю и современная школа киноактёра, отличающаяся естественной и эмоциональной манерой исполнения. Мировую славу по праву заслужило искусство А. Маньяни (1908;1973), выдающейся актрисы итальянского театра и кино, Э. Де Филиппо, не только актёра, но и прославленного драматурга и режиссёра, М. Джиротти, Р. Валлоне, Дж. Мазины, С. Мангано, А. Фабрици, одного из замечательных комиков — Тото. Они правдиво воплотили на экране национально-народные характеры, создали незабываемые образы простых итальянцев.

Неореалисты заложили фундамент здания современного итальянского кинематографа, однако процесс развития традиций неореализма не был простым.

3.2 Голливудский кинематограф Современный период в голливудском кино начался в конце 1960;х годов с развалом студийной системы. Интерес к традиционным, шаблонным студийным фильмам с участием звёзд неуклонно падал, и многие даже крупные киностудии были поставлены на грань разорения. Студийные боссы недоумевали о том, какое кино хочет видеть зритель, и начались эксперименты. Среди молодых режиссёров, которым был дан шанс продемонстрировать свои способности, оказались Джордж Лукас, Стивен Спилберг, Мартин Скорсезе, Фрэнсис Форд Коппола, Брайан Де Пальма. И именно эта группа режиссёров сформировала современный кинематограф в том виде, в каком он вошёл в XXI век. Их фильмы в конце 1960;х и в начале 1970;х имели огромный успех, именно из-за них возникло слово «блокбастер». Руководители больших студий стали доверять молодым режиссёрам, приглашать их для съёмок стало модно, тем более что они, выйдя из киношкол и маленьких студий, умели укладываться в очень небольшие бюджеты. Мощная волна нового, необычного, откровенного кино 1970;х захватила зрителей и в голливудском кино началась новая эпоха.

3.3 Английский кинематограф Английский кинематограф в послевоенный период можно разделить на два направления: классическое кино и кино абсурда.

К классическому английскому кино относятся фильмы на исторические темы и различная экранизация классики. Величайшими режиссерами в этом направлении были Александр Корда и Дэвид Лин.

Сэр Александр Корда — британский кинорежиссёр и продюсер венгерского происхождения. В 1942 году Корда стал первым кинорежиссёром, возведённым в рыцарство Британской империи.

Созданная им компания «Лондон филмз» стала одним из главных производителей английских фильмов. Восьмой ее фильм «Частная жизнь Генриха VIII» (1933), снятый самим Кордой, благодаря бытовому, сниженному юмору, а также благодаря живому исполнению главной роли Ч. Лтоном имел большой успех и стал вехой в истории английского кино, предопределив развитие целого направления в «костюмном» историческом фильме.

Из последующих режиссерских работ Корды в жанре «частной жизни» из исторических персонажей критикой был высоко оценен «Рембрандт» (Rembrandt, 1936), а публикой — «Леди Гамильтон» (That Hamilton Woman/Lady Hamilton, 1941). Поскольку переплетение патриотических мотивов с темой трагической утраты, к тому же лишающей героиню социального статуса, сделало эту мелодраму особенно соответствующей настроениям военных лет.

После войны доминирующее положение компании Корды стало ослабевать, однако среди 45 фильмов, созданных при ее участии, было немало первоклассных работ. Тонкий знаток кино, Корда умел разглядеть и поощрить талант. Он очень много сделал для целого ряда актеров и режиссеров, в частности, для Л. Оливье и К. Рида.

К кино абсурда в первую очередь относится, конечно же, Альфред Хичкок.

В 1899 году, 13 августа родился Альфред Хичкок. С 1920 года работал на киностудии. Первоначально в его задачи входило рисование карточек с именами актёров для титров, затем он стал сочинять сценарии и ассистировать режиссёрам. В 1926 г. он снял первый триллер, «Жилец». Ему принадлежит первый британский звуковой фильм, имевший успех в прокате, — «Шантаж» (1929).

С началом Второй мировой войны производство фильмов в Великобритании прекратилось, и Хичкок уехал в Голливуд (1939). Он стал работать на звёздного продюсера Дэвида Селзника, который часто вмешивался в творческий процесс, но в то же время обеспечивал финансирование и хорошую прессу. Благодаря его связям первый же американский фильм Хичкока, «Ребекка», выиграл «Оскар» как лучший фильм года.

В 1940;е годы Хичкок снимал примерно по фильму в год, а с 1948 г. сам же их и продюсировал. Его любимыми актёрами были Кэри Грант, Джимми Стюарт, Грейс Келли.

Пика своей карьеры Хичкок достиг в 1950;е годы с крупнобюджетными проектами — иногда чисто комедийными («Неприятности с Гарри», «Поймать вора»), иногда предвещающими эстетику «бондианы» («К северу через северо-запад»). Начиная с 1950 года, режиссёр активно работал на телевидении (сериал «Альфред Хичкок представляет»).

После фильмов «Окно во двор» (1954) и «Головокружение» (1959), которые своими нестандартными повествовательными решениями и глубоким психологизмом оказали влияние на европейский арт-хаус, режиссёр стал применять ещё более экспериментальные, даже шокирующие приёмы.

Нашумевшие картины «Психо» (1960) и «Птицы» (1963) стоят в творчестве Хичкока особняком; иногда их определяют как фильмы ужасов.

Начиная с фильма «Марни» (1964) работы Хичкока принимались публикой и критиками весьма сдержанно. Несмотря на критическое отношение к коммерческому голливудскому кино, Хичкока боготворили критики французской «новой волны». Франсуа Трюффо не только заметил авторский взгляд за оболочкой развлекательного кино, он снял несколько фильмов в подражание Хичкоку и опубликовал книгу интервью со своим кумиром.

Сильным влиянием Хичкока отмечены также фильмы Шаброля и Брайана Де Пальмы.

3.4 Кинофестивали и кинопремии Со времени появления самого кинематографа вставал вопрос о качественной оценке фильмов и работы отдельных членов съёмочной группы. Один из объективных показателей успеха кинофильма — это кассовый сбор с проката. Когда зрители голосуют покупкой билетов — это безусловная оценка качества фильма. Но считать этот показатель единственно верным было бы ошибкой. Ведь все фильмы изначально находятся в разных условиях: одни широко разрекламированы и анонсированы, для других даже не изготовляется качественных афиш; одни фильмы блещут именами звёзд с афиши — другие делаются начинающими кинематографистами, которым не по карману приглашение звезды. Есть ещё целый ряд психологических факторов, которые влияют на финансовые показатели фильма.

Кроме того, условия проката во всех странах разные, поэтому сопоставить сбор фильма в разных странах бывает трудно. Очевидно, что и национальные и культурные особенности могут влиять на популярность фильма. А помимо всего, сбор с проката может оценить лишь успех фильма в целом, но не вклад отдельных членов съёмочной группы. Кинопремии в отличие от кинофестивалей, не сопровождаются публичными показами фильмов-номинантов, но их задачи те же. Конечно, никакой кинофестиваль не может претендовать на объективность оценок, оценки фильмов на кинофестивалях сугубо субъективны.

Премия «Оскар»

" Оскар" — премия Американской академии киноискусства — это несомненно самая известная и популярная в мире кинематографическая награда. Первое вручение премии «Оскар» состоялось в 1929 году. Ныне церемония вручения «Оскаров» транслируется в десятках стран мира в прямом эфире. Марки одежды, надетой звёздами на церемонию, мгновенно становятся очень престижными. В отличие от большинства кинофестивалей, «Оскары» вручаются по результатам всеобщего голосования членов Академии, а не по выбору жюри. Такая демократичность принесла этой кинопремии заслуженную популярность, хотя и лишила некоторой элитарности.

Каннский кинофестиваль Каннский кинофестиваль считается лидером в европейском кино. Там можно увидеть самые современные тенденции европейского кинематографа, оценить моду и перспективы развития киноискусства в целом. С более утончённым вкусом, нежели пафосный и зачастую примитивный «Оскар», но в то же время не лишённый снобизма, Каннский фестиваль воспринимается многими как золотая середина между популярным кино и высоким киноискусством. Действительно, фильмы-призёры этого кинофестиваля зачастую не лишены ни любви простых зрителей, ни почтения со стороны кинокритиков и интеллектуалов.

Венецианский кинофестиваль Венецианский кинофестиваль — это старейший киносмотр планеты, впервые проведённый в 1932 году по личной инициативе тогдашнего диктатора Италии Бенито Муссолини. Считается «отдушиной» для всех ненавистников Голливуда. Традиционные американские кинематографисты не являются там желанными гостями. Кинокритики иронично замечали, что хэппи-энд воспринимается в Венеции как богохульство.

Берлинский кинофестиваль Берлинский кинофестиваль (иногда ещё говорят Берлинамле) ориентируется в основном на фильмы «авторского кино» .

Премия «Золотой глобус»

Американская премия «Золотой глобус» стремится предлагать независимый взгляд на голливудский кинематограф. Церемония награждения проходит в Лос-Анджелесе, США.

В этот период, кинематограф стал неотъемлемой частью жизни общества. В 1953 году началась эра широкоэкранного формата, съемки с декорациями и обратная проекция (съемка актеров на уже отснятом фоне) уступили место натурным съемкам, а позднее появился и стереофонический звук. В результате родилась целая серия «блокбастеров» (по названию авиабомбы большого калибра) — длинных, дорогих зрелищ. В 1950;е годы такие признанные звезды, как Кэри Грант и Джеймс Стюарт, еще больше упрочили свое положение. Появились и новые, среди них — Марлон Брандо, Джеймс Дин и Мэрилин Монро.

А в Европе в своих лучших проявлениях кино демонстрировало глубокую художественность и серьезность.

Глава 4. Отечественный кинематограф

4.1 Возникновение первых фильмов в России Первые фильмы братьев Люмьер были показаны в Петербурге, Москве, на ярмарке в Нижнем Новгороде, а затем и в других российских городах через несколько месяцев после Парижа; первые киносъемки произведены еще через несколько недель. Начать собственное кинопроизводство мешало отставание техники — кинои электроаппаратуры. Но был налажен импорт, и постоянный выпуск документальных и игровых картин русские предприниматели начали в 1907—1909 годах, причем сразу же достигли внушительных результатов: первый фильм оператора А. Дранкова «Понизовая вольница» («Стенька Разин») обошел всю страну со специально сочиненной М. Ипполитовым-Ивановым музыкой, записанной на граммофонную пластинку. Тот же Дранков снимал Л. Н. Толстого в Ясной Поляне и даже договаривался с великим писателем о написании киносценария. Толстой обещанного сценария не написал, но вскоре в кинематограф пришли Л. Андреев, А. Куприн, В. Брюсов, А. Амфитеатров, Е. Чириков и другие писатели. А кинематографисты буквально набросились на русскую классическую литературу: можно с уверенностью сказать, что все известные романы, песни, рассказы, стихотворения и даже романсы были экранизированы.

В начале это были наивные коротенькие сценки, рассчитанные на узнавание зрителем литературных героев. Так персонажи «Мертвых душ» с поклонами группировались вокруг бюста Гоголя, фабула «Идиота» была втиснута в 15-минутную картину, а «Псковитянка» (с участием самого Шаляпина) — в несколько слабо связанных эпизодов. Но уже к 1914—1915 годам появились вдумчиво построенные и выразительно оформленные и сыгранные «Дворянское гнездо», «Бесы», «Война и мир». Лучшим дореволюционным фильмом можно считать «Пиковую даму» режиссера Я. Протазанова с артистом И. Мозжухиным в роли Германа. Международное внимание заслужили большие исторические полотна: «Оборона Севастополя» А. Ханжонкова, снятая на подлинных местах сражений, удачно сочетала игровые сцены с документальными.

Русское кино с каждым годом увеличивало количество выпускаемых фильмов и довело его до 500 в 1916 году, тем самым став в один ряд с ведущими кинематографическими державами. Основную роль в завоевании мирового авторитета играли, конечно, художественные достоинства фильмов.

Все большую популярность приобретали актеры. Подлинными звездами стали Иван Мозжухин, Вера Холодная и первый русский продюсер А. Ханжонков.

4.2 Развитие Отечественного кинематографа Становление российского кино происходило тяжело и долго, так как оно родилось уже при развитом кино в других странах: Америке, Франции, Германии, Дании, Италии и др. Выпуск первых фильмов, несмотря на крайнюю примитивность «экранизации», достиг сразу внушительных результатов, особенно к началу первой мировой войны. Россия гордилась своим кинематографом, доказывала свою возможность быть на уровне мирового кино. Всегда российское кино было связано со всеми историческими процессами, происходящими в стране и в мире вообще. Кинематограф России всегда шел от позиции добра, как и вся русская культура, поэтому кино в России всегда было любимым видом искусства нашего народа.

Русский народ всегда воспитывался на добрых сказках, былинах, в которых побеждали добрые герои. Эта мысль была подхвачена и естественным путем как наследство передано российскому кинематографу. Огромную роль оказывает кино на воспитание, становление личности человека. Многие фильмы, такие как: «Чапаев», «Броненосец Потемкин», «Подвиг разведчика», «Живые и мертвые», «Пираты XX века» и др. стали в прямом смысле учителями, проводниками жизни нашего народа.

Заключение

В течение XX века кинематограф из технической новинки и ярмарочного развлечения превратился в часть повседневной жизни миллиардов людей, в новое искусство, масштабное зрелище, явление культуры и, наконец, в музейное достояние. О сохранении кинолент в последние годы заговорили на равных правах с архитектурными памятниками, произведениями изобразительного искусства, а то и окружающей среды. В музеефикации есть свои плюсы и минусы. Плюс — уважение и внимание общества в целом, минус — угроза исчезновения из реальной художественной жизни. Музей создается тогда, когда его экспонаты безболезненно изымаются из всей прочей реальности, где им за ненадобностью угрожает гибель. Искусствоведы представляют кино XX века и как достояние истории (в первую очередь в справочно-информационных материалах), и как живо, непрерывно развивающееся явление культуры. Разнородность и разножанровость критики действительно отражает специфику кино в культуре XX века.

Кино усердно пропагандировало гуманистические сверхценности (в особенности этические), однако, именно кино наделено такими средствами, которые по своему воздействию на массы зрителей приближаются к магии или религиозному экстазу. Эффект присутствия, правдоподобия и всесилия «божественного ока», которое как бы умеет увидеть все, заглянуть куда угодно и даже сделать реальными сказочные и фантастические вещи, с самого начала был и всегда должен быть амбивалентным орудием.

1. Г. Богемский «Судьбы неореализма» — М.: Искусство, 1989 г, — с.6−7

2. Материалы сайта http://www.k1no.ru/istoriya-kino.htm

3. Ж. Садуль, Всеобщая история кино т. I, -М.: Искусство, 1958 г, с. 170−172

4. Материалы сайта http://scit.boom.ru/music/kino/Velikui_nemoi3.htm

5. Е. Теплиц. Том 4. История киноискусства М.: Прогресс, 1974 г, с.205

6. Материалы сайта http://ru.wikipedia.org/wiki/Кинематограф

7. Материалы сайта http://charlie-chaplin.narod.ru/

8. Материалы сайта http://www.belpaese2000.narod.ru/Cinema/cinesto1.htm

9. Материалы сайта http://ru.wikipedia.org/wiki/Кинематограф_США

10. Материалы сайта http://www.rudata.ru/wiki/Фильм

11. Материалы сайта http://bg-znanie.ru/article.php?nid=7265

12. Материалы сайта http://londonmania.ru/?issue_id=215&id=437