Помощь в написании студенческих работ
Антистрессовый сервис

Вклад Клода Моне в импрессионизм

РефератПомощь в написанииУзнать стоимостьмоей работы

Вклад Клода Моне в историю импрессионизма импрессионизм клод моне Французский живописец родился в 1840 году. Моне называли «Рафаэлем воды» и «первооткрывателем цвета». С его именем связывают и эффект «запечатленного мгновения», ибо он приложил много усилий для воплощения в живописи мимолетных состояний природы. Позднее имя Моне неразрывно связывали с изучением изобразительных возможностей света… Читать ещё >

Вклад Клода Моне в импрессионизм (реферат, курсовая, диплом, контрольная)

Введение

Импрессионизм — одно из ярчайших и важнейших явлений в Европейском искусстве, во многом определившее всё развитие современного искусства. В настоящее время работы не признаваемых в своё время импрессионистов ценятся очень высоко и их художественные достоинства неоспоримы.

Импрессионизм был своего рода революцией в искусстве, изменившей представление о произведениях искусства как о целостных, монументальных вещах. Он вывел на первое место индивидуальность творца, его собственное видение мира, отодвинул на задний план политические и религиозные сюжеты, академические законы. Интересно, что эмоции и впечатление, а не сюжет и мораль играли главную роль в произведениях импрессионистов.

Представители его стремились передать непосредственное впечатление от окружающего мира, изменчивые состояния природы живописными средствами. Импрессионизм зародился в 1860-х годах во Франции, когда Э. Мане, О. Ренуар, Э. Дега внесли в живопись многообразие и сложность городского быта, свежесть и непосредственность восприятия мира. Для их произведений характерны изображение случайных ситуаций, смелость композиционных решений, кажущаяся неуравновешенность, фрагментарность композиции, неожиданные точки зрения, ракурсы, срезы фигур рамой.

Наиболее типичной для импрессионистов темой является пейзаж, однако они в своём творчестве затрагивали и многие другие темы. Клоду Моне особенно удавались городские пейзажи, Дега, например, изображал скачки, балерин и прачек, а Ренуар — очаровательных женщин и детей. В импрессионистических пейзажах, создаваемых на открытом воздухе, простой, будничный мотив часто преображается всепроникающим подвижным светом, вносящим в картину ощущение праздничности. Импрессионисты впервые создали многогранную картину повседневной жизни современного города, запечатлели своеобразие его пейзажа и облик населяющих его людей, их быта, труда и развлечений.

Творчество импрессионистов — это легкость письма, естественность и необычайный, даже в какой-то степени, магический колорит. Эти люди смело и мужественно вносили новшества в живопись, находя впоследствии свой неповторимый стиль. Их произведения на первый взгляд кажутся простыми, но если внимательно и проникновенно всматриваться в них, то можно увидеть, что на самом деле хотел сказать автор. Они смогли показать на своих полотнах все мимолетные явления природы, как никто другой. Все проникнуто светом, воздухом и душевной теплотой. Произведения импрессионистов оставили яркий след в моем сознании, они способствовали более чувственному восприятию мной окружающего мира.

Основным представителем этого стиля являлся Клод Моне, о которым будем говорить в этой работе. Поговорим немного о его жизненном и творческом пути, о его работах. Творчество Клода Моне внесло большой вклад в этом направлении искусства.

Актуальность выбранной темы объясняется необходимостью для каждого современного человека разбираться в стилях искусства, а именно в импрессионизме, а также знать основные вехи его развития.

Цель данной работы — проанализировать различные аспекты импрессионизма и рассмотреть творческий путь Клода Моне.

Для достижения поставленной цели необходимо решить следующие задачи:

— изучить материалы и факты касательно истории импрессионизма;

— проанализировать технику импрессионизма;

— изучить виды импрессионизма;

— рассмотреть творческий путь и вклад Клода Моне в импрессионизм.

Историю импрессионизма изучали: Мюсен И. [7], А Костеневич [4], Д. Столяров. Технику и виды импрессионизма исследовали: И. Мосне [6], А. Костеневич [4], Д. Столяров. Творческий путь Клода Моне анализировали: Баррас Я. [2], В. Кулаков [5], Ивон Тайанде [10], Д. Самин.

1. Импрессионизм как направление в искусстве

1.1 История импрессионизма Важным явлением европейской культуры второй половины 19 в. был художественный стиль импрессионизм, получивший распространение не только в живописи, но в музыке и художественной литературе. И все-таки возник он в живописи. Импрессионизм (франц. impressionism, от impression — впечатление), направление в искусстве последней трети 19 — начала 20 века. Сложилось во французской живописи конца 1860 — начала 1870-х гг.

Признаки импрессионистического стиля — отсутствие четко заданной формы и стремление передать предмет в отрывочных, мгновенно фиксирующих каждое впечатление штрихах, обнаруживавших, однако, при обзоре целого свое скрытое единство и связь. В качестве особого стиля импрессионизм с его принципом ценности «первого впечатления» давал возможность вести повествование через такие, как бы схваченные наугад детали, которые по видимости нарушали строгую согласованность повествовательного плана и принцип отбора существенного, но своей «боковой правдой» сообщали рассказу необычайную яркость и свежесть.

Во временных искусствах действие разворачивается во времени. Живопись как бы способна запечатлеть лишь один-единственный момент времени. В отличие от кино у нее всегда один «кадр». Как же в нем передать движение? Одной из таких попыток запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости была попытка создателей направления в живописи, получившего название импрессионизм (от франц. впечатление). Это направление объединило различных художников, каждого из которых можно охарактеризовать следующим образом. Импрессионист — это художник, который передает свое непосредственное впечатление от природы, видит в ней красоту изменчивости и непостоянства, воссоздает зрительное ощущение яркого солнечного света, игры цветных теней, пользуясь палитрой из чистых несмешанных красок, с которой изгнаны черное и серое. Струится солнечный свет, от влажной земли поднимаются испарения. Вода, тающий снег, вспаханная земля, колышущаяся трава на лугах не имеют четких, застывших очертаний. Движение, которое раньше вводилось в пейзаж как изображение перемещающихся фигур, как следствие действия природных сил — ветра, гонящего облака, колышущего деревья, теперь сменяется покоем. Но этот покой неживой материи — одна из форм ее движения, которая передается самой фактурой живописи — динамичными мазками разных цветов, не скованными жесткими линиями рисунка.

В начале 70-х гг. XIX века во Франции начала работать группа молодых художников. Впервые в истории искусства они начали заниматься пленэрной живописью, то есть стремились к передаче естественного освещения и воздушной среды, реальных оттенков цвета, непосредственно наблюдаемых в природе. Они писали под открытым небом: на берегу реки, в поле или лесу, а не в мастерской, как это делалось раньше.

Импрессионистами их стали называть после выставки в Париже от названия картины Моне «Впечатление. Восход солнца» с французкого Impressionвпечатление). Это слово подходило к их работам, потому что в них художники передавали своё непосредственное впечатление от увиденного. Импрессионисты по-новому показывали мир в своих картинах. Главным для них стали трепетный свет, воздух, в который как бы погружены фигуры людей и предметы. Ветер, влажная после дождя, нагретая солнцем земля — всё обретало на их холстах вторую, не менее реалистичную жизнь. Художникам удавалось разглядеть и показать удивительное богатство цвета в природе. Импрессионизм был последним крупным художественным движением во Франции 19 века.

Жизненный путь художников-импрессионистов был не лёгок. Сначала их не признавали, их живопись казалась слишком смелой и необычной, над ними смеялись. Никто не хотел покупать их картин. Но они упорно шли своим путём. Ни бедность, ни голод не могли заставить их отказаться от своих убеждений. Искусство импрессионистов было признано лишь спустя много лет, когда некоторых из них уже не было в живых.

Таким образом, у истории импрессионизма очень сложный и долгий путь, так как творчество импрессионистов не понимали и не принимали. Импрессионизм — это новое движение в искусстве.

А.Бенуа писал в своих размышлениях об импрессионизме: «Импрессионизм — это не живопись, это открытие». Он подчеркивал, что их метод — это не временное течение, а вечная основа искусства".

1.2 Техника и виды импрессионизма

Новое течение отличалось от академической живописи как в техническом, так и в идейном плане. В первую очередь импрессионисты отказались от контура, заменив его мелкими раздельными и контрастными мазками, которые они накладывали в соответствии с теориями цвета Шеврёля, Гельмгольца и Руда. Солнечный луч расщепляется на составляющие: фиолетовый, синий, голубой, зелёный, жёлтый, оранжевый, красный, но поскольку синий — разновидность голубого, то их число сводится к шести. Две положенные рядом краски усиливают друг друга и, наоборот, при смешении они утрачивают интенсивность. К тому же все цвета разделены на первичные, или основные и сдвоенные, или производные, при этом каждая сдвоенная краска является дополнительной по соотношению к первой:

— Голубой — Оранжевый.

— Красный — Зелёный.

— Жёлтый — Фиолетовый.

Таким образом, стало возможным не смешивать краски на палитре и получать нужный цвет путём правильного наложения их на холст. Это же в последствии стало поводом отказа от чёрного. Затем импрессионисты перестают концентрировать всю работу над полотнами в мастерских, теперь они предпочитают пленэр, где удобней схватить мимолётное впечатление от увиденного, что стало возможным благодаря изобретению стальных туб для краски, которые в отличие от кожаных мешочков можно было закрыть, чтобы краска не высыхала.

Также художники использовали укрывистые краски, которые плохо пропускают свет и непригодны для смешивания поскольку быстро сереют, это позволило им создавать картины не с «внутренним», а «внешним» светом, отражающимся от поверхности.

Технические отличия способствовали достижению иных целей, прежде всего импрессионисты пытались уловить мимолётное впечатление, мельчайшие изменения в каждом предмете в зависимости от освещения и времени суток, наивысшим воплощением стали циклы картин Моне «Стога сена», «Руанский собор» и «Парламент Лондона».

В целом в стиле импрессионизма работало множество мастеров, но основной движения были Эдуар Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Фредерик Базиль и Берта Моризо. Однако Мане всегда называл себя «независимым художником» и никогда не участвовал в выставках.

Импрессионизм стал ответом на застой властвовавшего в те годы в искусстве академизма, стремлением освободить живопись из того безвыходного положения, в которое она угодила по вине художников Салона. О том, что современное искусство находится в упадке, твердили многие прогрессивно настроенные люди: Эжен Делакруа, Густав Курбе, Шарль Бодлер. Импрессионизм явился для «страдающего организма» своего рода шоковой терапией.

Осуществив переворот во взглядах современников, расширив его мировоззрение, импрессионисты тем самым подготовили почву для последующего становления искусства и возникновения новых эстетических устремлений и представлений, новых форм, которые не заставили себя долго ждать. Возникшие из импрессионизма, неоимпрессионизм, постимпрессионизм, фовизм, впоследствии также стимулировали формирование и становление новых эстетических тенденций и направленностей.

Импрессионизм как направление в живописи включает в себя несколько характеристик техники рисования: видимые мазки кистью, открытость композиции, упор на световые приемы передачи форм, изображение рядовых предметов, иллюзию движения как важный элемент человеческого восприятия и необычные углы обзора всей композиции. Иногда под импрессионизмом понимают предметы искусства, созданные в этом стиле, но уже после 19 века. И все же стоит отличать импрессионизм как направление в искусстве, которое на данный момент является законченным, и стиль импрессионизма, продолжающий использоваться в работах современных авторов.

В понятие импрессионистской техники необходимо включить следующие приемы:

— Короткие, толстые мазки краской используются, чтобы достичь скорее эффекта присутствия предмета изображения, а не прорисовки деталей.

— Цвета располагаются рядом друг с другом, минимально смешиваясь, чтоб создать эффект вибрации, воздуха, также как это происходит в глазах наблюдателя.

— Избегается использование черного цвета. Серые и темные тона создаются путем смешивания других красок.

— Свежие краски накладываются друг на друга, без ожидания подсушки предыдущих слоев.

— Игра естественного света усиливается. Большое внимание уделяется отражению одного объекта другим.

Конечно, на протяжении истории мирового искусства, художники уже использовали эти техники, но только импрессионисты впервые объединили их, чтобы создать совершенно новое направление в искусстве. Как предшественников можно назвать таких художников: Диего Веласкес, Эль Греко, Юджин Делакруа, Теодор Руссо и т. д.

Таким образом, импрессионизм — это достигшее невиданной утонченности искусство наблюдения реальной действительности, в которой каждый миг уникален. Импрессионисты неизмеримо расширили возможности изобразительного искусства, открыв мир солнца, света и воздуха, но также красоту лондонских туманов, беспокойную атмосферу жизни большого города, россыпь его ночных огней и ритм непрестанного движения.

2. Вклад Клода Моне в историю импрессионизма импрессионизм клод моне Французский живописец родился в 1840 году. Моне называли «Рафаэлем воды» и «первооткрывателем цвета». С его именем связывают и эффект «запечатленного мгновения», ибо он приложил много усилий для воплощения в живописи мимолетных состояний природы. Позднее имя Моне неразрывно связывали с изучением изобразительных возможностей света. Кроме того, Моне можно считать предшественником неоимпрессионизма — движения, непосредственно следовавшего за импрессионизмом, — а также предтечей набидов, фовистов, кубистов, абстракционистов, ташистов и представителей так называемой каллиграфической живописи. У Моне мы находим первые признаки интереса к произведениям искусства и философским учениям Востока, столь популярным среди нынешних художников. В произведениях Моне можно видеть уже отдельные аспекты современного отношения к пространству, а также некоторые композиционные принципы и даже технические приемы новейшего искусства среди импрессионистов Моне, правда, не был старшим: он на 10 лет моложе Писсаро, родившегося в 1830 году на Антильских островах. Из восьми выставок Моне не принимал участие в пятой, шестой и последней. Моне всегда оставался опорой, стойким защитником группы.

Моне был максималистом: он воплощал принцип мимолетного мгновения импрессионическую манеру письма последовательнее, чем все остальные приверженцы. В некоторых полотнах он зашел так далеко, что невозможно определить их сюжет.

С именем Клода Моне нередко связывают такие достижения этого живописного метода, как передачу неуловимых переходных состояний освещения, вибрацию света и воздуха, их взаимосвязь в процессе непрестанных изменений и превращений. Он работал главным образом в области пейзажа.

Клод Моне и близкие к нему художники — Огюст Ренуар, Камиль Писарро и Альфред Сислей — обратили внимание на то, что один и тот же природный пейзаж представляется совсем иным в солнечный или облачный день, при утреннем или вечернем свете. Заметив также, что тени от предметов вовсе не черные, а имеют определённую окраску, они изгнали черный цвет со своей палитры. Клод Моне в общей сложности написал около 200 картин, среди которых — «Завтрак на траве», «Сирень на солнце», «Бульвар Капуцинов», и др.

Одним из первых Клод Моне начинает создавать серии картин, в которых один и тот же мотив повторяется в разное время года и суток, при разном освещении и состоянии погоды (возможно, в этом следует видеть воздействие японской гравюры на дереве, где этот принцип играл ведущую роль). Так появляются его знаменитые серии, посвященные вокзалу Сен-Лазар, полям цветущих маков, Руанскому собору, лондонским мостам и др. Беглыми как будто небрежными мазками Моне писал колышущееся от ветерка поле и полную движения улицу Парижа. Он превосходно умел передать на полотне и знойное марево летнего дня, и влажный снег мягкой французской зимы.

Ранние работы Моне вполне традиционны, их живопись свидетельствует о связи с искусством Курбе и барбизонцев. В них еще присутствуют человеческие фигуры, которые в дальнейшем все более превращаются в стаффаж и постепенно исчезают из его картин. В 1870-х годах окончательно складывается импрессионистическая манера художника, отныне всецело посвятившего себя пейзажу. С этого времени он работает почти исключительно на пленэре. Именно в его творчестве окончательно утверждается тип большой картины-этюда.

Не все они равноценны, но лучшие полотна этих серий поражают свежестью красок, интенсивностью цвета и артистизмом передачи эффектов освещения.

15 апреля 1874 г. в Париже на бульваре Капуцинов состоялась выставка 30 молодых художников, картины которых были отвергнуты официальным жюри Салона. Центральным произведением этой выставки явилась картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца». Эта картина Клода Моне, написанная в1872 году с натуры в старом аванпорте Гавра и давшая название художественному направлению «импрессионизм».

Этот великолепный этюд запечатлел момент превращения ночи в день: всего несколькими мазками ярко-оранжевого цвета художник сумел передать свет, дрожащий на воде. «Впечатление. Восход солнца» — именно эта картина дала название движению импрессионистов.

Полотно впервые экспонировалось на выставке 1874 года в бывшей мастерской фотографа Надара. С лёгкой руки журналиста Л. Леруа название произведения стало именем направления, представители которого принимали участие в этой выставке. В своей статье «Выставка импрессионистов» (1874, газета Le Charivari) Леруа пишет: «Обои, и те смотрелись бы более законченно, чем это „Впечатление“!».

Холст выставлен в парижском музее Мармоттан. В 1985 году картина была украдена из музея вместе с другими работами Моне, а также Ренуара и Моризо. Полотно было обнаружено лишь пять лет спустя. С 1991 года картина вновь заняла своё место в экспозиции.

Один из досужих репортеров, которых было великое множество на этой скандальной выставке, Луи Леруа, сотрудник «Шаривари», презрительно назвал Моне и его товарищей «импрессионистами». Впоследствии это ироничное имя закрепилось за художниками и очень быстро потеряло свой первоначальный отрицательный смысл.

Несмотря на то, что выставка молодых художников вызвала бурную общественную реакцию, нельзя считать, что именно 1874 г. является годом рождения данного направления в живописи. Сложилось и оформилось оно раньше — примерно за 6−7 лет до указанных событий, поэтому крещение можно считать несколько запоздавшим.

Причины, которые заставили художников объединиться и выставить свои картины вопреки официальному мнению жюри, были просты. С одной стороны, выставка явилась своеобразным манифестом, провозглашающим существование нового молодого направления, которое заявило о себе в полный голос. С другой стороны, она привлекала знатоков и ценителей, которые могли стать потенциальными покупателями. Ведь до этого гарантией значимости картины было участие ее автора в официальном Салоне.

Поэтому К. Моне взял на себя труд по организации коллективной выставки в надежде, что отвергнутые поодиночке, собравшись вместе, художники смогут привлечь внимание к своему творчеству и своим проблемам.

Большинство с энтузиазмом и с полным пониманием значения происходящего откликнулось на призыв Моне: О. Ренуар, А. Сислей, К. Писсарро, П. Сезанн, Э. Дега, Б. Моризо, А.Гийомен. Художники старшего поколения — Э. Буден, Ш. Добиньи, И. Ионкинд — решили поддержать молодежь. И только Э. Мане, признанный всеми мэтр, отказался принять участие в выставке: он признавал только мнение официального жюри Салона и боялся навлечь на себя его гнев.

В поздний период творчества в живописи Моне усиливаются тенденции декоративизма и плоскостности. Яркость и чистота красок превращаются в свою противоположность, появляется какая-то белесость. Говоря о злоупотреблении поздних импрессионистов «светлым тоном, превращающим некоторые произведения в обесцвеченное полотно», Эмиль Золя писал: «И вот сегодня нет ничего, кроме пленэра… В Салоне остались только пятна: портрет только пятно, фигуры только пятна, одни только пятна» .

Другие художники-импрессионисты тоже были в своём большинстве пейзажистами. Их творчество часто незаслуженно оставалось в тени рядом с действительно колоритной и впечатляющей фигурой Клода Моне, хотя они не уступали ему в зоркости видения природы и в живописном мастерстве.

С 1892 по 1894 гг. Клод Моне много раз воплощал мотив «Руанский собор» в разное время суток и года. В культурологи считается, что этой серией картин и завершился весь период импрессионизма.

Моне очень много путешествовал. Он ездил в Норвегию, Венецию, Антиб, Швейцарию, Голландию, Англию. Очень часто ездил на своём личном автомобиле как в загородные поездки, так и в другие города и даже страны. Такое изобилие мест, в которых Моне пришлось побывать за свою жизнь, нашло отражение и в его творчестве. Было написано много картин.

«Пиния в Антибе» 1888 г. Мелкие мазки сливаются, образуя широкое пейзажное пространство. Сосна поставлена точно в том месте, где сводится воедино вся композиция — горизонтальные полосы неба, город, вода, поросли кустарника.

«Мост Ватерлоо» 1902 г. Её Моне написал из окна своего номера. Этот пейзаж имел и второе название: «Облачная погода». Картина «Мост Ватерлоо. Эффект тумана» по настоящему необычна и неповторима. Рассматривая полотно на привычном нам довольно близком расстоянии, мы увидим лишь частые мазки. Однако, постепенно отодвигаясь все дальше и дальше начинаешь чувствовать магию этой картины. Вначале из глубины масляных мазков будто проступают основания моста, потом появляются очертания лодок. .

А на расстоянии двух метров взору представится вся единая композиция.

Картина Моне «Мост Ватерлоо. Эффект тумана» считается одной из лучших работ, посвященной Англии. Удивительно, как точно картина передает очень мягкую, будто волшебную, воздушную атмосферу Лондона. Такой легкий и в тоже время плотный объём, который неосязаемы, был достигнут при помощи огромного количества переходных тонов, чьи оттенки не различаемы и выполнены с таким высоким мастерством, что мы не увидим ничего кроме масляного полотна, пока не отойдем от картины по дальше. И тогда предстает очень нежный, едва уловимый, едва проступающий из тумана арочный мост Ватерлоо.

Интересно, что каждый элемент картины довольно четко отличим от фона, благодаря резким тональным переходам от предметов к фону. Кроме того, само движение в картине Моне довольно реалистично. На первом плане изображена Темза, выполненная в более светлых оттенках и частыми средними мазками направленными от середины полотна слева направо, что создает эффект течения воды. Более светлой динамичной реке противостоит более тёмное небо, выполненное хаотичными мазками, что придает ему статику.

Интересно, что когда человек оказывается в тумане, чтобы увидеть очертания предмета и понять что это такое надо подойти практически вплотную. Однако, картина Моне работает совсем по другому, что привлекает и зачаровывает зрителей. Магия, которой обладает картина Моне «Мост Ватерлоо. Эффект тумана» заключается не только в художественном таланте, и богатой палитрой оттенков, но и в психологическом воздействии на зрителя.

Действильно, картины Моне имели огромный успех. Критики встретили картины Моне с восторгом. Роже Маркс восхвалял «остроту видения, абсолютную искренность и композиционную силу» Моне. А Гюстав Жефруа впал в совсем уж лирическое настроение: «На этих зыбких поверхностях, как в зеркале, отражаются изменения окружающей среды, колебания атмосферных условий, резкие дуновения ветерка, случайные вспышки света. Равномерно движутся вокруг них, как вокруг оси, свет и тень, солнце и темнота; они отражают последнее тепло последних лучей; они окутываются туманом, они пребывают в полной гармонии с пространством, с землей и с небом». Когда о стогах Моне написал статью Октав Мирбо, тираж газеты, поместившей ее, поднялся до 20 000 и пришлось его допечатывать. Но успех Моне говорил и о другом. Он говорил о победе импрессионизма; ведь Моне сохранил верность его первоначальным принципам и, не меняя своей техники (не в пример Писсарро), расширил его выразительные возможности, открыв его для новых идей. В конце концов даже пассивная бюрократия от культуры дрогнула. В 1878 году город По купил полотно Дега. В 1889 — 1890-м Моне с необыкновенной энергией и рвением, при поддержке Сарджента, организовал подписку для выкупа картины Мане «Олимпия» в национальное пользование; он добился, чтобы в текст акта передачи были включены условия, что картина навечно останется в Париже: сначала в Люксембургском музее, а затем, по истечении определенного срока после смерти автора, — в Лувре. То есть картину не отправляли в какой-нибудь провинциальный музей, как по обыкновению отправляли многие произведения, не понравившиеся истэблишменту. А еще через два года государство купило картину Ренуара «Девушки за фортепьяно». Затем, 11 марта 1894 года, Ренуар сам обратился к директору по делам изящных искусств Анри Ружону с письмом, в котором информировал того, что недавно умерший Гюстав Кайботт завещал нации свою коллекцию из 76 полотен Мане, Моне, Ренуара, Дега, Сислея и Сезанна, «на условиях, что эти картины не будут отправлены ни на чердак, ни в провинциальный музей, а будут храниться сначала в Люксембургском музее, а затем в Лувре», чего они и заслуживают своим качеством. Поначалу власти выразили согласие, но потом началась волокита относительно всевозможных гарантий, и только через два года они в конце концов согласились взять 40 из 65 полотен, переданных первоначально: восемь работ Моне, по семь Дега и Писсарро, по шесть Ренуара и Сислея, по две Мане и Сезанна, а также две картины Милле. В 1896 году все картины были вывешены в Люксембургском музее. В 1907;м, когда Клемансо стал премьер-министром, «Олимпия» Мане была переведена в Лувр, и государство купило одну картину из новой серии видов Руанского собора, написанных Моне с 1892 по 1894 год.

Моне пережил всех известных импрессионистов. В 1869 году в Понтуазе под Версалем, на клочке земли, названном Лягушатником, впервые были созданы произведения, заслуживающие впоследствии определение импрессионических. Возле Лягушатника работали Ренуар и Моне, именно там их картины приобрели характерные для импрессионизма черты: свободные, раздельные мазки, чистые, несмешанные краски, акцентирование рефлексов. Моне постоянно получал творческий импульс в своих нескончаемых дискуссиях с друзьями.

Часто Клод Моне ещё ребенком наблюдал в Гавре волшебную игру воды. Родившись в Париже, Моне провел детство и юность в Гавре, на берегу моря, о котором позднее сказал: «Мое желание — всегда быть рядом с ним или на его волнах. А когда я умру, то хотел бы, чтобы меня похоронили на бакене». Живописец моря и неба. Эжен Буден понял, что Моне обладает даром художника. Под влиянием Будена Моне отказался от карикатур, которые принесли бы ему быстрый успех, чтобы посвятить себя живописи. Технической стороне искусства его обучил Буден. Он вдохновил Моне на осмысление зыбкости и изменчивости окружающего мира.

Моне искал воду повсюду. Если по близости не было моря, он шел к реке или ручью. Или искал каналы. Художник посетил европейские города, славящиеся своими каналами: в 1880 — Амстердам, в 1908 — Венецию. Правда, к концу жизни он довольствовался прудом в своем саду. Спокойная поверхность и растительность этого водоема вдохновила его на последние шедевры — «Водяные лилии». Любовь Моне к воде распространялась и на другие формы его бытования, на метаморфозы воды — туман или пар. Картина Впечатление, Восход солнца — это не кусочек моря, а окутанный утренним туманом морской пейзаж. Когда Моне между 1876—1878 годами писал свою серию Вокзал Сен-Лазар, он тоже изображал одну из форм существования воды — пар, вырывающийся из локомотивов. Когда в 1880 году он писал ледоход, им владело то же стремление. Он преобразил метафору Гомера, описывающего воду как струящуюся равнину. Под кистью Моне вся земля уподоблялась воде. Даже свою собственную кожу он трактовал в Автопортрете 1917, написанном уже в возрасте 77 лет, как будто это рябь на воде. В 1892—1894 годах он работал над тем, чтобы передать струящуюся динамичность фасада Руанского собора, уподобляя его водопаду.

В 1860 году молодым солдатом Моне отправился на военном корабле в Алжир, спустя два года вернулся во Францию.

В лесу Фоншебло Моне работал над своим «Завтраком на траве». Летом в 1865 году, оставшись в Шайи на пять месяцев (в результате несчастного случая, повлекшего за собой перелом ноги), Моне начал работу над подготовительными набросками к задуманному им огромному — 6×4,6 м — полотну, по размерам, равному «Мастерской» Курбе, которое он назвал «Завтрак на траве» — в знак уважения к Мане. На этой картине не было обнаженных тел, только элегантные дамы под зонтиками и мужчины в рединготах. Полотно было задумано прежде всего для того, чтобы изучить освещение в лесу — в тени деревьев и на поляне.

Это смелое начинание, предпринятое 25-летним юношей, заинтересовало всех, и Курбе, в то время живший в Марлотт, навестил Моне в Шайи, дабы щедро помочь ему советами и приободрить юного коллегу, к которому всегда благоволил. Курбе повел себя неожиданно: он посоветовал юноше умерить свой пыл. В результате картина так и не была завершена: то ли духу не хватило, то ли Моне осознал, что еще не созрел для осуществления своего замысла, но он прекратил работу и более к этой картине не возвращался.

Этому полотну предстояло пережить неслыханные в истории искусства приключения. Моне, как водится, оставил картину под залог хозяину гостиницы «Золотой лев», но полностью оплатить счет ему не удалось, несмотря на субсидии тетушки Лекадр.

Много лет спустя он разыскал холст в сарае, где тот хранился в свернутом виде, изъеденный сыростью. Видя, что холст не подлежит восстановлению, Моне отрезал куски, не тронутые влагой, а остальное выбросил. Один из кусков, сменив многих хозяев, оказался в руках богатого ливанского коллекционера: другую часть опытный торговец Жером Вильденштейн разыскал после войны в мастерской в Живерни… и передал ее в дар Лувру. Благородный поступок и в то же время удачный ход Вильденштейна в споре с ливанцем, не уступавшим принадлежащий ему кусок холста в надежде, что, устав от борьбы, Жером Вильденштейн уступит ему свой. Передав свой холст Лувру, торговец лишил ливанца последней надежды.

Можно только сожалеть о том, что Моне не закончил свою картину: большой подготовительный этюд, хранящийся в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве, свидетельствует о том, что это произведение могло стать одним из самых удачных в его творчестве.

Клод Моне был много обязан Эдуарду Мане, и прежде всего смелостью в определенных случаях писать, не заботясь об объеме.

В поздний период творчества Моне по-прежнему уделял много внимания выразительной способности цвета, ставшего основным средством его художественного языка. Поздние картины теряют сюжетность, тяготеют к беспредметности.

Сад в Живерни, по признанию самого Моне, является лучшим произведением в его творчестве. Многочисленные виды и сорта цветов были подобраны и высажены так, чтобы он постоянно цвел, радуя глаз разнообразием оттенков. Прекрасный сад — произведение искусства — становится объектом живописи, словно отражаясь на холсте.

Композиция работы «Сад ирисов в Живерни» (1899—, Художественная галерея Йельского университета) проста: на холсте квадратного формата изображена убегающая в даль сада дорожка, полускрытая разросшимися кустами ирисов, над ней — уходящие перспективой стволы садовых деревцев. Художник наносит на холст ликующие чистые цвета, передавая зрителю свое ощущение полноты жизни и счастья, рожденное от соприкосновения с природой. Нежные цветы ирисов на переднем плане картины словно заглядывают нам в глаза. Под кистью Моне они будто обретают душу. Красота природы становится величайшим чудом и, видимо, венцом божественных творенин для Моне (в отличие от ренессансного «Человек — венец творений»). Поэтому она является самодостаточным объектом живописи, не требующим включения в пейзаж человеческих фигур.

В 1899 художник приступил к созданию серии «Кувшинки», изображающей водяные лилии (ненюфары) в пруду его сада в Живерни. Как и весь сад, пруд и перекинутый через него деревянный мостик в японском стиле были творением рук самого Моне. Художник вырастил в нем кувшинки и подолгу любовался этими нежными водяными цветами, бликами солнца и отражением облаков в воде. Серийность работ основана на варьировании мотива при меняющемся освещении. Кувшинки владели помыслами художника более двадцати лет, до самой смерти.

Поразительно радостное впечатление рождает картина «Кувшинки. Облака» (1903, частное собрание). Полотно пропитано солнечным светом, хотя небо в нем изображено лишь отраженным в воде. Медленно плывут кувшинки, облака и, кажется, словно воздух плывет с легким дуновением ветра.

В картине «Пруд с кувшинками» (1908, частное собрание, Санкт-Галлен, Швейцария) Моне выбрал квадратный формат полотна, зрительно «увеличивающий» изображение в пространстве и создающий впечатление бесконечности. Художник написал крупным планом «фрагмент» пруда, в кадр вошла только гладь воды с живописно разбросанными листьями, цветами кувшинок и отражением облаков. Мастер отошел от перспективного построения, из-за чего кувшинки в правом верхнем углу композиции кажутся расположенными выше, чем растения переднего плана картины. Работа утрачивает глубину и разворачивается на плоскости, тяготея к декоративности.

В 1900— Клод Моне неоднократно бывал в Англии, он любил Лондон за неповторимую туманную атмосферу. Здесь живописец много раз писал здание парламента, создав целую серию работ на эту тему. «Здание парламента в Лондоне» (1904, музей д’Орсе, Париж) словно окутано густым туманом, сквозь который проступают величественные очертания неоготической архитектуры и пробивается желто-рыжее солнце, окрашивающее Темзу рыжевато-багровыми бликами. Живопись условна, художник изображает не конкретные детали, а именно сиюминутный образ города, каким он его увидел. Импрессионизм Моне не перелает объективной реальности, не признает неизменности качеств предметов. Их цвет, а также очертания зависят от света — едва пробивающегося, заливающего всю окрестность, или гаснущего, переходящего в сумерки.

В 1908 Клод Моне с семьей посетил Венецию. Удивительная атмосфера этого города, водные просторы, поразительно обыгранные венецианскими архитекторами, рефлексы на воде и памятники, двоящиеся в ней, покорили художника. Во время путешествия родилась серия работ с венецианскими пейзажами.

Сложно назвать картину «Палаццо да Мула в Венеции» (1908, Национальная галерея, Вашингтон) ведутой (городским пейзажем) или архитектурным пейзажем. Она, выражаясь фигурально, больше похожа на «портрет» средневекового венецианского здания, глядящегося в зеркало канала. Это портрет крупным планом, края дворца обрезаны рамой картины, в кадр вошла часть здания без крыши. Очевидно, Моне не ставил перед собой задачу скопировать памятник. Художник покорен удивительным единством архитектуры и ландшафта, гениальностью архитектора, спроектировавшего дворец выходящим из воды. Палаццо и канал, на берегу которого он возведен, живут нераздельной жизнью: каменные стены отражаются в воде, а она, в свою очередь, отражая солнечный свет и синее небо, словно окрашивает стены в небесные оттенки. Именно это и передал Моне. Горизонтальная композиция с четким делением на первый (водное пространство) и второй (стена палаццо с многочисленными арками оконных и дверных проемов) планы облегчается двумя тонкими силуэтами гондол.

Во втором десятилетии нового века стареющий Клод Моне все больше роднился с одиночеством. В 1911 умерла вторая жена Алиса, в 1914 — Жан — их первый с Камиллой сын. За художником преданно ухаживала дочь Алисы от первого брака, ставшая женой (а теперь и вдовой) Жана. Вместе с этими утратами художника постигло еще одно несчастье: в 1912 врачи поставили ему диагноз двойной катаракты. Он уже не мог передавать на холсте световые эффекты, увиденные в живой природе. Была в этом злая ирония судьбы, отнимающая у художника главное, чем он живет, — зрение, подобно тому, как музыкант теряет слух (достаточно вспомнить Бетховена, не слышавшего звучания своей гениальной «Девятой симфонии»). Однако Моне не переставал писать[8].

В 1916 он задумал новую серию панно размером 4×2 метра с видами своего сада. Панно «Ненюфары» («Кувшинки», 1920;1926, Музей Оранжереи, Париж) рождает ощущение плоскостности и бесконечности пространства, словно утекающего за рамы картины. Крупными сочными мазками художник намечает форму листьев и цветов, работает цветовыми пятнами.

«Автопортрет» Клода Моне (1917, Музей Оранжереи, Париж) это самооценка человека, его отражение в зеркале собственного сознания. Портрет написан в фас, но уставшие глаза не смотрят на зрителя. Моне не ищет «диалога». Формально работа кажется неоконченной: изображена лишь голова художника, схематично намечены линии плеч. Однако густая тень, окаймляющая портрет, не оставляет сомнения в законченности образа и сообщает ему драматизм.

Поздние произведения Моне находятся на грани предметного и беспредметного искусства. В качестве примера можно привести работу «Сад с прудом в Живерни» (около 1920, Музей изящных искусств, Гренобль). Уголок сада художника предстает таинственным местом, спрятанным в густых зарослях. Эта работа, безусловно, предметна: здесь четко построена композиция, различимы очертания ветвей. Кажется, что цвет играет самостоятельную роль в этом произведении, он декоративен в преломлении гаснущего зрения художника. Картина производит драматическое впечатление, благодаря нереалистичной условной цветопередаче. Цвет экспрессивен. Это уже не импрессионизм — в технике письма и художественной концепции, это отражение внутреннего мира старою человека.

В «Японском мостике» (1918, Институт искусств, Миннеаполис) читаются очертания любимого мостика, перекинутого через пруд с кувшинками и увитого глициниями. И это, пожалуй, единственное, что можно «идентифицировать» в сумасбродстве красок, не считая невысокого куста на переднем плане картины и вертикали дерева у правого края. Здесь достаточно охватить композицию в целом, не дробя на части, чтобы увидеть ее глазами художника: буйство красок, полнота жизни, красота. Видеть красоту и творить ее, жить для искусства и писать до последнего дня.

«Моне — это всего лишь глаз, но, Бог мой, зато какой!» — восклицал в свое время Сезанн. Живопись французского художника — это восторженное и бесконечное преклонение перед природой, красоту котором он хотел и умел передать в своем особом, тонком и чувственном стиле. Это необычное художественное видение стало основой живописной манеры целого направления в искусстве — импрессионизма, одним из основателей которого является Клод Моне.

Клод Моне умер в своем доме в Живерни в декабре 1926.

Таким образом, Клод Моне вложил большой вклад в историю импрессионизма. Именно его картина «Впечатление» дала название этому прекрасному стилю в искусстве. И сам Клод стал целый историей, глядя на его картины невольно ловишь себя на мысли, что вместе с ними заново открываешь для себя мир.

Заключение

В данной работе было рассмотрен импрессионизм, как одно из направлений французского искусства XIX века, также были изучены основные моменты истории создания этого движения, рассмотрен наиболее известный представитель художник — импрессионист XIX века и его великие работы.

Импрессионизм — это достигшее невиданной утонченности искусство наблюдения реальной действительности, в которой каждый миг уникален. Импрессионисты неизмеримо расширили возможности изобразительного искусства, открыв мир солнца, света и воздуха, но также красоту лондонских туманов, беспокойную атмосферу жизни большого города, россыпь его ночных огней и ритм непрестанного движения.

Также в этой работе был рассмотрены виды и техника импрессионизма. Это очень важный и интересный момент в этом виде искусства, так как только импрессионисты могут передавать каждый уникальный миг нашей природы посредствам разнообразных мазков, различных передач форм.

В нашей работе много говорится об одном из представителей импрессионизма, а именно о Клоде Моне. Этот великий импрессионист вложил большой вклад в историю импрессионизма. Именно его картина «Впечатление» дала название этому прекрасному стилю в искусстве. И сам Клод стал целый историей, глядя на его картины невольно ловишь себя на мысли, что вместе с ним заново открываешь для себя мир.

Итак, импрессионизм — это явление нового подхода к живописи, новый взгляд, жажда остановить мгновение реальной жизни, запечатлеть его в картине надолго. Данное направление в искусстве открыло глаза и художникам, и зрителям на цвет и свет в природе, перевернуло рутину академических правил.

1. Андреев, Л. Импрессионизм. Видеть. Чувствовать. Выражать. [Текст] / Л. Андреев. — М.: МГУ, 2004. — 102 с.

2. Баррас, Я. Импрессионизм. Новые пути в импрессионизме. [Текст] / Я. Баррас — М.: Арт-Родник, 1998. — 200 с.

3. Герман, М. Импрессионисты: судьбы, искусство, время. [Текст] / М. Герман. М.: Слово, 2004. — 296 с.

4. Костеневич, А. Живопись импрессионистов. [Текст] / А. Костеневич. — М.: Аврора, 2012. — 151 с.

5. Кулаков, В. Жизнь и творчество Клода Моне. [Текст] /В. Кулаков. — М.: Белый город, 2005. — 64 с.

6. Мосин, И. Мир искусства. Импрессионизм. [Текст] / И. Мосин. М.: Кристалл, 2006. — 176 с.

7. Мосин, И. Все о живописи импрессионизма. [Текст] / И. Мосин. М.: Bestiary, 2011. — 205 с.

8. Самин, Д. 100 великих художников. [Текст] / Д. Самин. — М.: Вече, 2002. — 202 с.

9. Столяров, Д. Учебное пособие по культурологии. [Текст] / Д. Столяров. — М.: Академия, 1999. — 216 с.

10. Тайанде, И. Клод Моне — французский живописец, импрессионист. Жизнь и творчество. [Текст] / И. Тайанде. — М.: Слово, 1995. — 95 с.; ил.

Показать весь текст
Заполнить форму текущей работой