Введение. 
Создание декоративной живописной композиции с использованием различных фактур

На заре человечества не было зеркал в привычном нам виде. Отражение можно было увидеть в отполированном металле, кусочке горного хрусталя или в слое слюды. Понятно, что, видя отражение на плоскости, было естественным стремление его зафиксировать. Что и делалось: наскальные рисунки, египетские и греческие фрески, китайские, японские и арабские миниатюры и так далее, и тому подобное…

Вершиной наиболее точного воспроизведения окружающего мира можно считать классическую академическую живопись. Каждое произведение изобразительного искусства является не только отражением реального мира, но и субъективного восприятия самого художника.

Развитие цивилизации не стоит на месте и если раньше для создания картины использовались только кисти, краски, то сейчас к ним можно добавить фактуру. Фактура в изобразительном искусстве — это характер поверхности предмета (материала) в натуре и в изображении. Фактура является одним из художественных средств, определяющих характер произведения.

Работа с данным средством выразительности является интересным экспериментом. Целью курсового проекта является создание декоративной живописной композиции с использованием различных фактур.

Этапы работы:

• 1. Разработка эскиза пейзажа и подбор подходящих материалов.
• 2. Перевод и проработка выбранного эскиза на большом формате фактурой и цветом.

Творческий раздел

анализ и синтез источников творчества

Источником творчества послужили впечатления от произведений импрессионистов и современных художников, использующих в своих работах не только цвет, но и форму, которая создается по средствам придания красочному слою различной фактуры.

Фактурная работа — это процесс придания поверхности нужной фактуры, используемый в изобразительном искусстве, а также оформлении и декорировании.

Это художественная работа, благодаря которой поверхность произведения приобретает материальные свойства, использующиеся для более реального изображения действительности.

Существует несколько видов фактуры: «скрытая», «открытая» и более сложная с использованием посторонних материалов.

В переводе с латыни factura имеет значение обработка, строение. Посредствам фактурной работы передается характер художественного произведения, его индивидуальность.

«Скрытая» фактура пользовалась огромной популярностью в XVI—XVIII вв.еках. С помощью «скрытой» фактуры в те времена создавались гладкие живописные картины и скульптуры, имеющие гладкую поверхность.

На рубеже XIX — начала XX веков была освоена и по достоинству оценена техника нанесения широкого мазка, неровного слоя краски, обработка резцом, а также оставление необработанного места.

Эта техника составляет «открытый» вид фактуры. «Открытая» фактура указывает на особый почерк, темперамент и экспрессивность автора, создавшего свое произведение искусства.

В середине XX века было проведено огромное количество экспериментов, благодаря которым проведение фактурных работ усложнились. На сегодняшний день для создания фактуры используются всевозможные материалы: опилки, песок, гипс, а кроме того, есть возможность при изготовлении скульптуры использовать сочетание разнородных материалов. Сочетание разнородных материалов позволяет достигнуть нужной фактуры поверхности Особенности живописной фактуры определяются инструментами, с помощью которых краска наносится на поверхность картины. Прежде всего, это кисти. В XVIII веке каждая из разновидностей кистей имела специальное назначение. Барсучьи и беличьи кисти применяли для нанесения лессировочных слоев, хорьковыми прорабатывали детали, а щетинными писали все остальное. В XIX веке такое обязательное разделение кистей исчезает, а в последней четверти XIX века начинают преобладать жесткие кисти В конце XIX — начале XX века одновременно с жесткими кистями широкое распространение получает и другой инструмент — мастихин. Если у старых мастеров его применение встречается крайне изредка, то теперь трудно найти мастера, который не использовал бы его.

Но не только следы работы кистью или мастихином удается прочесть нам в фактуре живописной поверхности. Иногда художник в роли инструмента использует свои пальцы.

Фактура письма может придавать глубину пространства наряду с цветовым строем. Начиная с выбора фактуры холста, состава грунта, цветовой палитры, с учетом свойств красок.

Фактура письма помогает достичь наивысшей интенсивности цвета и силы света, так как создает условия для получения этого эффекта на поверхности картины, возникает иллюзия глубины изображения.

Действительность и значение красок зависит от их интенсивности, места, которое они занимают на полотне среди других, усиливающих или ослабляющих, в зависимости от большей или меньшей близости к белому и черному. В связи с формой цвета выступает на передний план еще больше, определяя ритм, возникающий из чередования и повторения. Впрочем, цвет никогда не отделяется от формы, форма же может усиливать его действие. «Активность» фактуры нарастает по мере приближения объектов изображения к зрителю или к смысловому центру картин Гладкое письмо на дальнем плане зрительно воспринимается пространством, если предметы первого плана написаны фактурно, корпусно. Это подчеркивает эффект пространства, достигаемый тем, что дальний план пишется красками боле холодных оттенков.

Направление ударов кисти лепит форму, создает глубину и фактуру.

Насыщенность цветовой и фактурной палитры придают лессировки, они также помогают передать пространство на полотне. Просвечивание одного тона через другой дает эффекты, часто недостигаемые простым смешиванием красок.

На основании законов оптики, лессировки придают особую насыщенность и созвучность краскам, но по тем же причинам они сильно поглощают свет и требуют большего освещения.

Ведя последовательную проработку дальнего и ближнего плана, нужно держать в поле зрения всю работу, сохраняя ее тональную и цветовую цельность. Способ нанесения краски тесно связан с впечатлением от нее. Рыхлое, плотное или прозрачное нанесение краски меняет цвет даже в тех случаях, когда сама краска не меняется.

Рельеф красочного слоя — существенный фактор обогащения цвета. Лепка предметов первого плана цветом и тоном активно вводит зрителя в композицию.

Деталировка должна работать на общий замысел композиции, делая наиболее значительными и проработанными предметами, составляющие композиционные центры. Завершающая стадия работы над холстом заключается в уточнении тональных и цветовых акцентов, пластического решения.

Следует помнить, что мазок, положенный «пастозно» густо, приближает изображение к зрителю, а положенный тонко и гладко — отдаляет.

Применяя те или иные живописные материалы, художник следует определенному методу построения красочного слоя, общему для разных мастеров В истории техники живописи известны два метода: многослойный и alla prima. Этот метод требует постепенности, перерывов в работе, чтобы дать просохнуть нижележащим слоям. Нанося лессировочные слои по светлой или темной подготовке, художник выявляет присущую данной краске цветовую глубину, легкость и звучность тона. Построение фактуры при работе этим методом основано на сопоставлении корпусно написанных светов и прозрачных теней.

В XIX веке он постепенно утрачивает свое значение, уступая место получившему особенно широкое распространение в творчестве импрессионистов.

Импрессионисты отказались от последовательного всестороннего предметного описания мира. Главным становится индивидуальное мгновенное впечатление от окружающего. Пафос их творчества — оригинальность, особенность видения, эксперименты с цветом. В отличие от многослойного метода здесь картина решается сразу и в форме, и в цвете, и в композиции. У художника нет жесткой схемы, определяющей последовательность его работы. Создавая картину, он каждый раз заново решает для себя ее живописное построение. При работе этим методом фактура приобретает совсем иной характер. Из фактуры уходит постоянное для старых мастеров сочетание лессировочных теней и корпусных светов. Наоборот, именно в светах часто красочный слой сходит на нет, а белый цвет грунта включается в колористический стой произведения.

В 2004 году исполнилось сто тридцать лет со дня открытия первой групповой выставки французских художников, которых впоследствии назвали импрессионистами.

Выставка открылась 15 апреля 1874 года в помещении бывших мастерских фотографа Надара на втором этаже здания, на углу улицы Дону и бульвара Капуцинок, в самом центре Парижа. С первых же дней она сделалась центральным событием европейской художественной жизни конца прошлого века.

Независимо от воли ее участников выставка стала программной. Она не просто знаменовала собой появление еще одной художественной группировки, но определила новый этап в развитии живописи, продемонстрировав совершенно новую манеру письма и систему видения окружающего мира. Именно в связи с этой выставкой родился термин «импрессионизм» (от французского слова «impression» — «впечатление»).

Отныне стало возможным говорить о всей живописи до импрессионизма как о «старой» манере письма и о принципиально иной методике создания живописного произведения, провозглашенной импрессионистами. Подготовка выставки заняла много времени и была осложнена спорами между ее будущими участниками. Выставка объединила художников, не признанных широкой публикой и отвергаемых жюри салонов.

Идея организации групповой выставки на собственные средства родилась еще в 1867 году у Клода Моне совместно с его другом художником Базилем. В конце 60-х и в начале 70-х годов произошло творческое сближение между живописцами, которые, по выражению художественного критика того времени, залили светом свои полотна, открыв в живописи «радость, ясность, весенний праздник…».

Над одними и теми же мотивами на открытом воздухе стали бок о бок работать Моне и Ренуар, Сезанн и Писсарро. В этот же период завсегдатаи знаменитого парижского кафе Гербуа, объединявшего художников, писателей и критиков молодого поколения, ищущих новых путей в искусстве, познакомились с известным парижским торговцем картин Дюран-Рюэлем, организовавшим приобретение и продажу полотен Эдуарда Мане, Писсарро, Сислея, Дега, Клода Моне и Ренуара.

Реакция публики была самой неутешительной. Зрители откровенно смеялись над полотнами импрессионистов. По словам Ренуара, их «больше всего отталкивало в картинах отсутствие всего, что привыкли видеть в музеях».

Довольно суровой была и реакция критики. Однако среди полных возмущения оценок произведений нового направления можно встретить выражения, довольно точно определяющие импрессионистический метод. Так, Жюль Дюпре заметил, что «теперь пишут, как видят: даже не подготовляют холстов…». Именно к тому, чтобы писать то, что видишь и как видишь, и стремились импрессионисты. Они запечатлевали самые простые, будничные явления современной жизни в ее непрерывном изменении.

Им удавалось передать свои непосредственные зрительные переживания природы. Импрессионисты открыли для искусства много новых тем, разработали самостоятельный жанр городского пейзажа.

Несмотря на то, что первая выставка принесла ее участникам вместо успеха разочарование, значение ее для утверждения импрессионистического метода письма огромно. Она продемонстрировала решительный разрыв с традиционными правилами и приемами создания живописной композиции.

В лице импрессионистов окончательно сложился новый социальный тип художника-интеллигента, свободного от официальных заказов, а следовательно, и от насильственно навязанной ему формальной и смысловой ориентации. У этого художника вообще нет заказчиков. Прежде всего, это означает, что нет и покупателей. Но зато такой художник имеет право открыто заявлять о своих вкусах и пристрастиях, отстаивать свой личный способ видения окружающего мира. 1874 год — год Первой выставки импрессионистов — оказался рубежным в искусстве XIX века.

Дав толчок развитию художественных течений XX века, оказавшись провозвестником искусства нашей эпохи, импрессионизм не сделался еще предметом изучения только историков искусства, не превратился в художественное прошлое. И в наши дни, придя на выставки современных художников-реалистов, мы отмечаем их пристальное изучение и дальнейшее развитие импрессионистических приемов воспроизведения окружающего мира таким, каким его видит глаз внимательного и чуткого наблюдателя.

Углубившись в историю развития импрессионизма, можно основываться на творчестве ключевых его фигур: Эдуарда Мане, Клода Моне и Винсента Ван Гога.