Поп-арт. 
Искусство хх века

Поп-арт возник как реакция на абстрактный экспрессионизм, мало понятный среднему зрителю и погружающий его в «мрачные глубины метафизики». Пон-арт заявил о себе как о массовом искусстве, порождении культуры потребления. Мастера поп-арта оперировали уже готовыми предметами массового производства, заимствуя в данном случае опыт дадаистов, а также использовали фотографии, страницы из журналов и комиксов, рекламные объявления, этикетки и т. д. Все эти вещи и изображения изымались из обычного для них контекста, увеличивались в размере, множились и тиражировались, раскрашивались, комбинировались в неожиданных сочетаниях. Французский культуролог и философ Жан Бодрийяр (1929— 2007 гг.) писал: «Сыграв во всем традиционном искусстве роль символических и декоративных фигурантов, в XX в. предметы перестали рассматриваться в соответствии с моральными, психологическими ценностями, они перестали жить в тени человека и начали приобретать чрезвычайную важность как автономные элементы анализа пространства (кубизм и т. д.). Вследствие этого они взорвались, превратившись в абстракции. Отпраздновав свое пародийное возвращение в дадаизме и сюрреализме, десгруктурированные и уничтоженные в абстракционизме, они, по-видимому, вновь примирены со своим образом в новом изобразительном искусстве и в попарте»^[1]. Предмет вновь позиционируется как объект любования и восхищения, «символический фигурант» своего времени.

Поп-арт возник в 1950;х гг., сам термин был предложен арт-критиком Лоуренсом Эллоуэйем (1926—1990 гг.) в 1956 г., но тенденция наметилась раньше. В 1953 г. в Лондоне прошла выставка под названием «Параллель жизни и искусства», где были представлены произведения, созданные на основе готовых предметов, фотографий и т. п.

Хотя поп-арт появляется как в Европе, так и в Америке, особенное развитие данное направление получило в США. Мастера поп-арта считали, что вещь, изъятая из бытового контекста и помещенная в пространство музея, воспринимается особенно выразительной, становится посланником современной культуры. Поп-арт стал особенно популярен во второй половине 1950;х — 1960;е гг. Среди наиболее известных мастеров данного направления следует назвать Ричарда Гамильтона (1922—2011 гг.), Энди Уорхола (1928—1987 гг.), Роя Лихтенштейна (1923—1997 гг.), Класа Ольденбурга (р. 1929 г.).

Первое, как считается, произведение поп-арта принадлежит Ричарду Гамильтону. Оно было создано в 1956 г. и имеет развернутое название, не лишенное иронии: «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956 г., частное собрание) (илл. 266). Это коллаж, созданный из рекламных объявлений, этикеток, газет и других подобных материалов и воссоздающий интерьер, наполненный знаковыми предметами 1950;х гг., такими как телевизор, диван, столик, пленочный магнитофон, пылесос. Герои, представленные в этом интерьере — обнаженная красотка и мускулистый спортсмен — также вполне типичные образы из глянцевых журналов того времени.

Энди Уорхол — мастер, ставший классиком поп-арта. Уорхолл происходил из семьи бедных эмигрантов, но смог получить неплохое образование и специальность графического дизайнера. Первого успеха ему удалось добиться именно в этой области. Уорхол работает для журналов Vogue, Harper’s Bazaar. Именно ему принадлежит и разработка внешнего вида банок кока-колы. Опыт работы дизайнером привел Уорхола к мысли о возможности тиражировать произведения искусства. Он стал использовать шелкографию, ранее применяемую только в промышленности, перенося таким образом на холст фотографии звезд и знаменитостей. Так возникли портреты Мэрилин Монро, Элвиса Пресли, Элизабет Тейлор (илл. 267) и мн. др. Многократно повторенное изображение лица оказывалось каждый раз выполнено в новой цветовой гамме. Уорхол использовал краски «кислотных» оттенков, ранее также распространенные только в промышленности. Мпогочастный «портрет» оказывался похож на разложенную на кадры и раскрашенную вручную пленку. Свою мастерскую на Манхеттепе Уорхол назвал «Фабрикой». Здесь создание подобных произведений искусства было поставлено на поток. На этом конвейере создавались такие вещи, как композиции из бесконечного количества банок супа «Кемпбелл» и бутылок Кока-Колы, которые стали символами общества потребления (илл. 268). Позднее Уорхол заинтересовался созданием движущихся произведений искусства и начал раскрашивать гоночные автомобили. Уорхол увлекался и кинематографом, снимая бессюжетные концептуальные фильмы, такие как «Спи» (1963 г.), в котором зрители в течение пяти часов могли созерцать сон американского поэта Джона Джорно (р. 1936 г.). Вся жизнь Уорхола, начиная с его экстравагантного внешнего вида и заканчивая масштабными вечеринками на «Фабрике», куда приглашались разного рода знаменитости, стала одной бесконечной художественной акцией. Даже покушение, совершенное на Уорхола в 1968 г. феминисткой Валери Соланас, составило часть его собственной мифологии и способствовало росту популярности художника.

Рой Лихтенштейн создавал масштабные полотна, которые выглядели как значительно увеличенные картинки из комиксов. В технике масляной живописи Лихтенштейн имитировал дешевую печать, предполагающую черный контур и небольшое количество цветов. Мастер даже имитирует растр, который увеличивается соответственно масштабам изображения. Персонажи Лихтенштейна «разговаривают» как герои комиксов — тест помещается в белое облачко, выплывающее изо рта героя. Классический пример — полотно «М-может быть» (1965 г., Музей Людвига, Кельн) (илл. 269). Монументальный масштаб лихтеншнейновских комиксов заставляет зрителя задуматься над вопросом, что есть картина, можно ли считать таковой любое изображение, формально соответствующее картинным стандартам, — написанное на холсте масляными красками, имеющее раму и т. д.

Также достигал эффекта неожиданности за счет увеличения масштаба другой мастер поп-арта — Клас Ольденбург. В городской или природной среде Ольденбург раскладывает выполненные из различных материалов объекты, повторяющие бытовые предметы в гигантском масштабе: яблочный огрызок, кегли, кнопки для бумаги, совок и веник, упавший рожок мороженого (илл. 270). Эти огромные имитации имеют свойство элегантно оформлять пространство и воспринимаются вполне адекватно, не столько как насмешка над современной массовой культурой, сколько как мягкая шутка, игра со зрителем.

Поп-арт, выросший из дизайна, всегда продолжал к нему тяготеть. Мастера поп-арта успешно работали как дизайнеры, разрабатывая оригинальные и удобные вещи, например, «Диван Джо», сделанный в форме бейсбольной перчатки.

• [1] Бодрийяр Ж. Поп-арт: искусство общества потребления? // Бодрийяр Ж. Обществопотребления: его мифы и структуры. Мм 2006. С. 151.