Архитектура и изобразительное искусство Высокого и Позднего Возрождения

В первой четверти XVI в. главным центром развития ренессансной архитектуры стал Рим. Здесь сложились классические черты стиля, получившего общеитальянское значение. Этот стиль поры наивысшего расцвета Ренессанса отличали напоминавшая античное зодчество величавая монументальность зданий, гармоничность архитектурных образов, широкое обращение к свободному использованию ордерной системы и к синтезу пластических искусств — все это при исключительном разнообразии индивидуальных почерков зодчих. Выдающийся архитектор Браманте (1444—1514), прославившийся рядом построек в Милане.

Браманте. Темпьетто. Закончен в 1502 г. Церковь монастыря Сан Пьетро ин Монторио в Риме.

(крупнейшая из них — купольная церковь Санта Мария делле Грацие), в римский период творчества создал ряд сооружений, принадлежащих к вершинам ренессансного зодчества. В античном духе был выстроен окруженный строгой колоннадой небольшой купольный круглый храм — Темпьетто, ставший программным творением нового стиля. Как центрально-купольный храм, совершенный в своей симметрии, Браманте задумал и грандиозный собор св. Петра (позже преемники Браманте по строительству собора изменили этот замысел). Идеи Браманте оказали большое влияние на строительство многих сооружений в Италии и в других странах. После его кончины проводником архитектурных принципов Браманте стал Рафаэль (1483—1520). Ему принадлежит ряд проектов городских дворцов с новыми типами фасадов (таковы палаццо Пандольфини во Флоренции, дворец Видони-Каффарелли в Риме и др.) и основанный на переработке античного опыта проект виллы Мадама в Риме. Предназначенная для отдыха, она была неразрывно связана с великолепно спланированным парком.

Новым шагом в архитектуре были и ярко индивидуальные работы Микеланджело (1475—1564). Одна из них — вестибюль библиотеки Лауренциана во Флоренции. Он отличается характерной для Микеланджело мощной выразительностью архитектурных масс. В Риме Микеланджело создал планировку всей архитектуры Капитолийского холма, которая стала первым единовременно возведенным ансамблем Ренессанса. Микеланджело принадлежит заслуга возведения западного фасада собора св. Петра, его барабана и грандиозного купола, мощно вознесшегося над городом.

Андреа Палладио. Вилла Ротонда. 1560 г. Виченца.

В пору Позднего Возрождения самым ярким итальянским зодчим, развивавшим традиции ренессансной архитектуры, был Андреа Палладио (1508—1580). По его замыслам в Венеции были возведены две грандиозные величественные церкви, где фасады христианских базилик на новый лад были украшены переработанными портиками античных храмов. На севере Италии по планам Палладио осуществили строительство ряда городских дворцов и множество вилл. Последние, при всем их разнообразии, всегда создавались как продуманное гармоничное единство жилых и хозяйственных комплексов, архитектуры и пейзажа. Палладио непременно использовал в своих работах ордерную систему, рассматривая ее творческое применение как универсальный принцип зодчества. Он написал трактат об архитектуре, в котором отразил особенности своего творческого метода. Трактат оказал сильное влияние на современников, а позже — на формирование архитектуры классицизма.

Зодчество Позднего Возрождения развивалось не только в традициях Ренессанса, в нем проявлялись и маньеристические черты. Они характерны, в частности, для построенного во Флоренции по проекту Дж. Вазари дворца Уффици. На грани XVI и XVII вв. стал складываться новый архитектурный стиль — барокко, получивший широкое распространение, особенно в Риме (дворцы и градостроительные проекты архитекторов Дж. делла Порта и Дж. Фонтана). Именно в Риме в середине XVII в. барокко достигло зрелости и пышного расцвета в творчестве великого зодчего Л. Бернини.

Леонардо да Винчи. Автопортрет. Рисунок. Ок. 1510 г. Королевская библиотека. Турин.

Леонардо да Винчи. Портрет Моны Лизы (так называемая «Джоконда»). Ок. 1503 г. Лувр. Париж.

Три гения — Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело символизируют Высокое Возрождение в изобразительном искусстве. Леонардо да Винчи тесно связывал научное и художественное познание мира, опыт естествоиспытателя и возможности живописи. На этом принципе содружества науки и искусства основано учение Леонардо о перспективе, о строении человеческого тела и его пропорциях, о движениях, связанных с психологическим состоянием человека. Среди средств выразительности Леонардо уделял особое внимание светотени, добиваясь неповторимой по мягкости моделировки лиц и фигур, словно окутанных едва уловимой дымкой («сфумато»). В его живописных работах и рисунках глубоко и полно воплотился гуманистический идеал человека. Созданные Леонардо портретные образы величавы и значительны, они несут в себе идеальное начало и в то же время жизненно правдивы, индивидуализированны. Его портрет Моны Лизы — шедевр ренессансного искусства. Благородство образа молодой флорентийки достигается тонким выявлением психологического богатства человека. Иначе строятся образы фрески «Тайная вечеря», занимающей центральную стену трапезной в миланском монастыре Санта Мария делле Грацие. В этой росписи особой выразительности достигает характеристика драматизма душевных переживаний персонажей, потрясенных словами Христа. Важная роль принадлежит здесь движениям и жестам Иисуса и апостолов. Композиционное совершенство фрески придает ей выразительное единство.

Леонардо да Винчи. Тайная вечеря. 1495—1497. Трапезная монастыря Санта Мария делле Грацие. Милан.

В творчестве Рафаэля нашла яркое выражение гуманистическая мечта о прекрасном человеке, пребывающем в полной гармонии с миром, проникнутым божественной красотой. Многие образы Рафаэля светлы, радостны, отличаются мягким лиризмом, но он умел придать своим произведениям и драматическую напряженность. Рафаэль был величайшим мастером композиции, отмеченной особой музыкальностью ритмов, выразительной пластикой фигур, архитектурных форм, пейзажа. В его портретах привлекает благородство идеала человека, воплощенного в конкретном, узнаваемом облике людей эпохи Возрождения (таковы портреты флорентийского купца Анджело Дони, гуманиста графа Бальдассаре Кастильоне, папы Льва X с кардиналами и др.). Многочисленные образы мадонн, созданные художником в Умбрии, Флоренции и Рйме, поражают поэзией и возвышенной красотой. Каждый из прославленных шедевров Рафаэля («Мадонна дель Грандука», «Сикстинская мадонна», «Мадонна в кресле» и др.) отличается своим неповторимым художественным строем и своей особой эмоциональной атмосферой любви и духовной чистоты. Блестящий дар Рафаэля-монументалиста раскрылся в росписях интерьеров Ватикана, в том числе в фресках «Афинская школа», «Парнас», «Диспута», «Изгнание Гелиодора» и других, равно как в гармонии ансамблей отдельных залов. Художник предстает здесь как создатель героического стиля, прославляющего величие и достоинство человека, грандиозность творимой им культуры.

Исключительное место в культуре Возрождения принадлежит Микеланджело Буонарроти — художнику, скульптору, архитектору и поэту, который внес выдающийся вклад в каждую из этих областей творчества. За разностороннюю гениальность современники называли его.

Рафаэль. Обручение Марии. 1504 г. Галерея Брера. Милан.

Рафаэль. Портрет Франческо Мария делла Ровере. Флоренция.

Рафаэль. Сикстинская мадонна. 1515—1519. Картинная галерея. Дрезден.

«божественным». Ведущая тема всего искусства Микеланджело — величие и драматизм бытия человека, героика его борьбы, ее титаническое напряжение. В скульптурных и живописных образах Микеланджело доминирует изображение обнаженного тела — он видел в нем носителя и выразителя качеств души и потому наделял его и красотой, и особой мощью. Бытовое начало было чуждо поэтике Микеланджело — его привлекал накал эмоций, сила сдерживаемой энергии или выплеск страсти.

Микеланджело Буонарроти. Гробница Джулиано Медичи. 1520—1534, мрамор. Капелла Медичи церкви Сан Лоренцо. Флоренция.

Микеланджело Буонарроти. Сивилла Эритрейская. Фреска Сикстинской капеллы Ватикана. Фрагмент. 1508—1512. Рим.

Статуя Давида, одно из ранних произведений мастера, стала совершенным воплощением монументального образа отважного юноши, готового к борьбе. Уже современники воспринимали этот образ как символ свободолюбия. В грандиозной росписи Сикстинской капеллы Ватикана, где художник должен был изобразить сотворение мира и человека, раннюю историю человечества, Микеланджело воспел красоту и энергию творчества, величие мудрости, сильные характеры и духовную значительность людей. В зрелом творчестве мастера нарастают мотивы противоборства человека с враждебными ему силами. Таковы словно рвущиеся из необработанной скульптором каменной массы фигуры юношей для гробницы папы Юлия II в Риме, получившие условные названия «Рабов» или «Пленников». Гигантским напряжением внутренних сил поражает могучая статуя «Моисея», предназначавшаяся для этого незавершенного ансамбля. Другой архитектурно-скульптурный комплекс — ансамбль капеллы Медичи — Микеланджело создал во Флоренции. Атмосфера начавшегося кризиса гуманистических идеалов отразилась здесь в трактовке фигур, олицетворяющих поступь времени, — Дня, Ночи, Вечера и Утра. При всей их физической мощи в них запечатлены душевная усталость, внутреннее смятение, горькое раздумье.

Микеланджело Буонарроти. Грехопадение и изгнание из рая.

Фреска плафона Сикстинской капеллы

Одним из поздних шедевров Микеланджело стала роспись огромной алтарной стены Сикстинской капеллы в Ватикане — «Страшный суд». Здесь звучит мотив грозной, неумолимой в этот час и неодолимой воли, вовлекающей в кругоподобное движение тяжелые массы титанических тел, возносимых к небесам или низвергаемых в ад. Трагизмом и глубокой скорбью исполнены образы скульптурной группы «Пьета» («Оплакивание Христа») из Флорентийского собора. Она также принадлежит к позднему творчеству Микеланджело и предназначалась им для собственного надгробия. В искусстве Микеланджело особенно драматично проявился переход от Высокого к Позднему Возрождению, для которого становятся характерными кризисные мотивы, чувство разочарования в действительности, столь далекой от гуманистических идеалов.

Искусство Высокого Возрождения не исчерпывается творчеством уже упомянутых великих мастеров. Их современниками были такие крупные художники со своей собственной индивидуальной манерой, как Андреа дель Сарто, Антонио Корреджо и ряд других. Корреджо, в частности, был не только главой одной из местных итальянских школ Высокого Возрождения, но и родоначальником нового типа плафонной росписи с фигурами, парящими в облаках в сложных для изображения ракурсах.

В 1520—1530 гг. XVI в. в итальянском искусстве зарождается новое течение — маньеризм с характерным для него пиететом к великим художникам Высокого Возрождения и вместе с тем с отказом от классичности: нарушением естественных пропорций фигур, их нарочитой утонченностью и гибкостью, чувственной грацией, нарастанием в композициях роли фантазии. Маньеристы стремятся своим искусством уже не «подражать натуре», а «превзойти ее». Наиболее полно маньеризм воплотился в творчестве видных художников — Понтормо, Россо, Пармиджанино. В творчестве маньеристов, на которое оказали сильное воздействие вкусы знати и дворов, сложился новый тип портрета — придворно-аристократический. В этом жанре особенно много работал Бронзино; величественные образы его моделей подчеркнуто замкнуты, лишены глубокого психологизма.

Микеланджело Буонарроти. Пьета. Галерея Академии. Флоренция.

Пармиджанино. Мадонна с длинной шеей. 1534—1540. Галерея Уффици. Флоренция.

Одним из главных центров ренессансного искусства уже в начале XVI в. стала Венеция. Ее крупнейшие художники не только внесли свой вклад в развитие традиций Высокого Возрождения, но и сохраняли верность им в те десятилетия, когда в остальной Италии все шире распространялся маньеризм. Гармония и уравновешенность обобщенных, возвышенных образов, характерные для творчества мастеров Возрождения, получают в произведениях венецианских художников новое яркое воплощение и дополняются восприятием мира в поразительном богатстве его цвета, замечательными колористическими открытиями, стремлением рассматривать человека в неразрывном единстве с окружающей его природной средой.

Это отчетливо проявилось уже в музыкальных по звучанию работах Джорджоне (ок. 1477—1510). Ряд его произведений посвящен светской тематике. В его картинах «Спящая Венера», «Гроза», «Три философа», «Сельский концерт» образы персонажей гармонируют с проникнутым тонкой поэзией ландшафтом. Одухотворенность образов отличает и портретную живопись Джорджоне.

Джорджоне. Спящая Венера. Ок. 1508—1510 гг. Дрезден.

Его преемником в венецианском искусстве стал Тициан (ок. 1477 или 1480—1576). Он прожил долгую творческую жизнь, охватившую этапы Высокого и Позднего Возрождения в специфических условиях Венеции. Новаторство Тициана сказалось в самых разных формах и жанрах живописи. С его именем связаны утверждение станковой картины, создание монументальных алтарных полотен, выделение пейзажа в самостоятельный жанр, разработка различных типов портрета (художественнопарадный, камерный и др.). Тициана считают подлинным реформатором живописи — исключительным богатством и многообразием своих колористических достижений именно он показал огромные возможности цвета как средства художественной выразительности новой живописи. Создавая праздничные, жизненно полнокровные образы человека, умея ярко раскрыть его гармоническую связь с природой, Тициан в то же время обращался к образам, отмеченным глубиной проникновения во внутренний мир людей, в их психологию. Тематика его произведений исключительно широка и разнообразна: от полотен с персонажами античной мифологии («Венера Урбинская», «Вакх и Ариадна», «Даная») и аллегорических картин.

(«Любовь земная и небесная») до грандиозных алтарных образов («Ассунта» — «Вознесение Мадонны») и драматизма поздних работ («Коронование терновым венцом», «Св. Себастьян»). Тициан создал целую портретную галерею своих современников («Юноша с перчаткой»,.

«Ипполито Риминальди», портреты императора Карла V, папы Павла III и др.). В позднем творчестве Тициана с особой полнотой проявился его дар художника-колориста: цветовая лепка форм сочетается здесь с тончайшей красочной нюансировкой, созданное кистью единое целое художник довершает, порой втирая краски в холст кончиками пальцев.

Тициан. Ассунта (Вознесение Мадонны) 1516—1518. Церковь Санта Мария Глориоза деи Фрари. 1516—1518. Венеция.

Одним из самых крупных художников Возрождения в Венеции и выдающимся колористом был Паоло Веронезе (1528—1588). Его полотнам и росписям присуще жизнеутверждающее, праздничное мировосприятие. Он был монументалистом и создателем декоративных ансамблей, мастером грандиозных композиций на темы торжеств и празднеств, в которые он включал изображение персонажей в эффектных костюмах, красочные эпизоды, величественный архитектурный фон («Брак в Кане», «Поклонение волхвов», «Пир в доме Левия» и др.).

Веронезе принадлежит немало декоративных панно и фресок во дворцах, виллах, церквах; украшал он и Дворец дожей («Триумф Венеции»). Драматизм был мало свойствен его искусству, но и у Веронезе на позднем этапе творчества среди большого числа парадных работ появились также скорбные образы — «Распятие» и «Оплакивание Христа».

Выдающимся венецианским художником Позднего Возрождения был Якопо Тинторетто (1518—1594). Ученик Тициана, он высоко ценил колористическое мастерство своего учителя, но стремился сочетать его с освоением рисунка Микеланджело. Диапазон творчества Тинторетто простирался от монументальных росписей до интимных, лирических полотен. В своих произведениях он часто изображал массовые сцены с драматически напряженным действием, глубоким пространством, фигурами в сложных ракурсах. Его композиции отличаются.

Паоло Веронезе. Триумф Венеции. Ок. 1585 г.

Плафон зала во Дворце дожей в Венеции.

исключительным динамизмом, а в поздний период — и сильными контрастами света и мрака. К числу его лучших произведений принадлежат «Чудо св. Марка», «Введение во храм», «Бегство в Египет». Истории мощей святого Марка, который почитался в Венеции, он посвятил целый цикл своих произведений. Тинторетто был также автором больших декоративных работ, в которых уже ощутимы тенденции, ведущие к искусству следующего столетия, к барокко («Голгофа», «Рай», «Тайная вечеря»).

Якопо Тинторетто. Борьба архангела Михаила с Сатаной в облике дракона. Ок. 1590 г. Картинная галерея. Дрезден.

В скульптуре XVI в. доминируют две школы — венецианская и римско-тосканская. В первой (ее ярким представителем был Якопо Сансовино) долго сохранялись ренессансные традиции, ее отличало тяготение к декоративности. Вторая испытала сильное воздействе маньеризма, что особенно отчетливо проявилось в произведениях крупного скульптора и ювелира Позднего Возрождения Бенвенуто Челлини. Он работал во Флоренции, Риме, ряде других городов Италии, а также в Париже. Шедевром его малой пластики стала золотая солонка, созданная по заказу французского короля Франциска I. Типично маньеристической работой была его бронзовая скульптура «Персей». Челлини прожил бурную жизнь, которую мастерски описал в автобиографии.

Культурная жизнь Италии XVI в., богатая ярчайшими талантами в самых разных областях творчества, отличалась многообразием новых явлений и тенденций. Одним из таких явлений стало возникновение различных академий — литературных, научных, художественных, музыкальных. Эти добровольные сообщества объединяли людей независимо от их социального положения в коллективы единомышленников, увлеченных общим интересом, стремившихся к свободному самовыражению в творчестве. Академии стимулировали поиск новых путей в науке, литературе, музыке, изобразительном и театральном искусстве.

Бенвенуто Челлини.Персей. 1545—1554. Лоджия деи Ланци. Флоренция.

Иным, комплексным по своему характеру явлением стала придворная культура Чинквеченто. Она включала и связывала друг с другом практически все виды художественного творчества. Итальянские правители обеспечивали своими заказами создание многих выдающихся архитектурных, садово-парковых, порой даже градостроительных ансамблей. Их дворы, обладавшие также богатыми библиотеками, коллекциями антиков, собраниями нового искусства, приобретали значение важных культурных центров. Придворная культура, носившая подчеркнуто аристократический характер, развивалась вначале в русле Ренессанса, а позднее стала главной сферой проявления маньеризма.

Одной из характерных примет придворной культуры, особенно с середины XVI в. стало прямое вмешательство в художественную жизнь правителей абсолютистского типа (во Флоренции, Мантуе, Ферраре, Риме, Неаполе) с целью использования архитектуры и изобразительного искусства для прославления своих режимов. В Великом герцогстве Тосканском, столицей которого была Флоренция, при Козимо I Медичи (1537—1573) и его преемниках происходила унификация различных сфер жизни — от манеры поведения и моды до идейных позиций, вольномыслие не допускалось. Искусство стало главной сферой настойчивой художественной политики правителей, добивавшихся апологии и мифологизации власти. Лучшие флорентийские мастера середины и второй половины XVI в. (Дж. Вазари, Б. Буонталенти, Джамболонья и др.) выполняли заказы герцогов, строго следуя указаниям власти. Дворцы и виллы Медичи, в архитектуре и декоре которых черты маньеризма сочетались с традициями Кватроченто, должны были служить репрезентативным целям, подчеркивать величие и богатство правителей. Скульптурные бюсты Козимо I работы Б. Челлини и Б. Бандинелли имели прототипом портреты римских императоров и служили удовлетворению амбиций герцога. Живописные парадные портреты Козимо I и его семьи, артистично выполненные Бронзино, были подчинены той же задаче идеализации властных персон. При Медичи широко практиковались пышные праздничные церемонии, театрализованные шествия, карнавалы, вовлекавшие массу жителей Флоренции. В этих празднествах сочетались развлекательные и пропагандистские задачи, стремление продемонстрировать населению заслуги и процветание правящего дома. Взаимоотношения власти и общества облекались в эстетические формы, как это нередко происходило и в XV в. Но Кватроченто не знало такой продуманной и энергичной системы действий властей, для которых использование искусства в политических целях стало неотъемлемой частью искусства политики.

Широчайшим пластом культурной жизни Италии XVI в. оставалась народная культура города и деревни с ее прочно устоявшимися традициями. Но и она, вступая во взаимодействие с «высокой» культурой, давала новые всходы в музыке и танце, театре, литературе, праздничных действах. Достижения разных культурных течений и направлений стремилась приспособить к своим целям и церковь, что сказалось, в частности, в организации ее системы образования, особенно в школах, создававшихся орденом иезуитов в разных городах Италии. Борьба с ересями и вольномыслием, стремление утвердить во всех слоях общества ортодоксальные взгляды были провозглашены Тридентским собором главной задачей церковной политики. Реализация этой цели велась на основе использования в интересах церкви многих достижений гуманитарных наук ренессансной эпохи. На протяжении двух с половиной столетий Возрождение давало, таким образом, мощный стимул развитию самых разных направлений в культурной жизни Италии.

Искусство Возрождения в Италии, оказавшее мощное воздействие на развитие художественной культуры в Европе, не вышло за пределы XVI в. На рубеже XVI и XVII столетий на смену ему идут два формирующихся в эту пору новых направления — барокко и академизм. Их развитие и расцвет в Италии связаны уже с XVII в.