Элементы театрализации. 
Развитие творческой активности детей младшего возраста средствами элементов театрализации на уроках музыки

Театрализация — это приспособление чего-нибудь для театра, придание чему-нибудь театральных свойств.

В работе с детьми на уроках музыки, мы не можем охватить все аспекты театрализации, но можем свободно применять ее элементы. Рассмотрим конкретные примеры элементов театрализации, которые можно использовать на уроках музыки у младших школьников.

Речевые импровизации Речевые импровизации — это способность сочинять художественное произведение (стихи, музыкальную пьесу и т. п.) в момент исполнения, сразу без предварительной подготовки. Говорить то, что приходит в голову; сочинять, придумывать.

Их можно применять на любом уроке при разучивании песен. Подготовительный этап к участию детей младшего школьного возраста к речевым импровизациям — поиск эмоционально-образных определений характера и настроения музыки и передача их смыслового значения в соответствующем выразительном тоне: радостно, светло; тревожно, сумрачно и т. п., а так же интонационно-осмысленное чтение текста песен при их исполнении и разучивании.

Следующий этап речевых импровизаций — сочинение окончаний к стихотворным строкам.

Детям предлагается сначала подобрать в рифму какую-либо строчку, параллельно с заданием досочинить рифмованную строчку в конце стиха можно уже на первоначальном этапе мы предлагаем ребятам продумывать и то, какой интонацией озвучить данное стихотворение, а затем спеть четверостишие как распевку — поступенно сначала вниз потом вверх, заостряя внимание детей на том, что если стихи положить на музыку, то получится песня.

Пластические импровизации Пластические импровизации — это движение, жесты, внешний облик (костюм, грим и т. п.) посредством которых, выражается характер музыкального произведения или же внутренний мир действующего лица. Такие импровизации помогают ребенку, научится владеть своим телом:

• 1. В процессе восприятия фрагмента из симфонического вступления «Океанморе синее» к опере Н. Римского-Корсакова «Садко» можно предложить ребятам движениями рук, покачиванием корпуса создать образ морято спокойного, величественного, то взволнованного, бушующего.
• 2. Игра на воображаемых музыкальных инструментах — так же один из способов пластической импровизации. Пьесу «Лебедь» из «Карнавала животных» К. Сен-Санса ребята исполняют на воображаемой виолончели; «Прелюдию» До-мажор С. Прокофьева — на «арфе», «Былину о Добрыне Никитиче» — на «гуслях», «Осень» из музыкальных иллюстраций к повести А. Пушкина «Метель» — на «скрипке» и т. п.
• 3. Пластические импровизации могут являть собою самые разные образы: под музыку «Галопа» И. Дунаевского можно промчаться на лошадях, с «Клоунами» Д. Кабалевского — позабавить зрителей циркового представления, один из менуэтов (И.С. Баха, Г. Перселла, В. А. Моцарта, и других) перенесет детей вместе с Золушкой на бал в королевском дворце, поможет представить себя в необычных бальных костюмах, «Вальс» из балета «Спящая красавица» П. И. Чайковского можно станцевать не отходя от парты — плавные движения рук, повороты и вальсирование на месте (2 класс, 3 четверть Тема: Куда ведут нас три китаБалет), задорной русской народной плясовой — «Камаринская», под стать притопы, прихлопы, полуприсядка (2класс, 4 четверть, 4 урок тема: вариационная форма в музыке; хороводным песням «Во поле береза стояла», «Со вьюном я хожу» и др. — иной образ — «плывущая неспешной походкой лебедушка». (2 класс, 3 четверть, 8 урок, Тема: «Мажор и Минор»).

Сценическая речь Сценическая речь — это важнейшее средство театрального воплощения драматургического произведения. Сценическая речь дает возможность донести до зрителя идеи, мысли и чувства, заложенные в тексте.

Комплекс обучения предусматривает переход от бытовой, упрощенной речи, к выразительному яркому сценическому звучанию голоса. Обучение сценической речи неразрывно связано с формированием пластической свободы, развитием эластичности и подвижности дыхательной и голосовой аппаратуры, совершенствованием речевого слуха, постановкой голоса, и т. д. и т. п.

В комплекс основных требований к сценической речи, кроме безупречной дикции, входят: мышечные свобода и активность гортани и глотки; повышенная выносливость голоса, дающая возможность сохранять выразительность и звучность при самых разных психофизических нагрузках; благозвучие тембровой системы и тембровая подвижность, обусловливающие умение использовать широкую гамму обертонов; полетность — свойство быть хорошо слышным в зрительных залах любых размеров и преодолевать сложные акустические условия; объем звуковысотного диапазона; глубина и объемность голоса, и т. д. При этом наличие общих требований и системного подхода к обучению в обязательном порядке сочетается с поиском и развитием индивидуальных голосовых особенностей каждого ребенка, не противоречащих его психофизическим данным, но напротив, проясняющих и обогащающих его природу. Иной раз на поиски собственной голосовой индивидуальности у актера уходит чрезвычайно много времени. Так, ярчайшая индивидуальность хрипловатого, как бы сорванного, голоса В. Высоцкого, позволяющая узнавать его с первого слова, выработалась далеко не сразу. В фильме Стряпуха (1965) молодой актер В. Высоцкий разговаривает (да и поет) еще несколько усредненным тенором. Поразительно, как изменение одного компонента из арсенала актерских средств позже сделало актера практически неузнаваемым, резко расширив границы его профессионального диапазона.

Характер и стиль сценической речи менялись и развивались на протяжении всей истории театра, исходя из конкретных условий, актерских школ и творческих направлений.

Так, законы эллинской классической декламации были сформированы структурными особенностями античной драмы, архитектурой театральных сооружений, вмещавших многие тысячи зрителей. Спектакли устраивались на открытом воздухе (напомним, что никаких микрофонов не было и в помине).

В европейском сценическом искусстве, начиная с эпохи классицизма, особенности эллинской декламации были преобразованы и развиты. Они трансформировались в строгий канон торжественно-приподнятой, акцентировано ритмизированной, напевной манеры произнесения текста, сопровождаемой широким статичным жестом, подчеркивающим условность сценической речи.

Развитие романтического, а затем — реалистического и особенно натуралистического театра возвело в ранг закона сближение сценической речи с разговорной, придавая ей определенное жизнеподобие, сходство с реальной действительностью. Это открыло перед актерами огромные творческие возможности: передачу через индивидуализированную речь сложных оттенков характеров и психологии персонажей, их социального положения, биографии и т. д. Отказ от декламационного канона сформировал новые принципы сценической речи, неразрывно связанной с художественной логикой конкретного спектакля. Дополнительные творческие возможности открылись и благодаря становлению и развитию режиссерского театра, обусловливающего огромное разнообразие трактовок сценических произведений.

Современные принципы сценической речи были разработаны реформатором русского театра М. С. Щепкиным, привнесшим в театральное искусство индивидуальный подход к каждому сценическому образу. Здесь, в Малом театре, актеры утверждали и совершенствовали искусство выразительного художественного слова, раскрывали национальные, фонетические, колористические особенности и поэтическое богатство русского языка. Этому, несомненно, способствовали постановки пьес А. Н. Островского, придававшего огромное значение лексической разработке образов.

Новую эру развития сценической речи на рубеже 19 и 20 вв. начал К. С. Станиславский, в своей творческой системе обобщивший творческий опыт русского и мирового реалистического театра. Помимо внимания к речевой технике, связанной с постановкой голоса, дикцией, произношением и логикой речи, Станиславский разработал специфическую актерскую технику т.н. словесного взаимодействия. Она опирается на создание образных представлений, которые, материализуя мысль актера, отражаются в его речи, делая ее действенной и заразительной. Т. е., основу техники словесного взаимодействия составляет умение воспринимать партнера и воздействовать на него.

На эволюцию сценической речи и поиск оптимальных методических путей воспитания голоса оказало и продолжает оказывать развитие современных естественных наук — от физиологических исследований И. Сеченова и И. Павлова о высшей нервной деятельности, до нейромоторной теории колебания голосовых связок, разработанной в середине 20 в. французским ученым Р. Юссоном.

Элементы костюмов Сценический костюм находится в ряду важнейших компонентов спектакля, так как непосредственно определяет внешний вид актера, визуально его ипостась. Кроме того, костюм как элемент сценографии (сценическое пространство) способен создавать особую цветовую гамму, формировать стилистику и общую атмосферу спектакля. Однако главное, пожалуй, то, что костюм — это часть образа, создаваемая актером.

Думается, что вряд ли кто-нибудь не отличит театральный костюм от бытового, повседневного. Сценический костюм, даже современный, при внимательном рассмотрении почти всегда приподнят над реальностью в той степени, какая диктуется конкретной ролью и задачами, поставленными режиссером и художником спектакля.

Театральный костюм вырос из повседневного — костюма разных исторических времен и этносов.

Мода (за исключением, пожалуй, конца XX в.) — это зафиксированная форма популярной на данный момент одежды. Понятие «стиль» более общее. Это также и пластика, макияж, манера носить костюм, держаться, разговаривать. На основе стиля художником и режиссером вырабатывается стилистика уже самого спектакля.

Костюм как носитель стиля есть элемент того языка, средствами которого раскрывается атмосфера эпохи в спектакле. Причем совсем не обязательно театральному костюму быть точной копией того или иного исторического костюма, если, предположим, стоит задача «заявить эпоху». Достаточно несколько основных, выпукло поданных деталей, и зритель уже понимает, о каком времени идет речь. Это можно назвать стилизацией, подчас являющейся единственно возможным и правильным методом постановок в детском театре.

Существует костюм конкретизированный, с обилием деталей, сшитый для одного спектакля, но может быть и костюм «универсальный», чем не пренебрегает и профессиональный театр. Например, на основу, представляющую собой трико любого цвета, надеваются легко снимающиеся отдельные детали: воротник, плащ, юбка, головной убор, шаровары и т. п. Если эти детали менять, то костюм будет видоизменяться.

На уроках музыки мы можем, в большинстве своем, применять именно элементы костюмов. Например: галстук-бабочку, банты, маски, головные уборы, платки, перчатки, усики и другие. Элементы костюмов могут быть приготовлены или принесены учителем, либо принесены или сделаны детьми, так же они могут создаваться в ходе совместной работы, либо на трудах. детский творческий театрализация музыка Даже такие элементы костюма помогают ребятам войти в роль, создать нужную атмосферу и определенную эпоху.

Младшие школьники, особенно первоклассники, проявляют большой интерес к элементам театрализации, охотно вовлекаются в творческий процесс, начинают сами придумывать новые модели, это развивает их воображение, фантазию, а так же моторную активность.