Инструментальные жанры. 
История искусств

Несмотря на колоссальное значение жанра оперы в эпоху классицизма, распространенное понятие «венских классиков» относится скорее к инструментальным завоеваниям многочисленных австрийских композиторов и, конечно, к инструментальному творчеству И. Гайдна, В.-А. Моцарта, Л. Бетховена. Именно в инструментальных жанрах кристаллизуется то, что называют музыкальным стилем классицизма — единые принципы эстетики и структуры, образного мира и музыкального языка.

Жанрами, определяющими вершины инструментального стиля классицизма, являются симфония и соната. Во второй половине столетия они окончательно приобретают тот вид, в котором просуществуют в эпоху романтизма и в академической ветви музыки XX в. Еще в первой половине XVIII в. их практически нет (вспомним, что «экзерсисы» Д. Скарлатти названы были сонатами в XX столетии), а симфониями у Баха назывались части сюит и трехголосные инвенции.

Классицистская соната представляет собой цикл из частей, достаточно строго регламентированных в образном отношении и по структуре. Этот регламент действовал и в других жанрах — в квартете, сольном концерте с оркестром, симфонии, а понятие «соната» во второй половине XVIII в. стало применяться к произведениям для нового инструмента, входящего в обиход вместо клавесина и клавичембало, — фортепиано. Развитие техники игры на струнных инструментах, виртуозная артистическая практика способствовали развитию сонаты для фортепиано и скрипки, фортепиано и виолончели.

Циклическая форма сонаты представляет собою последовательность трех или четырех частей. Первая часть — подвижная, энергичная, в темпе allegro. Теоретическое музыкознание определяет ее как «сонатное аллегро» или «сонатную форму», так как ее структура всегда строго упорядочена. Это три больших раздела — экспозиция, разработка и реприза, у Бетховена часто добавляется четвертый, такой же масштабный раздел — кода. У Гайдна и Моцарта коды могут быть совсем небольшими. В экспозиции сонатного аллегро обязательно представляются две музыкальные темы, контрастные по образному смыслу: первая (главная партия) — активная, моторная, вторая (побочная партия) — более лирическая, певучая или танцевальная. В среднем разделе эти темы «разрабатываются», т. е. изменяются интонации мотивов, ритмический рисунок, фактура. В репризе они звучат в том же виде, что и в экспозиции. Важнейшим моментом сонатной структуры являются тональные изменения тем, которые и придают форме эффект развертывающейся пружины. В репризе все темы звучат в одной главной тональности.

Поскольку «соната» — единое название множества произведений, их и различают по тональности: соната Гайдна.

Es-dur (Ми-бемоль мажор), соната Моцарта C-dur (До мажор), соната Бетховена c-moll (до минор) «Патетическая». Вторая часть, как правило, медленная; и у нее есть свои обозначения темпов — andante, adagio, largo, lento, а также своя регламентированная структура — трехчастная форма с контрастной серединой, иногда вариации. Третьей частью обычно бывает менуэт (очень разный: от достойно-величавого и проникновенно лирического до грубовато-крестьянского). Бетховен заменил его на скерцо — искрометно шутливое, бурное, вихреподобное. Форма этих частей — и менуэта, и скерцо — тоже трехчастная. И наконец, последняя часть называется финал. В ней преимущественно опять используется сонатная форма с контрастом двух тем, но более сглаженным, или форма рондо.

В силу того, что вторая половина XVIII в. насквозь театральна, пронизана духом оперы и слух «отточен» многочисленными вокально-речевыми оборотами арий и речитативов, они легко опознаются в инструментальной музыке. В сонате мы просто «видим» жесты и движения, слышим реплики, например, традиционного персонажа оперной буффонады — старого ворчуна и волокиту. Он постоянно упрекает «коварных плутовок», подозревает измены, но при случае сам не прочь тряхнуть стариной и приударить за молоденькой субреткой, пускает в ход настойчивость и угрозы… А многоцветная галерея женских персонажей! «Сколько же здесь женщин, и какие они разные! — замечает музыковед В. Медушевский. — Можно было бы, наверное, написать целую книгу о женских образах в инструментальной музыке Моцарта» .

Сюжеты, персонажи, типы драматических коллизий определяют содержание и образную логику инструментальных сочинений. Музыкальный материал, музыкальные темы опер кочуют по страницам инструментальных сочинений не просто в калейдоскопическом беспорядке, но по законам логики опять-таки типовых либретто, т. е. в инструментальном сочинении проступает специфический «сюжет», из чередования эпизодов вырисовывается драма, музыка не просто доставляет чувственное наслаждение гармонией и благозвучием, но «повествует» и «представляет». Сходство оперных сюжетов в эпоху, когда на один поэтический текст писали по несколько десятков опер, порождает очевидный алгоритм событий, который для театра и инструментальной музыки оказывается единым. Неслучайно, характеризуя противопоставление тем главной и побочной партий в экспозиции сонатного allegro, говорят о конфликте, «завязке». Анализируя преобразования музыкального материала в разработке, употребляют понятия «кульминации», «апогея», а разрешение конфликта в репризе трактуют как «развязку» .

Симфонии в творчестве Гайдна и Моцарта демонстрируют становление классического образца — от практически декоративного дивертисмента до шедевров в позднем периоде творчества. Стоит задуматься над тем, что из 104 симфоний Гайдна и более 50 симфоний Моцарта историческая память сохранила около 20. Самые знаменитые из них — симфония № 40 g-moll Моцарта, пленяющая лирической экспрессией, и героическая № 41 C-dur, известная под названием «Юпитер». В концертной практике сегодня достаточно широко известны также № 25 g-moll, № 29 A-dur, № 31 D-dur «Парижская», № 35 D-dur «Хаффнер», № 36 C-dur «Линцская», № 38 D-dur «Пражская», № 39 Es-dur. Совершенно прелестный цикл представляет собой «Маленькая ночная серенада» для оркестра (1787), которую можно считать изысканной мини-симфонией.

Гайдн в своих симфониях любил всяческие «сюрпризы» и шутки, которые нашли отражение в названиях «Прощальная», «С боем литавр», «Часы». Ну и, конечно, в современном концертном репертуаре живут «Лондонские» симфонии № 103 Es-dur и № 104 D-dur, поразившие современников и продолжающие радовать сегодня естественной простотой народных по характеру мелодий, элегантностью и изяществом образов, веселым юмором и великолепной техникой инструментального письма.