Особенности технологии. 
Декоративно-прикладное искусство Урала и Башкирии

Искусство гравюры всегда находилось в развитии, однако его большая часть в настоящее время утрачено. В украшении появлялись элементы эклектики; орнамент постепенно вытесняет сюжетные композиции; появились новые приемы украшения.

С появлением булата появилась новая замечательная манера украшения клинков — булатные клинки имели красивую, так называемую муаровую поверхность (непроизвольные разводы различной формы и величины), и чтобы сохранить ее нетронутой, мастера украшали только ножны и рукояти, лишь иногда нанося скромный непритязательный орнамент на ограниченную поверхность клинка.

Причинной, повлекшей за собой упадок в граверном деле, явился новый метод нанесения рисунка на изделие — штамповка, при которой изображение наносилось при помощи особой печати из мастики. В большом количестве стали выпускаться низкопробные изделия, исполненные этим методом.

Особенности художественного языка

Златоустовская гравюра на стали была детищем целой плеяды известных мастеров.

Художник-гравер Берсенев Геннадий Михайлович. Родился он в 1923 году. Как рассказывает о себе художник, перед войной он сдал экзамены в Пензенское художественное училище, но учиться там не пришлось — ушел в 1941 г. на войну, которую прошел от Сталинграда до Вены. Геннадий Михайлович хорошо помнит два эпизода того времени: когда по заданию командира дивизии, походных условиях, после боя, писал портрет погибшего в том бою капитана, и когда в госпитале, где он лежал с ранением, по просьбе раненого лейтенанта из отдельных фотографий жены и детей сделал «рисунок», на котором все они были вместе.

В граверном цехе Берсенев работает с 1947 года. Свою деятельность он начинал вместе с граверами — выпускниками Златоустовского ремесленного училища, где было граверное отделение — В. В. Тарыниным, Л. Н. Валиевым, Г. В. Драгуном, А. И. Кузьмичевым и др., чьи имена уже вошли в историю златоустовского граверного искусства. Г. М. Берсенева можно назвать связующей ниточкой между прошлым златоустовской гравюры и ее настоящим, а его работы как нельзя лучше отражают историю развития этого вида искусства с 1950;х по 1990;е годы. Его творчество не обошли все те влияния извне, которые оказывали воздействие на граверное искусство вообще, и поэтому творческий путь Г. М. Берсенева разбивается на несколько этапов. Это он, вместе с другими художниками, приступив к работе в граверном цехе, начал возрождать орнамент в искусстве гравюры на стали. Его работы, наряду с работами его товарищей, открыли заново путь к международным и всесоюзным выставкам. И этими работами златоустовцы могли гордиться по праву, а не по инерции, как это было в 30 — 40-х годах XX века. В 1954 году им были выполнены декоративные топорики для выставки в Пакистане, в городе Карачи. В том же году Берсеневым, при помощи Г. Драгуна и В. Тарынина, создан кубок в честь 300-летия воссоединения Украины с Россией. Сейчас кубок хранится в ассортиментном кабинете цеха. По всему кубку расположена золотая орнаментальная роспись, в обрамлении которой по бокам кубка выгравированы картины из истории украинского народа. На верхнем кольце под крышкой выгравированы слова из гимна Советского Союза, по нижнему кольцу подставки — «Братскому украинскому народу от трудящихся Челябинской области». Как отмечается М. Глинкиным, кубок — значительное по своим тематическим и орнаментальным качествам произведение. Но даже он имеет ряд недостатков, присущих обновляющейся гравюре того времени, — недостаточно откорректирована форма предмета, излишняя перегруженность орнаментом лишает это произведение еще одного декоративного элемента — чистой поверхности стали. Но в целом кубок выполнен на очень высоком художественном уровне. В 1958 году Берсенев выполняет ряд замечательных работ: меч, посвященный победе в Великой Отечественной войне, который экспонировался в 1958 году на международной выставке в болгарском городе Пловдиве: несколько украшенных разрезных ножей — для выставки в Праге в 1959 году. Эти вещи очень приятны на вид «невызывающи» и создают впечатление о гравюре как о выздоравливающем искусстве Златоуста. Сейчас они хранятся в краеведческом музее г. Златоуста.

Но в начале 50-х годов художник создает вещи «на потребу», для массового выпуска: рамку для фотографии, пластину с изображением реалистического пейзажа. Их можно увидеть в ассортиментном кабинете цеха, но это был заказ производства. И если поставить рядом его уникальные образцы и изделия для ширпотреба — разница в художественных достоинствах очень большая.

В 60 — 70-е годы, под влиянием «сурового стиля», Берсенев создает несколько экспериментальных работ. Сами по себе они мало чем напоминают подлинную златоустовскую гравюру на стали, но в качестве эксперимента и при отсутствии аналогов, интересны и заслуживают внимания. Их также можно увидеть в ассортиментном кабинете. От «сурового стиля» для этих работ Берсенев берет лаконичность изображения, но делает это не при помощи пятна, используемого «суровым стилем», при помощи линии. Например, диптих «Семья»: на первой плоскости-пластине изображены молодые мужчина и женщина: на второй — молодая семья с маленьким ребенком. Изображение построено на контрасте темного фона и «золотой» линии. По стилистике эти произведения близки к графике Матисса или Краскаускаса, но выполнены в более реалистичной манере. В таком же ключе создана работа еще одного мастера, Л. Валиева, и называется она «Весенний росток». златоустовский гравюра украшение клинок Учеником Г. М. Берсенева был Олег Аверкин. Это самый молодой художник-гравер творческой группы. Очень часто два художника-гравера работают вместе — по эскизам Г. М. Берсенева. О. Аверкин создает произведение. Некоторые совместные работы этих художников находятся в Златоустовском краеведческом музее. Пришел на завод художник в 1973 году. Специального художественного образования у него нет. Работы О. Аверкина отличаются лиричностью и мягкостью. При украшении вещи художник отдает предпочтение растительному орнаменту, причем орнаменту крупных форм, без мелкого дробления деталей. Иногда он сочетает ярко выраженную стилизацию с почти реалистичным показом изобразительных элементов. Такова, например, декоративная тарель «Земляничка» 1981 г. Ее обрамляет кайма со стилизованным растительным орнаментом на основе полевых цветов — колокольчиков, а в центре композиции, наряду со стилизованными ромашками — кустик земляники, изображенный почти реалистично: при помощи глянцевитого и матового золота художник создает объем ягод. И это сочетание ярко выраженной плоскости стилизованного изображения с объемными формами вносит в работу некоторую дисгармонию. Этот же недостаток — в декоративной тарели-медальоне «Соцветие» (1977 г.), где рядом со стилизованными колокольчиками и ромашками художник старается изобразить объемную розу, да и само сочетание нежных полевых цветов с роскошной розой вносит в работу некоторую дисгармонию. И еще один недостаток у этих работ — изображению как бы не хватает места, рисунок чуть крупнее того, какой хотелось бы видеть. Но эти тарели замечательно решены в цветовом и тональном отношении. В «Земляничке» при помощи более яркого золота очень удачно формируется центр, сразу же привлекающий внимание, в «Соцветии» же, наоборот, — тон и цвет на всей плоскости одинаковы, и эта целостность делает вещь очень спокойной и мягкой.

В 1984 г. художник создает серию декоративных лоточков. Все они разные по манере украшения, но все выполнены на очень высоком профессиональном уровне. Форма лоточков разная, но у всех найдена та точка соприкосновения формы и украшения, которая является единственной для данной вещи и не оставляет желать лучшего. Один из лоточков имеет изящную вытянутую овальную форму с чуть волнистыми краями. По кайме расположен растительный орнамент, даже не орнамент, а реалистичное изображение полевых цветов в миниатюре, что стало редкостью. Ближе к центру изображение листьев и стеблей очень плотное, а по мере удаления к краям появляются цветы, расположенные очень свободно. Создается впечатление пространства ввысь. В центре, повторяя очертания лотка, — овальная рамка из незатейливых завитков, внутри которой несложная линейная композиция. Графическая организация центра подчеркивает легкость миниатюры. Другой лоточек украшен крупными орнаментальными элементами и соответственно им имеет более конкретную форму (геометрическую). О. Аверкин обращается к украшению лоточков в середине 80-х годов В 1987 г. появляется лоток «Ландыш», который находится постоянно в творческом цехе, у мастера. Если честно, я не могла оторвать от него глаз и, взяв в руки, не хотела его отпускать. Этот лоток утвердили, как будто бы, в серийное производство, но появилась масса отговорок от людей, которые непосредственно занимаются техническим внедрением вещей в производство. Якобы нет технических приспособлений для создания такой формы и работы с ней, но О. Аверкин (по секрету) сказал, что они есть, только внедрение новой вещи требует большой работы, что не устраивает некоторых ответственных лиц. Еще один лоток, выполненный О. Аверкиным в 1982 г, был утвержден для серийного выпуска, но до сих пор лежит в сейфе.

Вообще в производстве гравюры для массового спроса сложилась странная ситуация: очень много вещей, замечательных по своим художественным достоинствам и являющихся произведениями настоящей златоустовской гравюры, лежат утвержденными для серийного выпуска по нескольку лет, но их не внедряют в производство из-за более сложной, но интересной формы, из-за более трудоемкого украшения, что на первых порах может снизить производительность, да и хлопот прибавляется. И заводское начальство не желает этим заниматься, так как 100 млн. рублей в год дает заводу производство холодильников и лишь 1 млн. — гравюра, «так чего же с ней возиться!» Интересно, что до сих пор в производстве находятся пластины, которые были созданы художниками в 60 — 70-х годах, например, «Весенняя песнь» М. Антипова (1979 г.), пейзаж В. Тарынина, выполненный в «суровом стиле» в 1962 году, «Сеттеры» А Боронникова 1971 года. А многие вещи, замечательные по своим художественным качествам, лежат утвержденными для серийного выпуска, но так и не запущенными в производство.

Вообще все художники творческой группы имеют свой стиль, манеру украшения вещей, которые складываются на основе тяготения художника к определенной линии, декору, к степени контрастности света и тени, к излюбленным сюжетам и т. п. Работы одного художника (например, Лохтачевой) можно сразу отличить от работ других художников по плавной, очень женственной линии, мягким, несложным формам сюжетных и орнаментальных композиций, по равномерному распределению по плоскости украшаемой вещи света и тени, по насыщенной заполняемости элементами украшения каждого сантиметра плоскости.